做一个展览并不难，但是做一个有意思的展览很难。作为“五行和声当代雕塑展”的主办方，《雕塑》杂志社的出发点，是期望营造一个深入探讨问题的平台或氛围。从展览的构思、执行、展出、研讨到总结，对于操办者而言，也是一个自我反思的过程。
　　我们反复向自己提问：通过展览究竟要探讨什么问题?试图让人们思索什么?
　　首先，这是与材料有关的讨论。但关于材料的话题是一个老话题，并不新鲜。为什么今天还要重提?这对现实有什么意义?事实上，从中国雕塑年鉴中收录的艺术作品中，从历年的“高校毕业生优秀雕塑作品展”中，从其余琳琅满目的展览中，我们都可以看到：今天艺术家们的创作材料已然是极大丰富。中国的艺术家们迅速地从西方现当代艺术史中捕捉到一个信息——任何事物包括现成品、身体、思想，都可以作为创作的材料。他们并不害怕尝试新的材料，相反，他们更急于寻找新的材料来创造新的视觉体验。但对于一件雕塑作品而言，仅仅有材料就够了么?我们对于材料的追求是否走向了误区?材料是否成为一种眼球刺激和噱头?是否使我们忽略了形式、空间等其余雕塑语言要素的发展?有多少作品看似光辉实则空洞?又有多少作品真正能做到材料、形式、空间、内容等等的内在统一?带着这些问题，再来研究“五行和声当代雕塑展”，我们或许可以进入到深层的思考中。
　　第一个问题：什么是尊重材料，让材料自己说话?
　　20世纪初，罗丹开启了西方现代雕塑的一个传统——艺术家应在工作室中亲自动手完成作品。材料本身的特质得到了前所未有的重视。尊重材料，意味着艺术家要亲自去感受材料、实践材料，甚至把自己当作材料，体味作品和材料之间的对话。如布朗库西所说：当你雕琢一块石头时，你会发现你手中的这块石头的精神及其他属性，你将跟着对这块材料的思考而展开你的艺术构思。再言之，这便是发现这种材料与众不同的特性或这部分材料的独特之处。若想去考量一件作品是否做到了尊重材料，或许我们可以这么提问：这个作品非得用这个材料不可么?材料在作品中是否具有可替代性?或者是否有其余材料可以让这件作品更有力量?
　　刘冰的作品《缝补——记忆》，灵感来源于偶然在旧货市场发现的缝纫机头。这个东西激起了他童年时代关于母亲的回忆——小时候，都是母亲用缝纫机给几兄妹做衣服，缝纫机在那时是一件奢侈品，是那个年代的一个象征物。刘冰用熔焊的技术处理现成的缝纫机头，令它看起来饱经沧桑，仿佛岁月在它的躯干上流淌。可以说，他对材料的使用是成功的，作品的形式与作者期望表达的内容是切合的。若是换成其余材质，这种沧桑感和流淌感恐怕很难像现在那样充分地表现出来。不过在熔焊技术的处理和各部分的比例关系等方面，作者应该还有提升的余地。
　　我们再来看看赵磊的石雕《流》。这位艺术家“玩”石头已经多年，他对石头应该说有比较深入的探索。在他之前的作品中，他将月影婆娑的感觉用石头表达出来。在这件作品中，他将坚硬的石头雕琢得如同柔软的纤维，也如同一束束水流，它们之间既统一又穿插错落。可以发现，他的兴趣点在于探索石雕语言的可能性，同时赋予石头一种中国式的诗意。从这一点讲，这件作品有很好的可取之处，但也有一个视觉平面化的问题。雕塑毕竟是空间的艺术，怎样才能使得作品整体的形式就传达出“流”的意境呢?或许这是作者还需要进一步推敲的地方。
　　第二个问题：艺术家主导材料，还是被材料主导?
　　我们在第一个问题中提到：要尊重材料。不少时候，有些人会走向一个误区。举个例子，这几年用纸做作品的艺术家很多，他们做的东西很让人惊叹——哇，纸做的这么像真的!但想想，一朵纸做的花和一朵塑料花有什么区别呢?除了视觉刺激和技巧炫耀之外，这里还有什么让人继续品味的东西么?如果没有，那么艺术家们就要警惕了，你们是否被材料绑架了?一件艺术作品的核心价值所在，难道不是在于艺术家能通过材料、形式语言等要素来传达他的话语、思想、情感么?在你的作品中，“你”在哪里呢?
