独立戏剧制作人牟森曾对一位当地教授描绘的俄罗斯生活印象深刻。
　　教授是这样说的，“俄罗斯人需要心灵交流的时候会去两个地方，一是教堂，一是剧场。”那是两处能滋养精神躯壳的信仰之地，也侧面体现出戏剧生活在民众心目中的地位。
　　戏剧是艺术，两者都离不开生活。但只有在一群与艺术相关的工作者中间，你才能深刻感受到艺术赋予城市的责任和魅力。
　　在广州艺术节·戏剧2019举办期间，一场围绕在作家、导演和剧场创始人之间的讨论别开生面。6月2日，“艺术与城市”广州艺术节专家研讨会在广州大剧院交响排练厅举行。
　　城市需要艺术，所以需要舞台，一座剧院能成就一座城市。由广州大剧院所承办的广州艺术节，让人们近距离地感受到美。当作为门外汉的我们还在眺望诗与远方的时候，这些创作者把距离拉近，凝视自身，从细微处考量精神供养品扎根城市的可能性。

艺术偏爱先锋

　　值得一提的是，为本届艺术节打响头阵的是来自国家大剧院的原创歌剧《长征》—以一段85年前的历史重启一届艺术盛会，是富有现实意义的话题引领。
　　国家大剧院剧目制作部部长韦兰芬谈到了创作《长征》时的经验和想法，这部作品的特别之处在于找到了合适的切入口，以士兵对于理想和信仰的追求展開，以小人物的故事带动整体情节的发展。
　　事实上，主旋律作品的制作并不如观众所想象的简单和刻板，反而更需要创意才能“对味”。编剧史航认为，所谓的主旋律其实是每个人都摆脱不了的旋律，是能打动和走近人们内心的气质和品位。
　　从我们的祖先发明戏剧这种舞台形式以来，便创造出了一种面向未来的微缩景观，演员在台上诉尽内心的情感，而创意则为主题竖起标杆。
　　这次艺术节另一部重磅的作品是改编自刘震云同名小说的《一句顶一万句》，史航认为，两部剧拥有着本质上的联系，“都是人在背井离乡后走遍很多地方，在大地上奔忙”。
　　在这种目标不定的行走中，戏剧从经典作品中提取精华，让观众在剧院里找到精神层面的交流感。
　　让人惊喜的是，艺术更有可能让城市实现“弯道超车”，那是因为各种艺术形态间没有高低之分，刘震云便表示，“要看你到底做到了什么样的程度，莎士比亚与巴尔扎克和托尔斯泰相比，很难说谁更伟大”。
　　更进一步的觉醒在于，业内人士还提出广州应该在吸纳国际艺术家的资源上着墨更多。显而易见的创作现象是，国际顶级的艺术家往往带有先锋意识，而这种意识具备着别样的文化视野。
　　一直以来，广州大剧院都在追求演出作品的广度和深度，坚持引进国内和国外一流的剧作，富有想象力地拓宽了城市的视界：比如《长征》《一句顶一万句》和法国原版音乐戏剧《玫瑰人生》等，无不是让人翘首以盼的演出。
　　本次艺术节中，还将呈现演出蜚声海外的传奇歌剧《唐璜》，由广州大剧院携手法国波尔多歌剧院及蓝太阳剧团联手制作。拥有丰富歌剧制作经验的广州大剧院融入了本地乐团合唱团的力量，汇聚中外声乐艺术家于台前。夏夜的广州，又将联袂上演一场绵延到人类文明深处的经典之作。
　　有与会人士就提及，广州拥有不少现代和传统结合的区域，这将她和其他城市鲜明地区隔开来。广州一直在追求历史纵贯线上的动态平衡，这种“中间地带”正是前卫的艺术家所汲汲以求的创作空间。

