足尖的藝术

　　1933年的一期Vogue杂志上，艺术鉴赏家、文化人士Lincoln Kirstein在一篇文章中写道：“芭蕾有一种特殊的魅力，一种浪漫的刺激，其他任何一种艺术形式都无法超越。它对于绘画、音乐、时尚、装饰艺术等领域都有着深远的影响。”因为偶然读到这篇文章，以Patricia Mears为首的纽约时装学院博物馆策展团队意识到，是时候以一场展览来向大众展现时装与芭蕾间的深刻渊源。
　　‘尽管芭蕾这种艺术形式已经有350年的历史，但女性芭蕾舞者在社会中的受尊重程度并不高.直到20世纪初期，她们的地位才稍有提升，并对文化艺术开始产生影响，这很大程度上归功于Anna Pavlova这样的著名芭蕾舞蹈家。但也不要忘了在此之前，她们的先辈们做出的耕耘和努力。”除了Mears口中这些以宛如天鹅般的婀娜身姿化身优雅使者的芭蕾舞者外，彼时也正值服装廓形产生剧变的时期，伴随着Diaghilev在巴黎创立的俄罗斯芭蕾舞团（Ballets Russes;的盛行，以Paul Poiret为代表的西方设计师被这种散发着异域风情与极致高雅的艺术吸引了目光，饰有羽毛、珠片、刺绣等装饰的薄纱长裙、高傲扬起裙摆的蓬蓬半裙等芭蕾风格设计开始在高定时装中频繁出现，芭蕾对高级时装的影响逐渐显露。除此之外，简洁却十分凸显女性身体曲线的紧身连衣裤、丝质裤袜、芭蕾舞鞋等单品也在50年代中期启发了一大批以Claire McCardell为首的成衣设计师。
　　但好景不长，芭蕾对时装的影响在20世纪中期达到鼎盛之后，70年代起又逐渐黯淡。相对正统而矜持的芭蕾，迪斯科锐舞、霹雳舞、机械舞等舞蹈形.式更符合流行文化的叵测标准，也更能追赶上千禧年的急促脚步。而或许是当年的酷炫潇洒终于令人眼花缭乱，近年来，在街头潮流纷纷退场之时，芭蕾又重回时装视野。比如由创意总监Maria Grazia Chiuri带来的Dior 2019年春夏系列中，不仅时装折射着芭蕾的影子，秀场上更是穿插了气度非凡的舞蹈表演。值得一提的是，Christian Dior先生本人也是芭蕾的热衷者，他曾与法国编舞家Roland Petit合作，为芭蕾舞剧Treize Danses设计演出服。
　　芭蕾与时装如此形影不离的百年时光为纽约时装博物馆提供了许多素材，本次展览将展出最具代表性的约90件展品。其中许多都漂洋过海自经典芭蕾舞走向现代之路的重要阵地英国。其中，位于英格兰的巴斯时装博物馆收藏了许多英国传奇芭蕾舞家MargotFonteyn生前的高定时装，“她不仅是世界级的艺术家，更是一位极具风格的女性”，Fonteyn的这个双重特质与本次展览不谋而合。为.此，Mears向巴斯时装博物馆借调了数件来自Christian Dior和YvesSaint Laurent等时装大师的作品，这些珍宝对于英国地区外的观众而言可说是干载难逢的欣赏机会。
　　除了向公众开放芭蕾舞者的绝美衣橱，展示设计师们以芭蕾为灵感的精彩设计外，来自NewYorkCityBallet等权威舞蹈机构，曾在《天鹅湖》《睡美人》等知名舞剧中出现的真实芭蕾演出服也将一并展出。“这将是一场相对传统的展览，我希望以一种更加沉静的形式让观者可以专注地观察每一件展品，从而清晰地看到芭蕾与时尚间的关联，这看似是一种直白且显而易见的关系，但实际上，真正探讨两者关系的学术研究少之又少。”可以想象，在纽约时装学院博物馆并不庞大的展厅内，将有一场十分扎实而丰盛的演出上演。
　　Ballerina：Fashion’sModernMuse
　　时间：2020年2月11日至2020年4月18日
　　地点：纽约时装学院博物馆

