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摘要：艺术本身就是来源于生活的，我们不需要去矫揉造作，用心地去感受生活，画出真实的，属于这个时代的，更属于你自己的作品才是最好的。
关键词：写意人物；气韵生动；造型；笔墨
说到写意人物，很多人会第一个想到宋代禅门画家梁楷的《泼墨仙人图》。以“墨戏为精神，以减笔为技法”虽然是寥寥几笔，但却把对象的神韵表现得淋漓尽致。他确实是减笔人物的一位高人，后人很努力，似乎也很难去超越。值得强调的是，写意人物不仅仅只是梁楷类型的大写意减笔人物，写意人物还有一些小写意的、兼工带写的。门类很多，各式各样。在我看来，它应该是把六法中“气韵生动”摆在最重要的位置，而且占据这点来支撑其画面，它是灵魂；或紧或松，都是看画者当时的感受，所以写意，相对于工笔，更多是寄情于画，伤心、愤怒、喜悦……郑板桥曾颂扬八大山人：“横涂竖抹千千幅，墨点无多泪点多。”足以说明性情的重要性；虽说从顾恺之到梁楷再到陈洪绶等等卓越的历史人物画家，他们很优秀，创造了中国古文明的灿烂文化，我们不能忘记，我们也必须从他们身上学习中国传统的人物画法，但是我们千万不要一味地去追随。不管是写意、工笔、山水还是人物，我们应该画出专属于我们这个时代所具备的一些特征。艺术来源于生活的，我们不需要去矫揉造作，用心地去感受生活，画出真实的，为之动容的，属于这个时代的，更属于你自己的作品才是最好的。
写意人物的课程是安排在大三上学期，共有四周。苏老师很用心有计划的教导我们，第一周是画芥子园，画谱上的水浒人物，练习线条。比起以前工笔时的线稿练习，这次不允许照着形去描，而是图书凭感觉画，我刚开始画的前三张都特别的谨慎小心，可是就是画不好。直到最后，我似乎明白了工笔与写意的不同之处，放开胆子，抓住人物动态，铺开笔锋，带着激情，效果果然出乎意料。第二周，老师让我们临吴道子的《天王送子图》，吴道子是画界中的“画圣”，当然是名不虚传了，他极具動感的兰叶描把画里的人神刻画得超脱世俗。虽然没有把全幅都临完，但是却从中体会了不少，体会着里面的神韵、造型、线条、对于不同物象的区别处理。第三周，临摹近现代优秀画家的画，如任伯年、王子武、蒋兆和等等。比起吴道子，曹不兴之类的白描大师，这些人更具时代气息，具有个人风格。我临的是任伯年的写意人物，他还是属于传统派别的，不管是从人物的造型还是笔墨的表现，都具有极其扎实的功力，以书入画，诗书画印结合。结合上两周学到的东西，运用到这次的临摹里，作用很大。其实不管是临摹写生或是创作，都要用心去体会，“意在笔先”是真的，大部分时间应该用来思考、琢磨，而不是一味地求数量。当然，第三周除了临摹，还有开眼，了解了更多的关于写意人物的画家，尤其是近当代的。例如，徐乐乐、秦修平、田黎明、刘庆和、李孝宣、周京新、吴山明等等，他们有着不同的处境，画着不同的人物，相同的却是他们都在用心作画，有的人衣食无忧，有的人却纠缠于人情世故之中无法自拔，最终就会有人是寄乐于画。这样的不同会导致各自极端的个性化。第四周，是人物写生，老师有找一些年纪较大的模特来画，因为对于我们来说，难度会降低。从四尺三裁到四尺，一张一张明显的进步。这满满的四周，给我打下了基础。写意，看着容易，其实很难，它需要扎实的基础，但是又不能被基础所束缚；它需要多加练习的坚持，更需要足够的激情来予以点亮。
人物，顾恺之日：“传神写照，总在阿堵之间”传说顾恺之画人物与动物常久久不点睛，需斟酌很久很久才予以下笔。魏晋南北朝的谢赫的“六法”中，把“气韵生动、骨法用笔”居于前首。总之神韵很重要。依我的观点，神韵肯定是最重要的，但心灵的窗户却不仅仅只有眼睛，有一个东西很关键，我们叫它“气”。怎么理解，就是一个人当时的一个精神状态。他的年龄、性格、职业以及他此时此刻在想什么，都会不自然地流露，有时候我们是通过细节来捕捉，更多的是通过对人物整体的一个塑造，包括他的着装、表情、姿态、甚至场景来表现。画面上，我们称“贯气”。