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摘要：即兴伴奏的学习对于高校音乐学院的学生来说，是一个重点也是难点的科目，对于喜欢这一学科的学生来说，有手指技术的学生比零基础的学生要得心应手，相反零基础的学生在学习的时候就吃力很多，有时候心有余而力不足，看到自己的学习成果不是那么明显就会灰心，那么为了喜欢这一技术并在努力的学生來说，有一个明确的学习方法，也能成为帮助他们成功的一个垫脚石。
关键词：即兴伴奏；音型；编配；变化模式
大部分会弹伴奏的人，都是从进入高校才开始系统学习伴奏的，我们学习伴奏是一开始就是为了与其他乐器或人声合作，让音乐作品更好地被诠释给听众，“更好”两个字说起来容易做起来难，因为很多作品都已经有人写出了织体恰当和声严谨的钢琴伴奏正谱，但正谱有两个小缺点：1.有钢琴基础的人识谱更快些，正谱容易上手练，而到了大学才开始学钢琴的拿到正谱，光是识谱都会花很长时间，所以，简谱配伴奏更方便一些；2.正谱是将别人心里的音乐弹奏出来，和声织体或许很正规，却不一定适合弹奏者，所以，即兴伴奏更能充分发挥当下弹奏者的内心情感与想象。
高校学习即兴伴奏本来就有些晚，四年或许还不到，就要拿着自己所学的东西参加工作，吃力是肯定的，关键是连练习都不知道该从何处下手就困难了。人成年以后手就相对僵硬一些，没那么灵活，本人有些钢琴基础，弹起伴奏不那么吃力，平时也老有人问我“我该怎么弹呢？”，一开始我就照着自己弹的，给标上和声，手把手地教，因同学基础薄弱，教也只是让他知道自己无法驾驭这弹法；后来我就减少了弹奏音的数量，降低难度，只给标上和声，用同一种织体，也认可其他的弹法，反而让他们多了些自信，多问几次之后自己也可以解决一些问题了，于是我也得到一些启发：即兴伴奏讲究的就是“即兴”两个字，如果在教学的时候把所有的曲子都教成一样的弹法，那和弹正谱就没区别了，正确的做法就是基础时期就 给一个大框架，里面的东西由自己去填，才能逐步完善“即兴”二字。
如果说和声是一幅画的色彩，那织体就是一幅画的形态，要画好一幅画，得先把形状打好吧，那同理，要弹好一首伴奏，先把织体弄清楚了再说。
伴奏的音型最基本也是最简单的就是将和弦音以“分解、半分解、柱式”这三种方式在旋律中运用起来，通过不同的变化模式让伴奏音型不再单一，那么我们可以用到的变化模式至少有以下5种：
一、排列的变化
简单来说就是和弦的转位，因为有时候伴奏需要在弹奏中带一些旋律，对演唱者来说也有一定好处，对于音准不太好的演唱者，如果能在伴奏中带旋律，那会让演唱者更好把握音准，不至于跑调，所以如果在和弦音中如果有旋律音在，就可以用转位的方法让和弦音里的旋律音处在高声部或者是合适的突出的声部以便演唱者能够听到从而校准自己的音高；排列的變化还有一个作用就是改变原位和弦的音响效果，不同的音处于低音或者高音，都会带来不同的音响效果，在旋律中带动的感情也会有所区别。
二、层次的变化
如果说一首歌曲，一直用同一种音型编配弹奏，会显得特别无趣，好像机械一样，但是如果能在伴奏的层次上面做点变化下点功夫，那会给伴奏增添很多色彩。层次上的变化可以用其中一只手弹奏更多层次的音乐达到，其实在基本音型里面，分解和弦与柱式和弦就是算一个层次的伴奏音型，半分解和弦就有了一点不同，一个半分解和弦必须至少要用两个不同时间发出的音响才能完成，所以时间上就给音乐带来了空间以及层次，能让音乐效果做出更多变化，一首歌的伴奏至少要做到两种以上的变化才能做到带给演唱者以及听众更好的感情带动。
三、节奏的变化
我们在学习即兴伴奏的时候一开始都是用的现成的歌曲来即兴配弹，歌曲是怎样的节奏，我们就会用相应的节奏来安排我们的音型该如何排列，最常用的也是最简单的音型就是左手琶音右手和弦，所有的学生都会用，但是我们会看到一个现象，所有学生都只会用的同一个节奏型，例如《月亮代表我的心》这首歌，学生就会在老师的指导下，右手用一个和弦，左手用“两个八分音符”或者“四个十六分音符”均匀节奏弹上行琶音，听久了会觉得这样的伴奏一成不变，再听就会打瞌睡了，但是如果学生能在左手的琶音节奏上做写改变，例如把均匀的节奏变成切分节奏或者附点节奏，那音乐形象又会不一样。
