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◆宋伟光：大家好，“五行和声”当代雕塑展的主题，是借用中国传统的古老物质观，来表达中国当代雕塑的艺术观。这个展览的意义在于，审视在当代多元化的文化语境中，雕塑在材料的运用和观念之间所呈现的面貌。所以，今天座谈会主要是围绕对雕塑材料的进一步认识以及在材料转换运用中所存在的认识误区来展开讨论，以期对中国当代艺术方法论作一些有益的探索。
◆朱尚熹：以金、木、水、火、土各种材料的这次雕塑展反映的是它的多样性，在这次展览上除了作品本身精致以外还有很多让我们惊喜的地方。这个雕塑展有两件木雕做得很精致，一个是箱子，一个是用木雕做的一卷书。原来我以为是用真书烧的，仔细看后才知道是用木头做的，我觉得这是个问题，我们是在用材料这没错，用材料做黄土高坡，做白菜等，但材料转换的意义是什么?如赵莉的作品，一个是花岗岩石头、一个是纸质的石头，纸制石头的感觉在视觉上很沉，但是实际上它很轻，这是一种很有意思的感觉。这个理念确实不错，但可以做得更聪明一些，板凳的用途没有体现出来，因而有些多余了。第二是石头可以这样做而纸可以换一下，而不应该仿石头，纸的媒体作为纸本身应具有特殊的造型来表现它。我一直认为现在中国的当代雕塑受劳森伯格的影响是灾难性的，为什么这样说呢?因为中国的绘画界、雕塑界都是写实的，在这种情况下造成对材料的认识很简单，根本不用考虑造型，只要拿一个材料转换一个形状就可以。我们的雕塑界还处于模仿对象，拷贝对象这种单一局面中，而且我们的青年艺术家及学生都以为这是唯一的探索材料存在的方法，而且觉得很容易。你不是用石头做一个棉衣，我则用乳胶做，但是还是棉衣。所以，我认为这种情况非常糟糕。亨利·摩尔曾经讲过，我不愿做一个石头女人，我更愿意做一个女人石头。他提出“女人石头”这个概念，其实是尊重材料本身，我们不是拿材料拷贝对象，材料跟造型是互动的，绝不是简单转换，雕塑中造型第一然后才考虑材料，造型是第一位的。
◆宋伟光：朱老师刚才的发言提出了一个问题，中国当下对艺术的拷贝之风其根源来自于什么?为什么会拷贝呢?我认为这是缺乏对文化的理解以及缺乏从本源出发的立足点和世界观问题，所以导致了拷贝。最近我在文章中提到，用观念来支撑图像最后会得到什么呢?仅仅依靠观念来支撑视觉最终会遭到质疑并被艺术所抛弃。刚才朱老师提出的问题也是今天研讨会所要探讨的一个重要问题。
◆杜洪宇：这个展览有一点我挺高兴的，我看到有的作者已经把工艺和材料本身结合在一起进行探索，我认为是比较正确的途径。我的感觉是，一种材料与对这种材料适合的工艺是有一定局限性的，但正因为有这样的局限性才体现出特点。我前几天在咱们杂志社提到过艺术的模仿问题，艺术性的最大特点就是原创性，如果艺术是模仿出来的，本身就不具备艺术性。现在有很多艺术家急功近利，不是出于对艺术的热爱和研究，这是不正确的。如果你是个热爱艺术，自认为是艺术家的人，就应该坚持原创。如果我们的艺术家都能报以这样的观念，我们的艺术面貌才能真正的具有多样性，否则就会出现和拷贝很多诸如傻笑的、小矮人什么的作品了。给我印象挺深的就是日本人做的铁艺作品。把钢板烧成以后，把钢板的一角拉开打成结，感觉很有铁的特点，就是把不能做出的东西把它做出来，或者说把不可能变成可能。我看过很多对工艺很敏感很有创造性的大师的作品，如劳森伯格的几件作品很智慧，对材料很有认识，他把汽车轮胎截成一半，把它翻过来，轮胎本身是很有弹性的，他还要将它展开然后在两边用金属件把它固定住，这件作品就完成了。轮胎本身的弹性是会翻过来但我不让他翻过来，这样就把轮胎的材料和特点表现出来了。我认为做每件东西都要深入进去认识材料的特点，找到工艺找到运用的可能性，就能完全有新意地表现出来，认识这个工艺不要想着别人怎么做，而是想着这个材料是什么特点，有没有新的可能，就是做好一件东西挖空心思做到别人没有想到的极致，这样肯定能做出好作品。
◆宋伟光：杜老师刚才的发言强调了对材料的深入认识，避免抄袭与模仿。模仿和抄袭在当代艺术中的界限是越来越模糊，举个例子，杜尚用一个小便池名之为“泉”，他当时是要嘲讽艺术现象，而其他人认为这是一种转换，杜尚自己都不明白这个怎么会被认为是艺术呢?我认为向杜尚学习这种转换的形式是毫无意义的，但这种转化的思想可以学习，大艺术家体现的是思想，而小艺术家模仿的是形体。前几天我去中央美院看研究生作品展，有些作品很观念，这可能是作者要阐发什么思想，但从视觉上讲它不是视觉艺术，当然观念艺术是反视觉化的，但反对到最后艺术走向了哲学。我认为视觉艺术不仅仅是光有观念就行，不能单纯用观念来支撑视觉，因为用观念支撑视觉最终是支撑不住的，最终会脱离艺术本体。所以，我提一个反思，如果美院培养学生最后的结果都是徒有“观念”的话，那么我们的学生还需不需要到美术学院中去学习?
