前几天，本刊编辑接到一位年轻摄影师的电话，他的照片拍得不错，也曾获得一些全国范围内摄影奖项的大奖。这次他打来电话，不是询问某些具体的技术问题，而是关于他的一点点小困惑：“为什么我的照片拍得不错，也获得了一些奖项，甚至是大奖，但相比另外某些摄影师的作品，并未受到社会广泛范围的关注？为什么一些我觉得拍得没有我这么精美的作品，反而能在微博上有各种转发，引起很多人关注，是不是需要拍摄更具有话题性的题材？有一些摄影师的东西，我看起来也就是那么随意的一拍，我没感受到它有什么艺术内涵，为什么就有很多粉丝？甚至是摄影圈之外的关注……是不是找专家写一些文章来推荐就可以了？我还是相信摄影本身不需要文字作解说，一图胜前言……”其实他的问题颇有代表性，只是很多人不去探究。
　　今天，“摄影人”的数量与十年前相比，有几何级的增长，影像顺着网络涌来，渗入我们生活的每个角落，影像的观看、使用、读解和审美方式多种多样，曾经很多朋友常挂在嘴边的引以为荣“摄影圈”的“摄影人”等这些词汇，其确立的边界在新时代看起来混沌的摄影词条云团中，似乎已被稀释殆尽，如今，抱着玩乐的心态或是严肃的心态去拍照，都应该了解：自己的摄影方式不是唯一，接受和了解摄影的多元，才能更好地面对和处理自己的摄影方式。
　　根据编辑的经验，他的困惑并不是个例，看到这些变化的人才会困惑。编辑和这位摄影师的对话貌似煞有介事，但也并不能给出标准答案。又深入聊了聊，下面是整理过的聊天记录。
　　U：年轻摄影师
　　D：《大众摄影》编辑
　　D：你在二十出头就在一些影赛影展中获奖，我记得你说过入门时是和师父学的，那是很有经验的摄影师吧？
　　U：我是被两位师傅带进门的，他们都是多年的摄影工作者，10岁的时候，我受他们影响，接触到摄影，也很狂热，但是那时摄影对于我来说只是一项课余活动。
　　D：有师傅能带进门学习，很宝贵，以前很多人都是自己想办法看书、看展，现在是通过网络等种种渠道学习，也有不少人是有过“师傅”的，“师傅”的痕迹明显的会在“徒弟”身上显现出来，例如对摄影的偏好和判断。当然，也会在这基础上发展，某些地方会和师傅有不同，但是当你知道谁是跟谁学过，你就会发现，有道理。师傅大概都给过你哪些方面的指导和训练？这个过程你都拍些什么内容？
　　U：他们首先扭转了我当时唯器材论的观点，让我看到好作品是什么样的。我从最基本的技术开始学习，看了很多优秀的摄影作品，当时觉得李少白老师的《看不见的故宫》特别棒。
　　D：他的东西不仅仅是光影，光影只是个表面语言，他的视觉下面，是有他很个人化的观看方式和审美方式，所以别人模仿也意义不大，不如找自己。话说回来，你什么时候开始参加比赛？
　　U：到了2010年的时候，我积攒了一定数量的作品，当时我的师傅建议我参加那一年的省里的摄影艺术展览，并对我的作品编辑提出了意见。后来在那次省影展上，我的一组作品获得了优秀奖。那是我第一次在正式的比赛中入选，为我以后的创作提供了信心。
　　D：你对摄影的关注点，你喜欢的风格是哪种？
　　U：大学的时候，看了顾铮教授编写的《世界摄影史》，初步了解了从摄影术发明以来摄影的各个流派。我很认同亚当斯带领的F64小组的影像追求。
　　D：就是你觉得亚当斯的这个路数是你非常喜欢的。
　　U：是的，我当对亚当斯的黑白影像方式很着迷，我也跟着另外一位老师学习了数字后期技术，那段时间不短。他对于我当时一味的模仿也有些反感，我不能亦步亦趋，始终重复他的脚步，我后来在创作同类题材作品时努力寻求自己的风格。
　　D：我参加过一次大展的评选，评选过程中，有评委就说“这组照片是那位某某拍的吧？”分辨出了你的风格。其实你的风格在比赛作品中很鲜明，一看就属于能在比赛中获奖的片子，作品感强，完成度高，我觉得是精致的“命题作文”。因为比赛就是命题作文。不过我想，你自己拍的东西，可能也是按照命题作文的方式去的，能不能脱离别人的“命题作文”，或是进入“自己命题”，也许是你更上台阶的所在。因为这也是很多人同时具有的疑问。这就和那天电话聊的时候，你的一些困惑有关了。