　　为了找到“自己”，艺术家既需要理解材料，也需要自我发现，同时还需要找到一个好的表达方式。这就好比说话，我们要表达自己的思想，首先要掌握语言，其次要明白自己想说什么，然后呢，便是要考虑如何遣词造句，如何最有效地说出话语，让听者理解。我们必须要尊重语言本身的规律，但这语言最终还是为了自我表达服务的。
　　我们来看看展览中马文甲的作品《储》。作者巧妙地利用了木头本身的纹理雕刻出一个足以以假乱真的纸箱。当观众看到一个纸箱子摆在展台上，必然会产生疑惑，想走近，打开纸箱看看里面有什么东西。当他们真的这么去做时，却突然发现原来这是木头做的!他们不得不赞叹作者的匠心独运。但是，如果作者仅仅停留在这一步，观众在赞叹完如此像真的纸箱子之后，也不会对此作多少深思了。妙就妙在，这个箱子上还嵌上了两只眼睛，仿佛有生命体正从箱子里往外看，吸引人去探究内在的空间，又好像一种对外部世界的警惕、犹疑、渴望或害怕。我们可以看到，箱子这种形式的重要意义在于它把材质的特性和作者对于人生、社会的思考结合在了一起，作品因而具有了更加丰富且深入的意念空间，吸引观众去想象、去解读。
　　艺术家主导材料的另一种体现，我们可以从雕塑家王小蕙的作品中看到。无论运用什么材料、什么形式、什么题材，她的作品一贯流露出温柔、典雅的女性气质。一位美国教授BillyLee先生这么评价她——给她任何材料，她都能让材料说她自己。她的个性特质与作品是结合在一起的。她的态度和对美的感受把她引向了形式。
　　第三个问题：为什么要进行组合?
　　不少艺术家喜欢用几种材料组合或几个形体组合的方式来创作作品。当回答为什么要把几种材料或几个形体组合在一起的问题时，作者往往会这么说，我希望A和B之间产生一种视觉的对比。那么，为什么要进行对比呢?他们可能会回答，因为A是轻盈的、柔软的，天然的，B是沉重的、坚硬的、人工的，或者，A是圆的，B是方的，这样对比就有一种效果。好吧，那我把一个圆的面包和一块方的大理石放在一起，告诉观众，这就是我的作品。请问，你们觉得这件作品怎么样?
　　很多时候，人很容易陷入到主观的境地。我们主观地以为自己已经说得够清楚了，或者，我们认为自己已经足够深刻了，但事实并不一定是这样。所以当观众说自己看不懂这个作品的时候，并不一定就是观众欣赏水平的问题，也有可能是作品本身的问题。所以，艺术家不能仅仅凭着自己主观的喜好做作品，而忽视了这么处理或那么处理的必要依据。正因如此，当选择不同材料进行组合时，艺术家需要特别慎重的考虑：为什么要选择这些材料?形式和材料之间有什么内在联系?不同部分的形式之间又有什么内在联系?它们之间如何组合才能够最有效的表达“我”想要说的话?
　　比如，胡名杰的作品《书写的俄另一种方式》，他的创作方式是先将木材用碳烤，再利用自然形成的肌理效果，对形体和肌理进行有选择的保留和加工，最后对形体进行组合。是什么样的视觉逻辑将这几部分组合在一起呢?是中国书法中用墨书写的那种感觉，那种轻重缓急、焦浓淡涩、横竖撇捺。他并没有想要具体地去摆成某个字，但观者却能感受到这种意境。每个部分之间的比例关系也让人感觉比较舒服。
　　赵勇的作品《故乡的云》由三个部分组成：花岗岩的基座、万年青的云状平台和白色大理石的小人。虽然各是独立的部分，但它们从材质到形式，都结合得比较好。梯形的基座暗示了向上延伸的趋势，将视觉引向上端，不规则的云状平台既暗示了“高于现实世界的世界”，又与几何形的基座及小人形成视觉上的对比，再加上材料色彩的对比，强烈地突出了横卧的小人。小人既规整又有看似随意实则精心的肌理变化，与规整的基座有一定的联系，但又是超越的。白色象征纯洁、象征云朵，也象征了作者所想要表现的自在而干净的彼岸世界。
　　展览中还有一些有意思的作品，值得我们深入分析探讨。这里仅选择若干，来说明我的思考。其实，做一个有意思的展览与做一件有意思的作品，并没有本质的区别。如果一件作品不足以引起人们的思考和讨论，那么这个作品必然是件失败的作品，展览亦然。况且，现在艺术家们并不缺少展览，缺少的是真诚的展览。我们希望，“五行和声当代雕塑展”能开启更多真诚的探讨和思考。