◆黄丹麾：第一因为它体现了中国观念，中国文化和中国元素。当下很多策展，总是一些名为解构，建构诸如此类的主题，总是在玩西方人的哲学话语权，但最后出现问题了。德里达到中国社科院大谈哲学问题，他说：我没有说什么消解哲学，所以这对我们提出了问题。
“五行”是宇宙中的相生相克，是事物发展规律的转换。“和声”，我在一篇文章中提过，中国艺术80％以上是强调音乐的，韵律的，比如楚辞、诗经、汉赋、唐诗、宋词、元曲，都是强调声音的韵律、气韵。因此这个展览我觉得价值就在于体现中国文化，中国GDP超过日本，成为世界二号的强国，应树立本民族的文化品质，发出自己的文化声音。中国的当代雕塑，既不传统也不现代。在宋代就有雕塑的概念，而我们学院的体系是从国外引进来的。为什么我们总说西方雕塑呢?因为我们找不到像罗丹和摩尔那样的雕塑家，中国的哪一个雕塑家能跟其抗衡呢?我们一做雕塑就想到了罗丹、摩尔、西格尔，这是不自信的表现，不自信便去模仿。我们谈到波普艺术，它的合理性在哪儿?刚才朱老师也谈我们成灾难了，劳森伯格的兴起是西方文化的影响，他们是反对博物馆式的雕塑，反收藏、反拍卖、反商业的买卖，所以看一些装置艺术怎么去收藏，波普艺术是大众的时尚的，是引领的，是商业社会的必然产物，不可阻挡，也就是说它的学术地位是整个商业社会的时尚造成的情况。材料是多元化的，但创意在哪里?空间和观念怎么样去转化，我认为展览中孔子那个雕塑非常好，他非常符合儒家的和为美，非常切合主题，把孔子的身子腿省略掉，就留下胸部，这是一个抽象的但是又很具像，同时又有一种韵律。展览中有一件用毛毡做的黄土高原，博伊斯曾用毛毡表达观念，博伊斯做毛毡是有他的想法的，我不知道这个作者是什么想法，如果只是做黄土高原的这种风化感，它的意义在哪?就是说一种材料要和观念去对接。 ◆宋伟光：黄老师刚才提到的问题还是材料的转换问题。我也考虑过，材料要不要转换，有没有必要转换，每一种材料都有它的精神属性精神气质，如果你要转换的话一定要找到一个根源、理由，而不是一个单纯的材料之间的挪借。比如不锈钢具有冷峻、反射的特性，用它作为雕塑材料要选择好与之相关联的意图，因为它有属于自身的物质功能、精神属性。
◆甘丹：每种材料都有它的生命力，其实是必须由老师来教的，比如石雕的触感，不锈钢的抛光。每一种材料的生命力是很大的，我看到老师们基本上是做小稿，然后石雕放大基本上都是由工人在做，在传承上是一个问题。学生会依赖电脑，然后手大概就用的不多了，我的建议就是在教学生应该有更深的体悟，材料的生命力在哪儿?中国的文化应该加进去，这是我个人的感觉。
◆赵磊：我就以去年中央美院雕塑系的展览来说吧。雕塑系的毕业生经过四年的雕塑学习，在我看来是满眼的浮云，就是说非常的华丽。当然有的作品还是不错的，但大部分让我觉得很失望，有一种特别追名逐利的感觉。朱老师谈到我们好多作者把雕塑作品交给工人去完成，如果你作为艺术家不亲手去做、去触摸材料的话，你的艺术的含金量会差些。你自己的作品连你自己都不去碰一碰，作品跟你本人是没有交流的，只有真正去亲自做才能去感受。我在教学中要求我的学生要真诚的面对自己的作品，自己动手。刚才很多老师谈到拷贝的问题，这是经济利益导致的，我认为作为老师不光是教一些技术同时更重要的是学会怎样做人。
◆宋伟光：赵老师想说明一个什么问题呢?我们当代艺术有人说不是画出来的，雕出来的，而是想出来的，那既然是想出来的，我们要学院做什么，大家都可以当思想家了!当然当代艺术是反精英化的，反形式的甚至是反物质的，但是反来反去，我们还剩下什么?应该说现当代艺术是对之前的艺术之反动、反思，这很好!那么我们现在是不是到了反当代艺术的时候了?我们应站在一个历史的角度来考虑我们自身的价值和存在。
◆Billy Lee：我想我们搞创作其实是很简单的，但是我们把过程想的太复杂了。例如，我们要做一个桌子，首先会想我要做一张桌子，再会想我用木头做一张桌子，那么你就应该听从木头的话怎么样去做一张桌子。很多中国艺术家是先做好整体的打算再去做，我认为这样不好，你怎么就肯定你的假设、你的打算的是最好的，或者说是最完善的?最主要的是我们要有一个好的方式去呈现我们的想法，但这个方式只有在过程中才能找到。我们应该感受这个木头，最终来呈现我们的东西，我们的祖先早就这么做了。当你开始的时候就有无限的可能，作为一个艺术家就要去找这样的可能，如果你要用木头做，你一定要去感受它，甚至跟他睡觉，只要你用心听，你可以听到它说话，但很多时候我们并没有用心听，我们可以看到，但我们却看不见。黄先生刚提到了劳森伯格，博伊斯，随着时代的变迁，新的时代就出现了新的材料，但是新的东西不一定能带来新的形式，但是我们对待事物的态度是不变的。我认为材料不是在一个初浅的层面上，应该深入挖掘内在联系，而不是机械的把某种材料拼接一下，否则就是很表面的，就跟换衣服一样，你把你的观念伪装一下，换不同的衣服，不停的换材料。我发现现在的学生不好教，因为学生的好多信息都来自数字化和网络，现在老师也变的越来越理论化，他只是教理论而不是在实践上去感受，我们现在为什么要用新的东西去表现旧的材料，而不是用新的材料去表现新的本身，刚才宋老师和朱老师都谈到说用纸来表现石头这个有关材料的运用问题，为什么不去表现本身而是去表现石头的质感?
