“模仿”与“创新”是长久以来声乐学习领域里经久不衰却又饱受争议的话题。对于同时出现在同一个领域却又截然相反的两个词——“模仿”与“创新”的认知，不仅很多声乐初学者有些模糊不清，甚至包括很多老师对于它们的态度也是大相径庭，有些老师推崇“创新”对于“模仿”避之不及，认为“模仿”不是艺术，这种刻板、机械的学习方式阻碍了学生个性和特色的发展，会让学生的声乐学习毫无意义，持坚决否定的态度。而另一部分老师则过分的注重模仿在声乐学习过程中的作用，对于课堂上所讲的内容、音像资料或者名家演唱要求做到丝毫不差，从咬字到音色再到呼吸的深浅都要求细致无二的精准，对于学生比较个性和有特点的东西不鼓励，认为是冒进和叛逆。久而久之使学生迷失了自我，看不清自己发展的道路，其实也是不可取的。正所谓“寸有所长，尺有所短”，“模仿”与“创新”亦是如此，模仿不仅初学者的“描红本”、“敲门砖，”甚至不少声乐界巨匠也是在一定的实践模仿中逐渐诞生的。当然，声乐学习起步于模仿，但并不终止于模仿，没有创新的模仿没有任何出路。那么，在声乐学习过程中如何看待“模仿”？怎么样去“模仿”？“模仿”到哪个阶段？“模仿”和“创新”之间有着怎么样的关系？如何在“模仿”之中培养创新思维从而实现创新？是本文主要论述的内容。