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齐白石的书画作品动辄拍出千万元价格，价格最高的达到4.255亿元，而再巧夺天工的紫砂壶，目前拍卖市场的最高成交纪录是1344万元；画水墨写意画一蹴而就，受市场追捧价格高不可攀，辛苦劳动制作的雕塑、漆画、版画却往往难以在拍场上出现高价……
被“歧视”的工美艺术
自2010年起，近现代书画频频出天价，甚至已成为常态。而与此同时，其他艺术品类并没有如此风光。以雕塑为例，目前被市场视为作品价格最高的当代雕塑家向京，其作品的拍卖价最高为627.2万元，而广东的著名雕塑家潘鹤作品最高拍卖成交价为89.6万元。
工艺美术在拍卖场上不敌纯艺术品的案例，如今可谓屡见不鲜，几乎成为业内人士心中的一根刺——同样是艺术创作，并且比一蹴而就的国画油画更加费时费力，为什么反而不如它们值钱呢？更让人无奈的是，和国画油画等纯艺术品市场的热火朝天相比，工艺美术行业虽然谈不上门前冷落车马稀，但转投书画等纯艺术领域的业界人士却在日益增多。
广州美院版画系的李晓毕业后一直在从事美术教育，据她介绍，和她同班的30多个同学，大部分人因为现实问题放弃了版画。“不少美院的版画系教师也逐渐改为中国画，国画的市场氛围更好，也有一些年轻版画家转画油画的，不用那么辛苦，钱还来得更多更快，何乐而不为？”另一位版画家也无奈地表示：“不光是版画，雕塑、漆画等工艺美术，都是劳动强度大、劳动时间长的‘苦力活’，得到的回报又不成正比，改行也是人之常情。”
工艺美术从业者转投纯艺术领域，似乎已成为当今工艺美术界的一股风潮。这其中固然有经济方面的现实因素，还有思想观念上的变化。“现在印刷水平这么先进，手机拍照后就可以直接打印出高清喷画，很多人都觉得版画也不过是‘印刷品’，而不知道版画的‘印痕美’是机器无法比拟的。”对于这种看法，李晓固然愤愤不平，但更多的还是无法言说的落寞。
付出越多，收获越少？
为何劳动量越大的艺术品越不值钱？这是如今工艺美术行业大家都在思索的一个问题。而艺术家在创作中花费的劳动时间和艺术强度，与艺术品价值是否成正比？更是目前艺术圈争论的焦点。
对此，跨界学者、中山大学传播与设计学院副院长杨小彦提出了“审美传统”这一说法，“‘劳动时间’和‘劳动强度’在艺术上往往被忽视甚至无视，这往往决定于一个社会对于纯艺术的评价。虽然没有明文规定，但是大致上艺术界都认可这样的判断，即纯艺术本身在某种程度上不应该有工艺性。也就是工艺品制作得再精美，都不能跟绘画相比，因为人们的审美共识就是纯艺术表达精神，而工艺美术只是一种精益求精的制作，其工艺性绝对不是艺术性。”
可以说，在目前的主流思想观念里，纯艺术是反工艺、反装饰的。而这也是为什么在市场上，齐白石的画一定比紫砂壶价格高的原因。因为在传统的审美中，紫砂壶还只是器具，即使制作精美到令我们惊叹，但它也还只是茶壶，只是工艺，而齐白石就是纯艺术。“市场是不会混淆工艺品和纯艺术的。”杨小彦说，雕塑有架上雕塑，比如罗丹的作品，但也有空间的公共艺术；漆画，虽然是艺术的品类，但在相关的传统范围内，它还是工艺品。
“有一种观点认为，当工艺性越来越强、制作性越来越强，人们总认为其艺术性会被弱化。”因此，即使是今天，这些工艺美术类的艺术品始终也无法与绘画艺术相媲美。“在21世纪，一些概念都产生了重大的变化，但是工艺性和艺术性一定是对立的，这是由来已久的审美传统，只能说也许以后会逐渐改变。”杨小彦说。