◆王小蕙：我刚开始学习就接触材料，接触木头，基本功还是比较扎实的，养成了动手的习惯。一开始就是跟材料进行实践和交流，很多年来从教学到创作始终没有脱离材料，除了土，木等材料，其他的材料我也进行过研究。在陶瓷和木头上，我实践得多些，我很赞同Billy Lee说的创作过程的重要性，不是说你想好了再去做，而是在你做的过程中会一步步地有加有减，所以创作的过程是非常重要的，虽然这个过程有很多的可能性，但你慢慢进行交流才会懂得它的话，懂得它的语言，属性，最后才能真正把握住它，做到这个材料本身应该有的形象，这就是把它生命本质的东西表现出来。现在我们也提倡在材料的运用上综合、拓宽，在传统的材料的基础上我们再有更好的表现。要符合这个材料，不要很生硬地去复制，你想达到一种超越也好，突破也好，但是不能离开材料本身，那么从老师对学生教学的方式来说，教师本身要带动学生动手的习惯，像这次展览有很多作品把感情投入在里面，我很高兴我们现在不像以前那么浮躁了，我们要能够进一步在材料上进行深入的探讨研究，提高动手能力。
◆刘远长：我一直是在传统思路中做，但走到今天还是希望我的创作有些现代的东西，这次展览的作品形式各方面都比较新，尽管有些东西还不成熟，但给展览带来一些生气。一个人在艺术创作中要有思想和技艺，把创作交给别人完成，这样不是不可以但是不能过多，作为一个雕塑家最重要的是动手能力，才能把观察能力。形象思维能力结合得好。有的人有很好的想法，但是他的手跟不上去，尽管想法好但是很难表现出来。有的作品是很微妙的，我们看到达·芬奇的蒙娜丽莎的微笑完全是用技巧表现出的，罗丹的雕塑也是很微妙的，很多人用很多方法去表现，却很难超越他的意境，所以我们年轻人一定要有扎实的基本功，否则从学院里出来的都是有想法，能说但不能做的人，这是不行的。现在大家争论应该怎样对待材料的运用，传统比较强调因材施艺，有的人是看到某种材料会有新的想法，要对材料不断琢磨，这是一种辨证关系。对材料的某些方面的模仿和某些方面的转化，我不完全反对，但是不应该成风。
◆刘炳南：大家谈到关于雕塑材料转换、拷贝这个问题。我谈几方面，第一，雕塑材料就是雕塑作品的一种软件，用材料去再现物象特征，这就叫材料创意，创作就是要产生一个新的物象，材料只能是雕塑创作作品中的一个组成部分，第二，对材料的创意，要有一种情感在里面，这就是雕塑语言，就形成作品了。第三，关于展览，展览就是个交流。来看展览交流的目的不仅是要互相学习，也要互相排斥，只有排斥，才能产生不一样的属于自己的作品。架上雕塑展就是表现技法和创意的交流，它和室外雕塑不一样，室外雕塑有环境空间做依托，物象本身的创作主要是空间和体量之间的关系。第四，办展览是一种导向，我们的目标是什么?我们的导向是要推进对材料的理解、推进创意的提高。雕塑杂志就是我们的导向，上面的很多好文章指导我们的方向。我个人意见觉得现在的导向很混乱，很多院校起到了很有召唤的导向，他们怎么搞，很多人就跟着怎么做，到底对不对?再由一些批评家一炒，不对也成对了，就害了一批人，所以导向很值得我们思考。 ◆赵展：看到这个“五行和声”雕塑展，感到很亲切。这段时间看了很多关于这方面的资料，首先对五行我理解为是对材料的理解，可以视为对物质性、对物的一种理解。我看到展览前言里提到，归根结底还是回归到对自然的思考。我们上一届抽象雕塑研修班做作品的时候，Billy老师传达给我们很多信息，英国艺术家更注重自然的东西，这与我们老祖宗传下来的理念道法自然一点也不相悖，这是我们中国最早、最传统、最本土均母语。材料是取自自然，不管它的造型、观念、形式都应是道法自然。再谈一下展览形式，这个展览的作品基本上还是架上的、小件的。没有考虑到展览本身的空间和作品与周边环境的空间。以这种空间、形式、架上雕塑的概念来说“五行和声”吝么大的一个主题是不是恰当?是不是合适?我做的作品也很小，我说的小不是大小的小，而是空间上的大小，是不是真的考虑到空间和材料之间的关系?还有一点就是前面几位先生谈到的对材料的认识问题，一谈材料就能谈出问题来，我跟朱老师也谈过这个问题，很多学生把材料直接转化成某种形象，这种现象太普遍了，我想根治不是说句话就能改变的，需要理论上的支撑，我同意Biuy的关于“桌子的想法”，你是先看到材料有想法?还是有想法再抓材料呢?这是_一个辨证关系，我觉得不矛盾，拿一个桌子举例，生活里是需要发现问题，然后用思维去解决就好了，没必要非要去说我到底怎么样。我就是缺这个东西，我就想做这个，用什么做最合适，最容易表现我就拿这个做，我认为艺术还是那句老话，艺术源于生活，要体会，我觉得这个过程更重要。
◆宋伟光：赵展说的回归自然以及我想做一个什么，需要什么?这使我想起一位德国人类学家利普斯的著作《事物起源》，这本书的中心思想就是说任何事物，如生产活动、用具、社会活动等都是因为需要才磨合出的。作为雕塑艺术也是如此，要知道我们为什么要去这样做，这样表达。我们好多哲学化的构思和哲学化的图像呈现在作品中，但作者却并不一定明白这样做的根本目的。
◆赵勇：我是西安美术学院的赵勇，很感谢主办方让我参加这次活动，我就说一下我的作品的构思吧，我的作品叫《故乡的云》，刻画的是一个小石头人，躺在一个像树叶的黑石头上，下面是一个三角形金字塔的造型。我的想法是世界有另一个彼岸，这是我的一种向往，最好是能飘到那个彼岸，但这是一种矛盾。下面的金字塔是一个永恒的形状，如果小孩能超越人类范畴的话就能到达那个彼岸，就是这样一个构思。关于艺术是什么，我也是从上学到毕业到现在一直都在思考的问题，我可能觉得人不舒服了叹口气，或吼一嗓子，这种东西发出来可能是艺术，就是要有人的思维留下痕迹。
◆朱尚熹：我点评一下，我在别的地方也看到过赵勇的作品，他有他的特点，他的小人是一个石头的小人，而不是人的石头，造型语言是石头的本质。他把小孩做成方的，与石头的语言贴近，我觉得是好的地方。