打破次元壁

　　在思想的交流和碰撞中，还产生出不少对于艺术节有重要参考意义的想法。
　　比如史航提出可以辅以举办朗读会的活动形式，以有影响力的嘉宾为号召，带来跨平台的观众启蒙。他还因此打趣说，“要拦住那些过路财神，他们能给我们很好的宣传效果”。
　　广州的资深剧评人杨小乱与史航的想法不谋而合，在优秀的剧目以外提供丰富的配套活动是相当值得称赞的延续，“提升观众的体验，让他们感受到温暖，自然也就是温暖了这座城市了吧”。
　　著名作家刘震云在谈到《一句顶一万句》的改编过程时，分享了一种新的思考维度，他对比道，在剧中导演讲的是人的精神世界。而“精神世界”这一名词，本来就不是“知识分子”的专利，底层人物也同样拥有，重要的是作为导演的牟森把这种精神层面展现了出来，并且特别深入。
　　他形象地表述道，“话剧把小说中的人物表现得更加浓烈了”。在《一句顶一万句》中没有明星，且大部分都不是专业的话剧演员，但刘震云认为表演真正的号召力是在舞台上，是由真切地体现导演创作思路的人烘托出来的。这或多或少打破了我们对舞台的想象。
　　杨小乱分享道，他最大的感动是在五月的上海之旅去到了戏剧谷，几天的时间里市内各大剧场在戏剧谷内进行联合演出，吸引了很多观众。
　　在越来越多的地方开始涉足文旅的背景下，如何让一座城市绽放出独特的艺术形式？“打破次元壁”虽然像是一句俏皮话语，却生动地提醒着我们，打破传播、创作、表演的界限，放开思考的区间，能爆发出观众最需要的精神创意。

一直以来，广州大剧院都在追求演出作品的广度和深度，坚持引进国内和国外一流的剧作，富有想象力地拓宽了城市的视界。

　　而这样的互动也需要观众的配合。一个具有默契的共识是，参加讨论的人士都纷纷对广州的观剧氛围表示认同，“广州的市场很好，观众们看戏等演出（的时候）都很认真，和创作者有沟通。”杨小乱这样评价道。这是一种自信的积淀。

新维度的整合

　　艺术对于城市和国家带来的改变可能是颠覆性的。
　　“艺术节可以是城市之光”，牟森直接这样概括。
　　比如创办于1994年的布鲁塞尔国际艺术节，只用了一个月时间，便一举改变了比利时的文化身份和地位。关心本地发展的人士不禁好奇，如今的广州需要怎么样的艺术节？
　　广州市委宣传部文艺处相关负责人直言，目前的发展阶段仍然存在问题，跟北方城市相比，声音不多，“也不响”。因此她非常诚挚地邀请李羊朵等戏剧人士前来广州“开拓”剧场，让这座千年历史的广府城市声音，被更多人听见。
　　客观而言广州的演出市场仍然是丰富的，而且本土作品在国内也具有相当的影响力，如果能进行新维度下资源的整合，便能最大程度地发挥广州的品牌效应。
　　就此，韦兰芳给出了她的想法：着眼点有三处，第一是空间剧场，将空间的概念放大，只要拿出空间，就可以是剧场；第二是创新观众的运营机制，她举例说假若我们在剧场空间打通后，可以尝试发放前往剧院的公共交通卡，让买票的观众免费获得其中一张，让他们感受到“艺术节和我是有关系”的；第三是艺术家资源的整合，以艺术节的举办目的来划分，选择不同领域的艺术家。
　　目前，世界上主流的艺术节形式有两种，一种是乌镇、香港等地的嘉年华形式，而另外一种是主题性的，像伦敦国际戏剧节。
　　而当下广州的发展更像是在遵循后一种形式。但是因为历史尚短，仍然欠缺一定的火候。对此有业内人士表示，主线的存在的确是必要的，而她也希望接下来的艺术节的品质和知名度会更高。
　　这场热闹的研讨会是意犹未尽的，关于艺术的热闹和门道仍然数之在喧嚣和浮躁的时代氛围里，艺术节能倒映出一种难得的集体认同感，这是难能可贵的。当穿过迷茫和深思的阶段，未来的广州艺术节会更加可期，并且能真正涌现出呼应时代和历史的磅礴之作。