　　U：之前我在网络上看到一些热传的摄影作品和摄影师，我觉得：为什么我的作品不差，也获奖了，但影响力还只是在传统的“摄影圈”小范围内。为什么没有获得更大关注。那些受关注的人，在我看来，作品似乎并不比我的更好啊，是不是他们作品更多切入社会议题？是否我应该也主动切入？
　　D：在以往我们所了解的“摄影圈”获奖的照片，在当今社会，并不是社会的聚焦所在，随着全社会的读图时代到来，沙龙样式的照片越来越只是传统的摄影爱好者圈子范围内的议题，所以也许你的照片获奖，但并不像另外一个看起来没有那么“美”的作品获得的关注度高。或者用我之前的话说，你看到的那些广受关注的，是摄影师“自己的题目”，面对的是自己的标准，想的可能不是如何面对评委、既有评价体系的品评和判断。所谓“摄影圈”这种东西早就模糊了。你的困惑，很多由爱好者转型到创作者的人都遇到过，如果我们非要这样划分的话。
　　U：当时还有一个困惑，有些人的作品，就是现在经常在网上见到的，感觉比较“当代”的一些，我看起来并不觉得有那么好，我认为评论家写的文章，把这些作品抬升到某个层面，就获得了社会的广泛关注。
　　D：从一个审美者的角度看来，现在受到广泛关注的语言范式，话题较“新”摄影，都提供审美上的惊喜，一些可能说不清但强烈吸引人的东西，一些你觉得“靠评论界推广”而获得关注的作品，不否认有你所说的情况，但若真的在受众中引起反响，则一定是作品有意思。他们提供了你我所不具备的视角，这当然就有意思，有趣味。这不是冥思苦想得到的。同样，这是他的作品和他的受众互相寻找和形成的过程，也许喜欢他作品的人之前从未对摄影发生过兴趣，不知道亚当斯是谁，这没关系，作品打动人是很直接的，很具体。
　　我想这种时候，如果你想在摄影这事儿上有些“突破”，或说有些变化，真不妨少拍点，少想想“摄影”，去干别的，什么都行，既然不靠卖照片活着，就旅行看书过日子，放一放。等你再有冲动的时候，不管是用相机、手机还是换一台大画幅拍，即使仍然是拍你熟悉的题材，照片可能会是一种新的结果。
　　U：后来我想，不管题材是怎样的，我肯定要有属于自己的摄影语言，这也是我正在追求的。摄影在技术层面上，现在后期处理、投稿都有专门的影像俱乐部包办，只要你有钱，你只需在一个合适的地方按下快门就可能有不错的结果，过程同质化到如此的地步。但是我以为今后的摄影应更加注重内在的表现，不仅是语言上的炫技。我会更多关注人。
　　D：前几天你在微博上发的一组新照片，保留了你的精致，还有对整个场景的控制，和你之前的东西有些不一样了。
　　U：其实那些都是很早的照片，但是没拿出来过，只是重新编辑了一下。
　　D：重新的编辑审视下，在以往的素材当中发现了拍到但并未“看到”的东西，这感觉是不是像在衣橱刚翻出来的衣服口袋里发现了钞票？
　　U：对，随着阅历的增长发现的，之前无意识或是没有充分意识到的情况下拍的那些照片，现在就会去有意识的拍了。
　　D：有的时候，看到一些人的创作变化不那么自然，像是为了变化而变化，我觉得还是从自己的东西里自然的、慢慢的生发，会更好一些。可以理解到别人的不同，但不是为了重复别人的范式和道路。要从自己的东西出发，同时对外界的东西保持开放。
　　U：对，这是一个方向。我之前之所以一直使用黑白，是因为我对黑白影调有一种极度的钟爱。韦斯顿有一句话我非常赞同：我不是专门去物色那些不寻常的题材，而是要将寻常的题材变成不寻常的作品。
　　D：所以他在家拍贝壳，其他人当时都去拍现代建筑、工厂之类的。但也许韦斯顿一直创作到今天的话，他们的东西也可能令人大跌眼镜，完全不同。
　　U：我的拍摄内容是一个需要做很多年的专题，坚持自己，但是随时吸收外界的营养来充实自己。比如昨天我在网上看到的一组作品《永泰古城》在我看来，这样的作品比看那些名山大川的摄影更来劲儿，我觉得把风光拍得跟明信片似的作品，反映的是自然本身的美，我喜欢表现摄影的美，我透过摄影看到的东西。