举个例子，比如西蜀的禅门画家贯休，他善于画佛门中的罗汉，其作品《十六应真图》流传于世，不过现在在日本。他画的罗汉形象怪诞晾人，高额大鼻，甚至张着大嘴巴，和那时候女人头发般长度的眉毛……虽是形象夸张，如果人物放到生活中也确实是会吓到人，但是在画面上确实很具个性却不失和谐。贯休画的罗汉不像一般人描绘的那么正气昂然、贵气逼人，他画的似乎更像他自己，桀骜不驯、放荡不羁，却又不失罗汉的本质，朴实并脱俗。所以说，风格千差万别，我们没有一个固定优秀的模式的套用，不过如果艺术真是用一个模式去禁锢，那绝对称不上是艺术。但是这个“气”确实是相当的重要，高中时我们问老师问题总是爱钻牛角尖，把老师弄得很无语，这个时候他总会说一句话：“画画这东西，只可意会，不会言传。”许多技法的东西当然是可以言传，但真要想画好，靠老师的指导是一部分，更多的是要画者自己去用心的感悟。
写意不同于工笔，人物更是不同于山水花鸟，就是因为它们之间的千差万别，古人才予以给它们一一分类。在我眼里，对于写意人物也有着个人的定义。是需要画者有其扎实的造型基础，尤其对人和人之间关系的敏锐感受力，有感而发的去用心观察，这样创作出来的写意人物才是有味道的。有人说“经历越丰富的画者画出来的画会越有深度”我觉得这句话也不无道理。人，本来就有区于植物和动物，比起它们，人更加的复杂多变。现在比较起古代，人是越来越多，人与人之间的竞争压力越来越大，这或许也给了写意人物发展的一个很好的时代背景。很多画种都有它的鼎盛时期：赵佶带领的工笔花鸟在宋代、周昉、张萱笔下的工笔人物在唐代、“董、巨、郭、李、范”大山大水在五代和宋代，值得一提还有“大米小米”的江南“米点山水”文人画在元代、明代尤其“吴门四家”继承前代的山水以及陈淳、徐渭引领的大写意花鸟、清代画种多类，画家成为一门职业，画也可以标上价位，出现了许多的风俗画。虽然这中间出现了像“张家样、曹家样、吴家样”、贯休、石恪、尉迟乙僧、梁楷、李公麟等传世的写意人物画家，但是比起其他门类，他们并没有带动当时的那个时代，都是昙花一现般，当然写意人物比其他门类要难一些。这还需要我们后人努力地去谱写。
关键词：写意人物；气韵生动；造型；笔墨
说到写意人物，很多人会第一个想到宋代禅门画家梁楷的《泼墨仙人图》。以“墨戏为精神，以减笔为技法”虽然是寥寥几笔，但却把对象的神韵表现得淋漓尽致。他确实是减笔人物的一位高人，后人很努力，似乎也很难去超越。值得强调的是，写意人物不仅仅只是梁楷类型的大写意减笔人物，写意人物还有一些小写意的、兼工带写的。门类很多，各式各样。在我看来，它应该是把六法中“气韵生动”摆在最重要的位置，而且占据这点来支撑其画面，它是灵魂；或紧或松，都是看画者当时的感受，所以写意，相对于工笔，更多是寄情于画，伤心、愤怒、喜悦……郑板桥曾颂扬八大山人：“横涂竖抹千千幅，墨点无多泪点多。”足以说明性情的重要性；虽说从顾恺之到梁楷再到陈洪绶等等卓越的历史人物画家，他们很优秀，创造了中国古文明的灿烂文化，我们不能忘记，我们也必须从他们身上学习中国传统的人物画法，但是我们千万不要一味地去追随。不管是写意、工笔、山水还是人物，我们应该画出专属于我们这个时代所具备的一些特征。艺术来源于生活的，我们不需要去矫揉造作，用心地去感受生活，画出真实的，为之动容的，属于这个时代的，更属于你自己的作品才是最好的。
写意人物的课程是安排在大三上学期，共有四周。苏老师很用心有计划的教导我们，第一周是画芥子园，画谱上的水浒人物，练习线条。比起以前工笔时的线稿练习，这次不允许照着形去描，而是图书凭感觉画，我刚开始画的前三张都特别的谨慎小心，可是就是画不好。直到最后，我似乎明白了工笔与写意的不同之处，放开胆子，抓住人物动态，铺开笔锋，带着激情，效果果然出乎意料。第二周，老师让我们临吴道子的《天王送子图》，吴道子是画界中的“画圣”，当然是名不虚传了，他极具動感的兰叶描把画里的人神刻画得超脱世俗。虽然没有把全幅都临完，但是却从中体会了不少，体会着里面的神韵、造型、线条、对于不同物象的区别处理。