忽略“劳动量”的当代艺术
美术史上有一个著名的“公案”。上世纪，美国印象大师詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒的一件作品《泰晤士河上散落的烟火：黑和金的小夜曲》公开展出，评论家约翰·拉斯丁评论称这件作品不该卖出那么高的价格，因为可以从画面看到画家仅仅用了很短的时间完成这件作品。画家非常生气，起诉拉斯丁羞辱了自己的艺术，“拉斯丁只看到我这么快完成的效果，却不知道我为了达到这个效果奋斗了几十年。况且艺术品价值不能以时间和艺术难度来衡量。”这件事情最终以拉斯丁赔偿画家10便士而了结，也因此成为艺术史上非常重要的事件。
可见，投放在艺术上的时间和技术难度，并不是衡量艺术品价值的唯一条件。众所周知，不同的艺术品类的时间花费和劳动强度各有不同，有的看起来很轻松，有的看起来很苦。而在当代的浮躁氛围影响下，许多艺术家在创作中投入的精力远不如前。甚至有人开始打着“不能以投放在艺术品上所花的时间和技术难度来判断艺术品的价值”，这样的口号似乎已成为“投机取巧”的护身符。
今天，人们越来越看重抽象的艺术品，这种现象尤其在中国更为明显。对于这样的趋势，杨小彦说：“市场上具象的、花费时间长的架上绘画一定能卖出高价，而充满抽象价值、看不出艺术难度的艺术品，经过大量评论、展览、作秀、推广，最后同样也能获得不可思议的价格。”
杨小彦认为，不管是什么材料，什么艺术形式，也只是人类表现情感的工具而已，一个成功的艺术家应该是各种画种都能驾驭，能运用各种材料来表达自己的思想。但如今这种所谓的“取巧艺术”却屡见不鲜，除了让艺术圈啼笑皆非之外，更让一些人感到忧心。
“传统工艺文化论”
诚然，也许艺术品不应该仅以劳动量来衡量其价值，但是当艺术家投入大量的劳动和心血，他创作出来的作品仍然应当受到尊敬，无论它是纯艺术还是工艺美术。然而，如今“工不如艺”的现状却让我们清楚地看到，工艺美术品的价格普遍低于纯艺术品，其根本原因并不在于“劳动量”，而是在于它的文化内涵。
归根结底，工艺美术品始终是文化产品，如果说精湛的工艺始终是作品的“身体”，那么文化就是作品的“灵魂”。这种灵魂是艺人赋予的，当设计者和制作者将自己的文化情思融合进作品时，不同的文化修养就会让作品产生千差万别的气质。徐悲鸿、齐白石一张画能卖几千万甚至上亿，这就是文化的不可估量的经济效益。
如果一个工艺大师有齐白石一样的文化底蕴，一样的名气，那么他所创作的作品又会在拍卖会上拍出什么价格呢？又或者说，齐白石创作的工艺美术品又能拍出什么价格呢？虽然这些问题只是假设，但我们从中却能感悟到一点东西。故而在工艺美术界，“传统工艺文化论”在行业内已得到不少人的认同。要提升工艺美术品的价值，首先要提升其文化价值。
中国竹工艺大师、高级工艺美术师卢光华从上世纪80年代末就意识到文化是传统工艺美术创新和发展的源泉。为了洗去竹编作品的匠气，他加强了自身的文化学习，广泛涉猎各艺术门类，提高自己对文艺作品的领悟能力、鉴赏能力，从而提高对美和情感的“表达能力”，提升竹编书画作品的文化内涵。
“没有文化的艺人，无论桂冠多少，终究只是工匠，我们经常说某件工艺品有灵气、有内涵，传达出种种只可意会不可言传的气韵；而某件作品则形象呆板、不够灵动……”在卢光华看来，目前的工艺美术创作偏重于“工”（即技法），而忽略了“艺”（即文化内涵），常让人喟叹“有匠气，无匠心”。传统工艺美术行业从业者，必须从根本上转变生产理念，补上文化修养这一课，从而增强文化竞争力，改变过去那种有手艺而无文化的旧貌，方能让传统工艺美术品拥有与纯艺术品一较高低的底气。