　　1/4/7.来自芭蕾舞家MargotFonteyn的衣橱，Christian Dior1947春夏系列套装、1950年春夏系列亮片裙、1965年的YvesSaint Laurent鸵鸟毛裙。2.1950年的Claire McCardell泳装及Capezio芭蕾平底鞋，
　　摄影：JohnRawlings。
　　3.Pierre Balmain粉白相间羽毛礼服裙，1949年 　　5.1947年的Christian Dior薄纱礼服裙，摄影：LouiseDahlWolfe。
　　6.Chanel海军蓝亮片晚装裙，1937年。
　　Kimono：KyototoCatwalk
　　时间：2020年2月29日至2020年6月21日
　　地点：伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆

新潮的传统

　　从麦当娜在其音乐录影带中穿着的一袭Jean Paul Gaultier红色和服，到奥斯卡最佳服装设计奖得主《艺伎回忆录》中不胜枚举的精美和服，再到John Galliano为Christian Dior2007春夏高定系列设计的蝴蝶夫人和服套装……多年来，西方世界里频频闪现和服的经典时刻。而在今年2月，在欧洲举办的首个以和服为主题的大型展览终于将.在伦敦维多利亚和阿尔伯特博物馆拉开帷幕。
　　聊起举办这场展览的初衷，策展人Anna Jackson说道：“尽管维多利亚和阿尔伯特博物馆以极具创新性的时装展闻名，但其主体基本上都围绕西方时尚。我们想表现时尚其实流淌在世界每一个角落，并不是一个欧洲发明。而日本正在经历一个和服复兴的时期，一些新生代设计师选择以和服作为设计主体，来吸引年轻一代消费者。同时东京奥林匹克运动会也即将在今年到来，这无疑是一个探索日本文化的好时机。”
　　从标题“Kimono：KyototoCatwalk”不难看出本次展览的双重维度：从京都到T台，既指东方与西方，也是过去与未来、传统与新潮间的博弈。故事始于日本时尚气候初见萌芽的17世纪中期，彼时富有的商人阶级借由服装来展示他们的财富和品位，而廓形单一，却在面料、印花、工艺等视觉方面可大做文章的和服成了最佳媒介。这种神秘而隆重的日本传统服饰随即传入欧洲，连续几个世纪成为西方世界接近并揣
　　摩亚洲的奇幻万花筒。这般影响力在20世纪初期达到最大值，彼时最负盛名的几位设计师：Paul Poiret、Mariano Fortuny和Madeleine Vionnet，都曾视其为灵感源泉，甚至催化了时装史上重要的廓形改革。

　　时至今日，和服对时装设计师的吸引力仍毫不褪色，对.日本文化情有独钟的Giorgio Armani数次在其ArmaniPrive高级定制系列中借鉴和服廓形，以西方的凛冽融合和服的柔情;Thom Browne也在其男女装设计中皆致敬这一传统服饰，为其带来前卫、天马行空且更具戏剧化的一面。这些和服的当代演变，都将被囊括进本次展览中。“我们的挑战是以时尚的语境来展现和服，目前举办过的一些相关展览通常表达的都是亚洲传统服饰的异域风情及其亘古不变的外观，但我们想更从当地的视角出发，不仅告诉大众和服是丰富、多变。一直在发展的，同时也点明日本在跨文化对话中扮演的重要角色。”
　　为了更好地向西方世界展现和服这一东方瑰宝，以Jackson为首的策展团队做了许多特别的设计。比如大部分展览采用T形支架来展示和服，这样虽然能清晰地看到衣服上的每處细节设计，却使服装整体扁平化，为了解决这个问题，Jackson使用了传统立体人台将和服正常穿着其上，并辅以照片、画作等视觉资料，以更加全面、真实地展示和服的形象。同时为了减少可能存在的文化隔阂，为观者营造一种身临其境之感本次展览特别与Storey Studio合作，综合视觉、灯光、音效等各方面，打造了一个沉浸式的体验。面对多媒体展览是否会喧宾夺主的担心，Jackson说道：“我们力求通过加强环境让展品更加生动且完整，而非与它们抢夺关注度。”
　　本次展览的最后一部分将目光聚焦20世纪下半叶的和服发展此时和服在日常生活中出现的频率大大降低，但它作为日本文化特性的代表角色却被大幅加深和强化。这或许是每一种传统服饰、工艺甚至文化都在面临的处境，而Jackson的话道出了这种处境下的普世心声，“和服无疑已经在全球的时装史上占据着一席之地，但同时我们也希望它有个积极的未来。”