第三周，临摹近现代优秀画家的画，如任伯年、王子武、蒋兆和等等。比起吴道子，曹不兴之类的白描大师，这些人更具时代气息，具有个人风格。我临的是任伯年的写意人物，他还是属于传统派别的，不管是从人物的造型还是笔墨的表现，都具有极其扎实的功力，以书入画，诗书画印结合。结合上两周学到的东西，运用到这次的临摹里，作用很大。其实不管是临摹写生或是创作，都要用心去体会，“意在笔先”是真的，大部分时间应该用来思考、琢磨，而不是一味地求数量。当然，第三周除了临摹，还有开眼，了解了更多的关于写意人物的画家，尤其是近当代的。例如，徐乐乐、秦修平、田黎明、刘庆和、李孝宣、周京新、吴山明等等，他们有着不同的处境，画着不同的人物，相同的却是他们都在用心作画，有的人衣食无忧，有的人却纠缠于人情世故之中无法自拔，最终就会有人是寄乐于画。这样的不同会导致各自极端的个性化。第四周，是人物写生，老师有找一些年纪较大的模特来画，因为对于我们来说，难度会降低。从四尺三裁到四尺，一张一张明显的进步。这满满的四周，给我打下了基础。写意，看着容易，其实很难，它需要扎实的基础，但是又不能被基础所束缚；它需要多加练习的坚持，更需要足够的激情来予以点亮。
人物，顾恺之日：“传神写照，总在阿堵之间”传说顾恺之画人物与动物常久久不点睛，需斟酌很久很久才予以下笔。魏晋南北朝的谢赫的“六法”中，把“气韵生动、骨法用笔”居于前首。总之神韵很重要。依我的观点，神韵肯定是最重要的，但心灵的窗户却不仅仅只有眼睛，有一个东西很关键，我们叫它“气”。怎么理解，就是一个人当时的一个精神状态。他的年龄、性格、职业以及他此时此刻在想什么，都会不自然地流露，有时候我们是通过细节来捕捉，更多的是通过对人物整体的一个塑造，包括他的着装、表情、姿态、甚至场景来表现。画面上，我们称“贯气”。举个例子，比如西蜀的禅门画家贯休，他善于画佛门中的罗汉，其作品《十六应真图》流传于世，不过现在在日本。他画的罗汉形象怪诞晾人，高额大鼻，甚至张着大嘴巴，和那时候女人头发般长度的眉毛……虽是形象夸张，如果人物放到生活中也确实是会吓到人，但是在画面上确实很具个性却不失和谐。贯休画的罗汉不像一般人描绘的那么正气昂然、贵气逼人，他画的似乎更像他自己，桀骜不驯、放荡不羁，却又不失罗汉的本质，朴实并脱俗。所以说，风格千差万别，我们没有一个固定优秀的模式的套用，不过如果艺术真是用一个模式去禁锢，那绝对称不上是艺术。但是这个“气”确实是相当的重要，高中时我们问老师问题总是爱钻牛角尖，把老师弄得很无语，这个时候他总会说一句话：“画画这东西，只可意会，不会言传。”许多技法的东西当然是可以言传，但真要想画好，靠老师的指导是一部分，更多的是要画者自己去用心的感悟。
写意不同于工笔，人物更是不同于山水花鸟，就是因为它们之间的千差万别，古人才予以给它们一一分类。在我眼里，对于写意人物也有着个人的定义。是需要画者有其扎实的造型基础，尤其对人和人之间关系的敏锐感受力，有感而发的去用心观察，这样创作出来的写意人物才是有味道的。有人说“经历越丰富的画者画出来的画会越有深度”我觉得这句话也不无道理。人，本来就有区于植物和动物，比起它们，人更加的复杂多变。现在比较起古代，人是越来越多，人与人之间的竞争压力越来越大，这或许也给了写意人物发展的一个很好的时代背景。很多画种都有它的鼎盛时期：赵佶带领的工笔花鸟在宋代、周昉、张萱笔下的工笔人物在唐代、“董、巨、郭、李、范”大山大水在五代和宋代，值得一提还有“大米小米”的江南“米点山水”文人画在元代、明代尤其“吴门四家”继承前代的山水以及陈淳、徐渭引领的大写意花鸟、清代画种多类，画家成为一门职业，画也可以标上价位，出现了许多的风俗画。虽然这中间出现了像“张家样、曹家样、吴家样”、贯休、石恪、尉迟乙僧、梁楷、李公麟等传世的写意人物画家，但是比起其他门类，他们并没有带动当时的那个时代，都是昙花一现般，当然写意人物比其他门类要难一些。这还需要我们后人努力地去谱写。