◆吴为：我是天津美院的研究生，我是上一期参加抽象雕塑班的学生。这次会议的主题是谈材料问题，我就是想谈一下在做创作的时候，感受材料本体的语言，木头象征着生命，孕育，石头是坚硬的，金属是坚硬和挺拔的感觉，我们要寻找材料各自的特点，属性。我就拿金属来举例子，我们学校也开设金属课，工作室，我也看过同学和老师的作品，思路还是以前的思路。我们使用金属材料的原因就是它易于保存，所以我们才用铸造和锻造去做雕塑，工业革命后，人们发现机械焊接很有美感，金属区别于其他材料的显著特点就是能运用焊点使物体立起来。我们做雕塑最重要的不是以前我们说的雕和塑，最重要的是空间，金属能很好地表达空间，但我看我们学校同学的作品往往是拿铁片焊接了一个恐龙，摩托车等，其实这种思路还是原来的铸造和锻造的手法只不过是用焊接的形式表达出来了。我们看美国人做的雕塑，他们表达是金属那种挺拔坚硬的本身特质，能围合出空间，能表达出雕塑的语言，空间的艺术，我们在创作中要考虑材料本身的一种特质这是非常重要的。
◆郑萍：我想谈一两句，来看展览的路上我还在想，金、木、水、火、土这么传统的中国文化理念，应该有很多关于金木水火土的哲学理念在里面吧?后来一看这个展览只是借了金木水火土这个材料来表现而已，展览的作品非常的好，但是承载的内容如果能再单纯一点，可能会跟金木水火土的哲学理念更贴切一些。
◆宋伟光：郑萍老师强调“单纯”，这很有意思，应该是我们思考的问题。
◆田猛猛：我是天津美院的，我这次参展的作品是陶瓷的，相对而言，我对陶瓷的了解也不多，因为我原来是学装饰设计的，金属工艺和漆工艺的。我接触陶瓷也是想多了解些材料，我的作品是《怒放的生命》，是一个有关生命的题材，作品表面的处理是我想通过“绷带”制造出很粗糙很荆棘的肌理，表现昆虫在作蛹时的状态。这是一种生命，想表达生命的进发感。刚才老师提到，材料有它自身的特点，陶瓷是很脆弱的东西，也是一种生命，做时要很小心，要把握烧的时间，火的温度，在这过程中烧坏过好几次。我做的东西相对比较幼稚，我是从我的观念出发，怎么表达我的观念，表达的更明确些。
◆陶都罕：五行是中国人最传统的物质观，是对世界最原始的认识，整个世界是物质组成的，是在这个基础之上产生的变化，艺术应该是高于这物质，是情感依赖物质的表达，我觉得谈了很多理论和抽象的概念，但是没有太去强调情感，如果艺术不能打动自己的话也很难打动别人，我想说的就是这些。
◆史贤君：我是来自安徽雕塑院。五行本是一个传统上的文化概念，从我个人对雕塑的理解来讲，应该有更多的感情和激情在里面，眼前一亮的感觉，这是我的理解。
◆杨飞：在学校我是一个老师，在公司里我是一个研发总监，也就是一个商人，我本科学的是设计，研究生学的是油画，但是我在大学里教的是动画，我今天来是以一个艺术爱好者的身份，只要能和艺术相关的事我都想参加，一方面公司给我商业上的任务，但从个人角度来说我对艺术比较爱好，我希望我做的东西是大艺术方面的，不局限在材料上的，所以说我来到了这里，希望有机会学到更多的知识。
◆徐国华：各位好，因为我对理论上没有更深的研究，只不过在艺术创作的实践中不怕吃苦，另外能十几年的对一种主题和材料进行实践。我觉得实践对创作、材料的运用上还是有挺大好处的，因为你对一种材料进行长期实践、研究，会对材料的感悟和它的特性有更深入的了解，如果总换材料可能会受些影响。我在高中毕业时就分到了工厂，对机械零件金属这些材料比较熟悉，所以说我就利用这些材料，创作一批表现自然的，比如远古系列的作品，如鱼类等。最近几年又做了些跟音乐有关的，就是做了变形的铜管乐一些小型作品，总之，我的体会是在创作过程中，不能把工人充当你的创作的整个过程，应在自省之中把你个人的思想和每个环节参与其中，拿焊接来说吧，跟工人说一些具体的怎么焊接，他们是不能明白的，自己也说不清楚，后来就不用他们做了，自己直接动手，当然这其中很辛苦，但是也要去这样做，而且特别是对细节光洁度的强弱以及后期的处理一定要亲自去做，我感觉做作品要持之以恒，不间断，认真地尽可能研究得深入一些，因为我感觉人们创造的最佳时期是动手的过程，想的太多也很难实现，应该集中精力把眼前的所思所想变成作品。 ◆宋伟光：徐老师强调对一种材料深入下去，这也是一种方法、一种态度。
◆黄丹麾：有这样一个问题，就是我们的材料本身，包括波普艺术，包括物派，他们都建立在材料本体上，刚才两位先生都说，要有感情，这没有错，但感情是多方面的，如物派就是消减情感，把艺术冷冰冰地变成物，就是画家变成机器，让机器作画，实际上是对表现主义美学的反叛。所以，我想艺术情感有时是具有批判性的，不一定是很热烈的。再一个问题，就是材料的本体论本身有没有情感，我认为是有的。还有个问题就是根据材料去找思想，还是带着思想去找材料?我记得罗丹说过，我从进入采石场去找大理石的时候我的创作就开始了，所以，我想是不是观念先行就不对，我感觉从更大的角度来说还是观念先行。先行就是你在选择材料改造材料在转化材料，你的观念才起到作用。
◆宋伟光：我总结一下今天大家所谈，一，对材料的情感体会谈了很多，我觉得今天大家的发言有很多的建设性意见和思想，“五行和声”，虽然借用的是中国传统的物质观，但是反映在形式语言上，就是要强调不同材料在语境上的反映。二，就是介质，国外称材料为介质。这就带来问题了，既然是介质，那么人就是主体，物质是人的意志的投射，因此，主体就充满了对材料的选择，切不可把物质作为纯粹物和物之间的交换，物和物之间的游戏，这就错了，这是很浅薄的层次。现当代艺术，为什么光怪陆离地发生了这么多的现象，是因为它的哲学原因，如果抛开哲学原因单纯来讲这个物质和材料那是没有意义。二，就是关于材料的方法论，今天丹麾强调了一个东西就是中国文化的立场和性质，我们以前开过这样的论坛，上次在台儿庄论坛中有一位老师提到我们中国没有方法论，这种观点是错误的，中国怎么会没有方法论呢?方法论是一个解决问题的方法，我简单举个例子，孔子提出文质彬彬，这个文质不是你这个人多么文雅，文是形式，质是内容，文质彬彬是讲内容与形式的适度融合，这就是方法论。我们当代艺术是形式往往大于对内容的表现，而概念艺术是把物质消减掉了，成为一个概念性的语言，当下我们是不是要继续这样做?这样做还有没有意义?雕塑杂志社接下来要做的展览是大学生毕业展，同时还有一个研讨会，主题就是关于原创性的问题，这样话题就来了。最后我想我们应该在当代艺术当中去哲学化，强调个人的介入，自然的介入，我们应该单纯一点，可以知道理论，但是不要被理论所束缚，可以关注理论但是不要关注教条，要总结出来认识，而不是背课文，再拿物派而言，物派是什么?它是以批判的方式来介入情感，要对流派找出一个支点就能分清当下的艺术状态，就可以看清美术史到底发生了什么问题，最后一句话就是应该关注自己，把自己的内心世界去投向自然当中去寻找你的新发现，来改变世界观。谢谢!