被“歧视”的工美艺术
自2010年起，近现代书画频频出天价，甚至已成为常态。而与此同时，其他艺术品类并没有如此风光。以雕塑为例，目前被市场视为作品价格最高的当代雕塑家向京，其作品的拍卖价最高为627.2万元，而广东的著名雕塑家潘鹤作品最高拍卖成交价为89.6万元。
工艺美术在拍卖场上不敌纯艺术品的案例，如今可谓屡见不鲜，几乎成为业内人士心中的一根刺——同样是艺术创作，并且比一蹴而就的国画油画更加费时费力，为什么反而不如它们值钱呢？更让人无奈的是，和国画油画等纯艺术品市场的热火朝天相比，工艺美术行业虽然谈不上门前冷落车马稀，但转投书画等纯艺术领域的业界人士却在日益增多。
广州美院版画系的李晓毕业后一直在从事美术教育，据她介绍，和她同班的30多个同学，大部分人因为现实问题放弃了版画。“不少美院的版画系教师也逐渐改为中国画，国画的市场氛围更好，也有一些年轻版画家转画油画的，不用那么辛苦，钱还来得更多更快，何乐而不为？”另一位版画家也无奈地表示：“不光是版画，雕塑、漆画等工艺美术，都是劳动强度大、劳动时间长的‘苦力活’，得到的回报又不成正比，改行也是人之常情。”
工艺美术从业者转投纯艺术领域，似乎已成为当今工艺美术界的一股风潮。这其中固然有经济方面的现实因素，还有思想观念上的变化。“现在印刷水平这么先进，手机拍照后就可以直接打印出高清喷画，很多人都觉得版画也不过是‘印刷品’，而不知道版画的‘印痕美’是机器无法比拟的。”对于这种看法，李晓固然愤愤不平，但更多的还是无法言说的落寞。
付出越多，收获越少？
为何劳动量越大的艺术品越不值钱？这是如今工艺美术行业大家都在思索的一个问题。而艺术家在创作中花费的劳动时间和艺术强度，与艺术品价值是否成正比？更是目前艺术圈争论的焦点。
对此，跨界学者、中山大学传播与设计学院副院长杨小彦提出了“审美传统”这一说法，“‘劳动时间’和‘劳动强度’在艺术上往往被忽视甚至无视，这往往决定于一个社会对于纯艺术的评价。虽然没有明文规定，但是大致上艺术界都认可这样的判断，即纯艺术本身在某种程度上不应该有工艺性。也就是工艺品制作得再精美，都不能跟绘画相比，因为人们的审美共识就是纯艺术表达精神，而工艺美术只是一种精益求精的制作，其工艺性绝对不是艺术性。”
可以说，在目前的主流思想观念里，纯艺术是反工艺、反装饰的。而这也是为什么在市场上，齐白石的画一定比紫砂壶价格高的原因。因为在传统的审美中，紫砂壶还只是器具，即使制作精美到令我们惊叹，但它也还只是茶壶，只是工艺，而齐白石就是纯艺术。“市场是不会混淆工艺品和纯艺术的。”杨小彦说，雕塑有架上雕塑，比如罗丹的作品，但也有空间的公共艺术；漆画，虽然是艺术的品类，但在相关的传统范围内，它还是工艺品。
“有一种观点认为，当工艺性越来越强、制作性越来越强，人们总认为其艺术性会被弱化。”因此，即使是今天，这些工艺美术类的艺术品始终也无法与绘画艺术相媲美。“在21世纪，一些概念都产生了重大的变化，但是工艺性和艺术性一定是对立的，这是由来已久的审美传统，只能说也许以后会逐渐改变。”杨小彦说。
忽略“劳动量”的当代艺术
