20世纪60年代，世界艺术开启新的疆域，打破对完美的追求，材料、媒介相互交融。摄影也在这样的艺術转型语境中拓展思维，借助或混合其他艺术的形式、方法以及美学理念，在当代艺术激荡的洪流中探索新的价值。
　　美国摄影艺术家杜安·迈克尔斯是60年代创新标杆性的人物，他将文字书写、电影连续画面、绘画与摄影结合，又涵盖了行为表演、自拍等多样的手段。在拍照和在照片上作画之外，他更喜欢自己的诗人身份。上世纪50年代末，他开启创作之旅，直到2016年84岁高龄，还有新作诞生，旺盛的艺术生命力让人敬佩。
　　杜安·迈克尔斯30多岁时就否定了卡蒂埃·布勒松的决定性瞬间理念，坚定地表示，摄影不应该是见证世界的工具，而是对不知道的和看不见的东西进行表达。他认为摄影记录世界的表象，而“表象和真相之间没有任何联系”（注《出龛入龛—当代美国摄影艺术家访谈录》徐婷婷著 p22），相机要向内拍摄内在自我，对“人的存在”这样的基本哲学命题提出疑问。他的创作主题聚焦在：爱、死亡、欲望这三个人类存在不可回避的主题。从他的作品题目《死亡之后的精神旅行》、《爷爷去天堂》、《灵魂离开身体》、《基督在纽约》、《宇宙是什么？》、《没有答案的问题》、《魔法师创造了宇宙》等等就能看出作者的思考。这样具有哲学性的摄影目标和审美情趣，与当时乃至今日摄影的主流价值体系背道而驰。
　　另一方面，杜安·迈克尔斯的先锋性体现在对影像语言与文学、绘画、电影的融合使用上。他首先在照片上使用手写文字，有时是简单的题目，更多的时候仿佛是讲述照片中人物故事的叙事诗。他推崇希腊现代诗歌创始人卡瓦菲和美国诗人惠特曼，摄影和文字书写共同完成了他的一种向内的表达。在影像与绘画的结合方面，他首先在自己拍摄的人物肖像上画一些色彩艳丽的花鸟，展现出人物想象的世界；后又在影像印刷品上涂色，传递出消费时代粗暴的视觉气息；近十来年，他以19世纪锡板类肖像老照片为底，在上面涂色彩斑斓的几何块状，将历史和现实进行了并置与对话，达到对人物、时间、存在的美学认知的共建。

　　在摄影发展的历程中，杜安·迈克尔斯用一生实践着他的摄影向内表达。他说：“最好的部分不是看到什么，而是感受到什么。人们乐意相信眼睛，那是错的，这也是为什么我觉得大部分摄影师很乏味，这些无害的、迷人的照片，带来又一次日落、又一处瀑布。但是在个人经历的舞台上，种种些悲伤、孤独……，你要如何拍摄欲望？这关乎你是谁而不是你看见了什么。”