◆朱尚熹：以金、木、水、火、土各种材料的这次雕塑展反映的是它的多样性，在这次展览上除了作品本身精致以外还有很多让我们惊喜的地方。这个雕塑展有两件木雕做得很精致，一个是箱子，一个是用木雕做的一卷书。原来我以为是用真书烧的，仔细看后才知道是用木头做的，我觉得这是个问题，我们是在用材料这没错，用材料做黄土高坡，做白菜等，但材料转换的意义是什么?如赵莉的作品，一个是花岗岩石头、一个是纸质的石头，纸制石头的感觉在视觉上很沉，但是实际上它很轻，这是一种很有意思的感觉。这个理念确实不错，但可以做得更聪明一些，板凳的用途没有体现出来，因而有些多余了。第二是石头可以这样做而纸可以换一下，而不应该仿石头，纸的媒体作为纸本身应具有特殊的造型来表现它。我一直认为现在中国的当代雕塑受劳森伯格的影响是灾难性的，为什么这样说呢?因为中国的绘画界、雕塑界都是写实的，在这种情况下造成对材料的认识很简单，根本不用考虑造型，只要拿一个材料转换一个形状就可以。我们的雕塑界还处于模仿对象，拷贝对象这种单一局面中，而且我们的青年艺术家及学生都以为这是唯一的探索材料存在的方法，而且觉得很容易。你不是用石头做一个棉衣，我则用乳胶做，但是还是棉衣。所以，我认为这种情况非常糟糕。亨利·摩尔曾经讲过，我不愿做一个石头女人，我更愿意做一个女人石头。他提出“女人石头”这个概念，其实是尊重材料本身，我们不是拿材料拷贝对象，材料跟造型是互动的，绝不是简单转换，雕塑中造型第一然后才考虑材料，造型是第一位的。
◆宋伟光：朱老师刚才的发言提出了一个问题，中国当下对艺术的拷贝之风其根源来自于什么?为什么会拷贝呢?我认为这是缺乏对文化的理解以及缺乏从本源出发的立足点和世界观问题，所以导致了拷贝。最近我在文章中提到，用观念来支撑图像最后会得到什么呢?仅仅依靠观念来支撑视觉最终会遭到质疑并被艺术所抛弃。刚才朱老师提出的问题也是今天研讨会所要探讨的一个重要问题。
◆杜洪宇：这个展览有一点我挺高兴的，我看到有的作者已经把工艺和材料本身结合在一起进行探索，我认为是比较正确的途径。我的感觉是，一种材料与对这种材料适合的工艺是有一定局限性的，但正因为有这样的局限性才体现出特点。我前几天在咱们杂志社提到过艺术的模仿问题，艺术性的最大特点就是原创性，如果艺术是模仿出来的，本身就不具备艺术性。现在有很多艺术家急功近利，不是出于对艺术的热爱和研究，这是不正确的。如果你是个热爱艺术，自认为是艺术家的人，就应该坚持原创。如果我们的艺术家都能报以这样的观念，我们的艺术面貌才能真正的具有多样性，否则就会出现和拷贝很多诸如傻笑的、小矮人什么的作品了。给我印象挺深的就是日本人做的铁艺作品。把钢板烧成以后，把钢板的一角拉开打成结，感觉很有铁的特点，就是把不能做出的东西把它做出来，或者说把不可能变成可能。我看过很多对工艺很敏感很有创造性的大师的作品，如劳森伯格的几件作品很智慧，对材料很有认识，他把汽车轮胎截成一半，把它翻过来，轮胎本身是很有弹性的，他还要将它展开然后在两边用金属件把它固定住，这件作品就完成了。轮胎本身的弹性是会翻过来但我不让他翻过来，这样就把轮胎的材料和特点表现出来了。我认为做每件东西都要深入进去认识材料的特点，找到工艺找到运用的可能性，就能完全有新意地表现出来，认识这个工艺不要想着别人怎么做，而是想着这个材料是什么特点，有没有新的可能，就是做好一件东西挖空心思做到别人没有想到的极致，这样肯定能做出好作品。
◆宋伟光：杜老师刚才的发言强调了对材料的深入认识，避免抄袭与模仿。模仿和抄袭在当代艺术中的界限是越来越模糊，举个例子，杜尚用一个小便池名之为“泉”，他当时是要嘲讽艺术现象，而其他人认为这是一种转换，杜尚自己都不明白这个怎么会被认为是艺术呢?我认为向杜尚学习这种转换的形式是毫无意义的，但这种转化的思想可以学习，大艺术家体现的是思想，而小艺术家模仿的是形体。前几天我去中央美院看研究生作品展，有些作品很观念，这可能是作者要阐发什么思想，但从视觉上讲它不是视觉艺术，当然观念艺术是反视觉化的，但反对到最后艺术走向了哲学。我认为视觉艺术不仅仅是光有观念就行，不能单纯用观念来支撑视觉，因为用观念支撑视觉最终是支撑不住的，最终会脱离艺术本体。所以，我提一个反思，如果美院培养学生最后的结果都是徒有“观念”的话，那么我们的学生还需不需要到美术学院中去学习?