美术史上有一个著名的“公案”。上世纪，美国印象大师詹姆斯·阿博特·麦克尼尔·惠斯勒的一件作品《泰晤士河上散落的烟火：黑和金的小夜曲》公开展出，评论家约翰·拉斯丁评论称这件作品不该卖出那么高的价格，因为可以从画面看到画家仅仅用了很短的时间完成这件作品。画家非常生气，起诉拉斯丁羞辱了自己的艺术，“拉斯丁只看到我这么快完成的效果，却不知道我为了达到这个效果奋斗了几十年。况且艺术品价值不能以时间和艺术难度来衡量。”这件事情最终以拉斯丁赔偿画家10便士而了结，也因此成为艺术史上非常重要的事件。
可见，投放在艺术上的时间和技术难度，并不是衡量艺术品价值的唯一条件。众所周知，不同的艺术品类的时间花费和劳动强度各有不同，有的看起来很轻松，有的看起来很苦。而在当代的浮躁氛围影响下，许多艺术家在创作中投入的精力远不如前。甚至有人开始打着“不能以投放在艺术品上所花的时间和技术难度来判断艺术品的价值”，这样的口号似乎已成为“投机取巧”的护身符。
今天，人们越来越看重抽象的艺术品，这种现象尤其在中国更为明显。对于这样的趋势，杨小彦说：“市场上具象的、花费时间长的架上绘画一定能卖出高价，而充满抽象价值、看不出艺术难度的艺术品，经过大量评论、展览、作秀、推广，最后同样也能获得不可思议的价格。”
杨小彦认为，不管是什么材料，什么艺术形式，也只是人类表现情感的工具而已，一个成功的艺术家应该是各种画种都能驾驭，能运用各种材料来表达自己的思想。但如今这种所谓的“取巧艺术”却屡见不鲜，除了让艺术圈啼笑皆非之外，更让一些人感到忧心。
“传统工艺文化论”
诚然，也许艺术品不应该仅以劳动量来衡量其价值，但是当艺术家投入大量的劳动和心血，他创作出来的作品仍然应当受到尊敬，无论它是纯艺术还是工艺美术。然而，如今“工不如艺”的现状却让我们清楚地看到，工艺美术品的价格普遍低于纯艺术品，其根本原因并不在于“劳动量”，而是在于它的文化内涵。
归根结底，工艺美术品始终是文化产品，如果说精湛的工艺始终是作品的“身体”，那么文化就是作品的“灵魂”。这种灵魂是艺人赋予的，当设计者和制作者将自己的文化情思融合进作品时，不同的文化修养就会让作品产生千差万别的气质。徐悲鸿、齐白石一张画能卖几千万甚至上亿，这就是文化的不可估量的经济效益。
如果一个工艺大师有齐白石一样的文化底蕴，一样的名气，那么他所创作的作品又会在拍卖会上拍出什么价格呢？又或者说，齐白石创作的工艺美术品又能拍出什么价格呢？虽然这些问题只是假设，但我们从中却能感悟到一点东西。故而在工艺美术界，“传统工艺文化论”在行业内已得到不少人的认同。要提升工艺美术品的价值，首先要提升其文化价值。
中国竹工艺大师、高级工艺美术师卢光华从上世纪80年代末就意识到文化是传统工艺美术创新和发展的源泉。为了洗去竹编作品的匠气，他加强了自身的文化学习，广泛涉猎各艺术门类，提高自己对文艺作品的领悟能力、鉴赏能力，从而提高对美和情感的“表达能力”，提升竹编书画作品的文化内涵。
“没有文化的艺人，无论桂冠多少，终究只是工匠，我们经常说某件工艺品有灵气、有内涵，传达出种种只可意会不可言传的气韵；而某件作品则形象呆板、不够灵动……”在卢光华看来，目前的工艺美术创作偏重于“工”（即技法），而忽略了“艺”（即文化内涵），常让人喟叹“有匠气，无匠心”。传统工艺美术行业从业者，必须从根本上转变生产理念，补上文化修养这一课，从而增强文化竞争力，改变过去那种有手艺而无文化的旧貌，方能让传统工艺美术品拥有与纯艺术品一较高低的底气。