◆黄丹麾：第一因为它体现了中国观念，中国文化和中国元素。当下很多策展，总是一些名为解构，建构诸如此类的主题，总是在玩西方人的哲学话语权，但最后出现问题了。德里达到中国社科院大谈哲学问题，他说：我没有说什么消解哲学，所以这对我们提出了问题。
“五行”是宇宙中的相生相克，是事物发展规律的转换。“和声”，我在一篇文章中提过，中国艺术80％以上是强调音乐的，韵律的，比如楚辞、诗经、汉赋、唐诗、宋词、元曲，都是强调声音的韵律、气韵。因此这个展览我觉得价值就在于体现中国文化，中国GDP超过日本，成为世界二号的强国，应树立本民族的文化品质，发出自己的文化声音。中国的当代雕塑，既不传统也不现代。在宋代就有雕塑的概念，而我们学院的体系是从国外引进来的。为什么我们总说西方雕塑呢?因为我们找不到像罗丹和摩尔那样的雕塑家，中国的哪一个雕塑家能跟其抗衡呢?我们一做雕塑就想到了罗丹、摩尔、西格尔，这是不自信的表现，不自信便去模仿。我们谈到波普艺术，它的合理性在哪儿?刚才朱老师也谈我们成灾难了，劳森伯格的兴起是西方文化的影响，他们是反对博物馆式的雕塑，反收藏、反拍卖、反商业的买卖，所以看一些装置艺术怎么去收藏，波普艺术是大众的时尚的，是引领的，是商业社会的必然产物，不可阻挡，也就是说它的学术地位是整个商业社会的时尚造成的情况。材料是多元化的，但创意在哪里?空间和观念怎么样去转化，我认为展览中孔子那个雕塑非常好，他非常符合儒家的和为美，非常切合主题，把孔子的身子腿省略掉，就留下胸部，这是一个抽象的但是又很具像，同时又有一种韵律。展览中有一件用毛毡做的黄土高原，博伊斯曾用毛毡表达观念，博伊斯做毛毡是有他的想法的，我不知道这个作者是什么想法，如果只是做黄土高原的这种风化感，它的意义在哪?就是说一种材料要和观念去对接。 ◆宋伟光：黄老师刚才提到的问题还是材料的转换问题。我也考虑过，材料要不要转换，有没有必要转换，每一种材料都有它的精神属性精神气质，如果你要转换的话一定要找到一个根源、理由，而不是一个单纯的材料之间的挪借。比如不锈钢具有冷峻、反射的特性，用它作为雕塑材料要选择好与之相关联的意图，因为它有属于自身的物质功能、精神属性。
◆甘丹：每种材料都有它的生命力，其实是必须由老师来教的，比如石雕的触感，不锈钢的抛光。每一种材料的生命力是很大的，我看到老师们基本上是做小稿，然后石雕放大基本上都是由工人在做，在传承上是一个问题。学生会依赖电脑，然后手大概就用的不多了，我的建议就是在教学生应该有更深的体悟，材料的生命力在哪儿?中国的文化应该加进去，这是我个人的感觉。
◆赵磊：我就以去年中央美院雕塑系的展览来说吧。雕塑系的毕业生经过四年的雕塑学习，在我看来是满眼的浮云，就是说非常的华丽。当然有的作品还是不错的，但大部分让我觉得很失望，有一种特别追名逐利的感觉。朱老师谈到我们好多作者把雕塑作品交给工人去完成，如果你作为艺术家不亲手去做、去触摸材料的话，你的艺术的含金量会差些。你自己的作品连你自己都不去碰一碰，作品跟你本人是没有交流的，只有真正去亲自做才能去感受。我在教学中要求我的学生要真诚的面对自己的作品，自己动手。刚才很多老师谈到拷贝的问题，这是经济利益导致的，我认为作为老师不光是教一些技术同时更重要的是学会怎样做人。
◆宋伟光：赵老师想说明一个什么问题呢?我们当代艺术有人说不是画出来的，雕出来的，而是想出来的，那既然是想出来的，我们要学院做什么，大家都可以当思想家了!当然当代艺术是反精英化的，反形式的甚至是反物质的，但是反来反去，我们还剩下什么?应该说现当代艺术是对之前的艺术之反动、反思，这很好!那么我们现在是不是到了反当代艺术的时候了?我们应站在一个历史的角度来考虑我们自身的价值和存在。
◆Billy Lee：我想我们搞创作其实是很简单的，但是我们把过程想的太复杂了。例如，我们要做一个桌子，首先会想我要做一张桌子，再会想我用木头做一张桌子，那么你就应该听从木头的话怎么样去做一张桌子。很多中国艺术家是先做好整体的打算再去做，我认为这样不好，你怎么就肯定你的假设、你的打算的是最好的，或者说是最完善的?最主要的是我们要有一个好的方式去呈现我们的想法，但这个方式只有在过程中才能找到。我们应该感受这个木头，最终来呈现我们的东西，我们的祖先早就这么做了。当你开始的时候就有无限的可能，作为一个艺术家就要去找这样的可能，如果你要用木头做，你一定要去感受它，甚至跟他睡觉，只要你用心听，你可以听到它说话，但很多时候我们并没有用心听，我们可以看到，但我们却看不见。黄先生刚提到了劳森伯格，博伊斯，随着时代的变迁，新的时代就出现了新的材料，但是新的东西不一定能带来新的形式，但是我们对待事物的态度是不变的。我认为材料不是在一个初浅的层面上，应该深入挖掘内在联系，而不是机械的把某种材料拼接一下，否则就是很表面的，就跟换衣服一样，你把你的观念伪装一下，换不同的衣服，不停的换材料。我发现现在的学生不好教，因为学生的好多信息都来自数字化和网络，现在老师也变的越来越理论化，他只是教理论而不是在实践上去感受，我们现在为什么要用新的东西去表现旧的材料，而不是用新的材料去表现新的本身，刚才宋老师和朱老师都谈到说用纸来表现石头这个有关材料的运用问题，为什么不去表现本身而是去表现石头的质感?
◆王小蕙：我刚开始学习就接触材料，接触木头，基本功还是比较扎实的，养成了动手的习惯。一开始就是跟材料进行实践和交流，很多年来从教学到创作始终没有脱离材料，除了土，木等材料，其他的材料我也进行过研究。在陶瓷和木头上，我实践得多些，我很赞同Billy Lee说的创作过程的重要性，不是说你想好了再去做，而是在你做的过程中会一步步地有加有减，所以创作的过程是非常重要的，虽然这个过程有很多的可能性，但你慢慢进行交流才会懂得它的话，懂得它的语言，属性，最后才能真正把握住它，做到这个材料本身应该有的形象，这就是把它生命本质的东西表现出来。现在我们也提倡在材料的运用上综合、拓宽，在传统的材料的基础上我们再有更好的表现。要符合这个材料，不要很生硬地去复制，你想达到一种超越也好，突破也好，但是不能离开材料本身，那么从老师对学生教学的方式来说，教师本身要带动学生动手的习惯，像这次展览有很多作品把感情投入在里面，我很高兴我们现在不像以前那么浮躁了，我们要能够进一步在材料上进行深入的探讨研究，提高动手能力。
◆刘远长：我一直是在传统思路中做，但走到今天还是希望我的创作有些现代的东西，这次展览的作品形式各方面都比较新，尽管有些东西还不成熟，但给展览带来一些生气。一个人在艺术创作中要有思想和技艺，把创作交给别人完成，这样不是不可以但是不能过多，作为一个雕塑家最重要的是动手能力，才能把观察能力。形象思维能力结合得好。有的人有很好的想法，但是他的手跟不上去，尽管想法好但是很难表现出来。有的作品是很微妙的，我们看到达·芬奇的蒙娜丽莎的微笑完全是用技巧表现出的，罗丹的雕塑也是很微妙的，很多人用很多方法去表现，却很难超越他的意境，所以我们年轻人一定要有扎实的基本功，否则从学院里出来的都是有想法，能说但不能做的人，这是不行的。现在大家争论应该怎样对待材料的运用，传统比较强调因材施艺，有的人是看到某种材料会有新的想法，要对材料不断琢磨，这是一种辨证关系。对材料的某些方面的模仿和某些方面的转化，我不完全反对，但是不应该成风。
◆刘炳南：大家谈到关于雕塑材料转换、拷贝这个问题。我谈几方面，第一，雕塑材料就是雕塑作品的一种软件，用材料去再现物象特征，这就叫材料创意，创作就是要产生一个新的物象，材料只能是雕塑创作作品中的一个组成部分，第二，对材料的创意，要有一种情感在里面，这就是雕塑语言，就形成作品了。第三，关于展览，展览就是个交流。来看展览交流的目的不仅是要互相学习，也要互相排斥，只有排斥，才能产生不一样的属于自己的作品。架上雕塑展就是表现技法和创意的交流，它和室外雕塑不一样，室外雕塑有环境空间做依托，物象本身的创作主要是空间和体量之间的关系。第四，办展览是一种导向，我们的目标是什么?我们的导向是要推进对材料的理解、推进创意的提高。雕塑杂志就是我们的导向，上面的很多好文章指导我们的方向。我个人意见觉得现在的导向很混乱，很多院校起到了很有召唤的导向，他们怎么搞，很多人就跟着怎么做，到底对不对?再由一些批评家一炒，不对也成对了，就害了一批人，所以导向很值得我们思考。 ◆赵展：看到这个“五行和声”雕塑展，感到很亲切。这段时间看了很多关于这方面的资料，首先对五行我理解为是对材料的理解，可以视为对物质性、对物的一种理解。我看到展览前言里提到，归根结底还是回归到对自然的思考。我们上一届抽象雕塑研修班做作品的时候，Billy老师传达给我们很多信息，英国艺术家更注重自然的东西，这与我们老祖宗传下来的理念道法自然一点也不相悖，这是我们中国最早、最传统、最本土均母语。材料是取自自然，不管它的造型、观念、形式都应是道法自然。再谈一下展览形式，这个展览的作品基本上还是架上的、小件的。没有考虑到展览本身的空间和作品与周边环境的空间。以这种空间、形式、架上雕塑的概念来说“五行和声”吝么大的一个主题是不是恰当?是不是合适?我做的作品也很小，我说的小不是大小的小，而是空间上的大小，是不是真的考虑到空间和材料之间的关系?还有一点就是前面几位先生谈到的对材料的认识问题，一谈材料就能谈出问题来，我跟朱老师也谈过这个问题，很多学生把材料直接转化成某种形象，这种现象太普遍了，我想根治不是说句话就能改变的，需要理论上的支撑，我同意Biuy的关于“桌子的想法”，你是先看到材料有想法?还是有想法再抓材料呢?这是_一个辨证关系，我觉得不矛盾，拿一个桌子举例，生活里是需要发现问题，然后用思维去解决就好了，没必要非要去说我到底怎么样。我就是缺这个东西，我就想做这个，用什么做最合适，最容易表现我就拿这个做，我认为艺术还是那句老话，艺术源于生活，要体会，我觉得这个过程更重要。
◆宋伟光：赵展说的回归自然以及我想做一个什么，需要什么?这使我想起一位德国人类学家利普斯的著作《事物起源》，这本书的中心思想就是说任何事物，如生产活动、用具、社会活动等都是因为需要才磨合出的。作为雕塑艺术也是如此，要知道我们为什么要去这样做，这样表达。我们好多哲学化的构思和哲学化的图像呈现在作品中，但作者却并不一定明白这样做的根本目的。
◆赵勇：我是西安美术学院的赵勇，很感谢主办方让我参加这次活动，我就说一下我的作品的构思吧，我的作品叫《故乡的云》，刻画的是一个小石头人，躺在一个像树叶的黑石头上，下面是一个三角形金字塔的造型。我的想法是世界有另一个彼岸，这是我的一种向往，最好是能飘到那个彼岸，但这是一种矛盾。下面的金字塔是一个永恒的形状，如果小孩能超越人类范畴的话就能到达那个彼岸，就是这样一个构思。关于艺术是什么，我也是从上学到毕业到现在一直都在思考的问题，我可能觉得人不舒服了叹口气，或吼一嗓子，这种东西发出来可能是艺术，就是要有人的思维留下痕迹。
◆朱尚熹：我点评一下，我在别的地方也看到过赵勇的作品，他有他的特点，他的小人是一个石头的小人，而不是人的石头，造型语言是石头的本质。他把小孩做成方的，与石头的语言贴近，我觉得是好的地方。
◆吴为：我是天津美院的研究生，我是上一期参加抽象雕塑班的学生。这次会议的主题是谈材料问题，我就是想谈一下在做创作的时候，感受材料本体的语言，木头象征着生命，孕育，石头是坚硬的，金属是坚硬和挺拔的感觉，我们要寻找材料各自的特点，属性。我就拿金属来举例子，我们学校也开设金属课，工作室，我也看过同学和老师的作品，思路还是以前的思路。我们使用金属材料的原因就是它易于保存，所以我们才用铸造和锻造去做雕塑，工业革命后，人们发现机械焊接很有美感，金属区别于其他材料的显著特点就是能运用焊点使物体立起来。我们做雕塑最重要的不是以前我们说的雕和塑，最重要的是空间，金属能很好地表达空间，但我看我们学校同学的作品往往是拿铁片焊接了一个恐龙，摩托车等，其实这种思路还是原来的铸造和锻造的手法只不过是用焊接的形式表达出来了。我们看美国人做的雕塑，他们表达是金属那种挺拔坚硬的本身特质，能围合出空间，能表达出雕塑的语言，空间的艺术，我们在创作中要考虑材料本身的一种特质这是非常重要的。
◆郑萍：我想谈一两句，来看展览的路上我还在想，金、木、水、火、土这么传统的中国文化理念，应该有很多关于金木水火土的哲学理念在里面吧?后来一看这个展览只是借了金木水火土这个材料来表现而已，展览的作品非常的好，但是承载的内容如果能再单纯一点，可能会跟金木水火土的哲学理念更贴切一些。
◆宋伟光：郑萍老师强调“单纯”，这很有意思，应该是我们思考的问题。
◆田猛猛：我是天津美院的，我这次参展的作品是陶瓷的，相对而言，我对陶瓷的了解也不多，因为我原来是学装饰设计的，金属工艺和漆工艺的。我接触陶瓷也是想多了解些材料，我的作品是《怒放的生命》，是一个有关生命的题材，作品表面的处理是我想通过“绷带”制造出很粗糙很荆棘的肌理，表现昆虫在作蛹时的状态。这是一种生命，想表达生命的进发感。刚才老师提到，材料有它自身的特点，陶瓷是很脆弱的东西，也是一种生命，做时要很小心，要把握烧的时间，火的温度，在这过程中烧坏过好几次。我做的东西相对比较幼稚，我是从我的观念出发，怎么表达我的观念，表达的更明确些。
◆陶都罕：五行是中国人最传统的物质观，是对世界最原始的认识，整个世界是物质组成的，是在这个基础之上产生的变化，艺术应该是高于这物质，是情感依赖物质的表达，我觉得谈了很多理论和抽象的概念，但是没有太去强调情感，如果艺术不能打动自己的话也很难打动别人，我想说的就是这些。
◆史贤君：我是来自安徽雕塑院。五行本是一个传统上的文化概念，从我个人对雕塑的理解来讲，应该有更多的感情和激情在里面，眼前一亮的感觉，这是我的理解。
◆杨飞：在学校我是一个老师，在公司里我是一个研发总监，也就是一个商人，我本科学的是设计，研究生学的是油画，但是我在大学里教的是动画，我今天来是以一个艺术爱好者的身份，只要能和艺术相关的事我都想参加，一方面公司给我商业上的任务，但从个人角度来说我对艺术比较爱好，我希望我做的东西是大艺术方面的，不局限在材料上的，所以说我来到了这里，希望有机会学到更多的知识。
◆徐国华：各位好，因为我对理论上没有更深的研究，只不过在艺术创作的实践中不怕吃苦，另外能十几年的对一种主题和材料进行实践。我觉得实践对创作、材料的运用上还是有挺大好处的，因为你对一种材料进行长期实践、研究，会对材料的感悟和它的特性有更深入的了解，如果总换材料可能会受些影响。我在高中毕业时就分到了工厂，对机械零件金属这些材料比较熟悉，所以说我就利用这些材料，创作一批表现自然的，比如远古系列的作品，如鱼类等。最近几年又做了些跟音乐有关的，就是做了变形的铜管乐一些小型作品，总之，我的体会是在创作过程中，不能把工人充当你的创作的整个过程，应在自省之中把你个人的思想和每个环节参与其中，拿焊接来说吧，跟工人说一些具体的怎么焊接，他们是不能明白的，自己也说不清楚，后来就不用他们做了，自己直接动手，当然这其中很辛苦，但是也要去这样做，而且特别是对细节光洁度的强弱以及后期的处理一定要亲自去做，我感觉做作品要持之以恒，不间断，认真地尽可能研究得深入一些，因为我感觉人们创造的最佳时期是动手的过程，想的太多也很难实现，应该集中精力把眼前的所思所想变成作品。 ◆宋伟光：徐老师强调对一种材料深入下去，这也是一种方法、一种态度。
◆黄丹麾：有这样一个问题，就是我们的材料本身，包括波普艺术，包括物派，他们都建立在材料本体上，刚才两位先生都说，要有感情，这没有错，但感情是多方面的，如物派就是消减情感，把艺术冷冰冰地变成物，就是画家变成机器，让机器作画，实际上是对表现主义美学的反叛。所以，我想艺术情感有时是具有批判性的，不一定是很热烈的。再一个问题，就是材料的本体论本身有没有情感，我认为是有的。还有个问题就是根据材料去找思想，还是带着思想去找材料?我记得罗丹说过，我从进入采石场去找大理石的时候我的创作就开始了，所以，我想是不是观念先行就不对，我感觉从更大的角度来说还是观念先行。先行就是你在选择材料改造材料在转化材料，你的观念才起到作用。
◆宋伟光：我总结一下今天大家所谈，一，对材料的情感体会谈了很多，我觉得今天大家的发言有很多的建设性意见和思想，“五行和声”，虽然借用的是中国传统的物质观，但是反映在形式语言上，就是要强调不同材料在语境上的反映。二，就是介质，国外称材料为介质。这就带来问题了，既然是介质，那么人就是主体，物质是人的意志的投射，因此，主体就充满了对材料的选择，切不可把物质作为纯粹物和物之间的交换，物和物之间的游戏，这就错了，这是很浅薄的层次。现当代艺术，为什么光怪陆离地发生了这么多的现象，是因为它的哲学原因，如果抛开哲学原因单纯来讲这个物质和材料那是没有意义。二，就是关于材料的方法论，今天丹麾强调了一个东西就是中国文化的立场和性质，我们以前开过这样的论坛，上次在台儿庄论坛中有一位老师提到我们中国没有方法论，这种观点是错误的，中国怎么会没有方法论呢?方法论是一个解决问题的方法，我简单举个例子，孔子提出文质彬彬，这个文质不是你这个人多么文雅，文是形式，质是内容，文质彬彬是讲内容与形式的适度融合，这就是方法论。我们当代艺术是形式往往大于对内容的表现，而概念艺术是把物质消减掉了，成为一个概念性的语言，当下我们是不是要继续这样做?这样做还有没有意义?雕塑杂志社接下来要做的展览是大学生毕业展，同时还有一个研讨会，主题就是关于原创性的问题，这样话题就来了。最后我想我们应该在当代艺术当中去哲学化，强调个人的介入，自然的介入，我们应该单纯一点，可以知道理论，但是不要被理论所束缚，可以关注理论但是不要关注教条，要总结出来认识，而不是背课文，再拿物派而言，物派是什么?它是以批判的方式来介入情感，要对流派找出一个支点就能分清当下的艺术状态，就可以看清美术史到底发生了什么问题，最后一句话就是应该关注自己，把自己的内心世界去投向自然当中去寻找你的新发现，来改变世界观。谢谢!