四、音区的变化
我们都知道，钢琴有88个键，音域非常广，基本上是人声达不到的音域，但在一定的音域上，是可以分出男女所适合的音高的，比如我们在排四声部合唱的时候，男低音、男高音、女低音、女高音也是按照音区的从低到高排列的，所以不同的音高塑造的不同音乐形象也不同。最简单的音区变化就是同一首歌，男声和女声可能就需要不同的音区去伴奏，才能符合演唱者所要塑造的音乐形象；音区的变化，最主要的作用就是塑造音乐形象，除了要根据演唱者的性别改变一下音区之外，音乐本身所需要塑造的音乐形象也是至关重要的，一首柔情似水的歌曲，几乎用不到最低的音区，所以我们在编配的时候也要知道不能为了编配伴奏新颖就乱用音区，这样可能会事倍功半，只有找到合适的音区才能得到好的伴奏效果。
五、速度的变化
拿到一份歌谱，首先就是看歌曲标注的速度记号，一般在速度记号后面会再加一个情感记号，例如：《我的家乡沂蒙山》这首歌曲，速度为中速，后面还会加一个“赞美地”，用文字形式告诉演唱者以及伴奏，歌曲的整个感情以“赞美”为主，这样就会有一个比较明确的概念指示我们用怎样的速度力度感情来演唱以及演奏；但是还有一部分歌曲，没有感情记号，只有速度记号，甚至连速度记号都没有，那就是这首歌曲可以用到的速度是比较自由的，可以快一些也可以慢一些；速度的变化对于音型也是有着很大的影响的，特别是对于不均匀的节奏型而言，加快速度，可能会让原本的音型更加有律动感，相反，原本速度比较快地弹奏的音型如果放慢速度，就会变得比之前沉稳，这都是我们在学习的过程中必须要明确的东西。
所以在一个大的基调上做一些小小的变化，就能让我们的伴奏变得更有新意，学习的兴趣也会随之变浓厚，进步也会越来越大。
即兴伴奏作为一个综合性学科，需要在各个学科中打下基础，也得踏踏实实一步一个脚印地走，才能稳步前进。
【参考文献】
[1]谢元.注重培养学生独立学习的能力[J].钢琴艺术，2000（01）.
[2]倪林.也谈钢琴伴奏[J].钢琴艺术，2001（06）.
[3]王文俐.谈即兴伴奏课的改革[J].钢琴艺术，1997（06）.
[4]冯志平，杨加力.珠联璧合的魅力—简论声乐教师的钢琴伴奏艺术[J].钢琴艺术，2003（08）.
[5]张轩宁.高校钢琴即兴伴奏教学的几点思考[J].当代音乐，2015（05）.
[6]郑蕴.对普通高校即兴伴奏教学的思考和建议[J].音乐时空，2014（15）.
关键词：即兴伴奏；音型；编配；变化模式
大部分会弹伴奏的人，都是从进入高校才开始系统学习伴奏的，我们学习伴奏是一开始就是为了与其他乐器或人声合作，让音乐作品更好地被诠释给听众，“更好”两个字说起来容易做起来难，因为很多作品都已经有人写出了织体恰当和声严谨的钢琴伴奏正谱，但正谱有两个小缺点：1.有钢琴基础的人识谱更快些，正谱容易上手练，而到了大学才开始学钢琴的拿到正谱，光是识谱都会花很长时间，所以，简谱配伴奏更方便一些；2.正谱是将别人心里的音乐弹奏出来，和声织体或许很正规，却不一定适合弹奏者，所以，即兴伴奏更能充分发挥当下弹奏者的内心情感与想象。
高校学习即兴伴奏本来就有些晚，四年或许还不到，就要拿着自己所学的东西参加工作，吃力是肯定的，关键是连练习都不知道该从何处下手就困难了。人成年以后手就相对僵硬一些，没那么灵活，本人有些钢琴基础，弹起伴奏不那么吃力，平时也老有人问我“我该怎么弹呢？”，一开始我就照着自己弹的，给标上和声，手把手地教，因同学基础薄弱，教也只是让他知道自己无法驾驭这弹法；后来我就减少了弹奏音的数量，降低难度，只给标上和声，用同一种织体，也认可其他的弹法，反而让他们多了些自信，多问几次之后自己也可以解决一些问题了，于是我也得到一些启发：即兴伴奏讲究的就是“即兴”两个字，如果在教学的时候把所有的曲子都教成一样的弹法，那和弹正谱就没区别了，正确的做法就是基础时期就 给一个大框架，里面的东西由自己去填，才能逐步完善“即兴”二字。
如果说和声是一幅画的色彩，那织体就是一幅画的形态，要画好一幅画，得先把形状打好吧，那同理，要弹好一首伴奏，先把织体弄清楚了再说。
伴奏的音型最基本也是最简单的就是将和弦音以“分解、半分解、柱式”这三种方式在旋律中运用起来，通过不同的变化模式让伴奏音型不再单一，那么我们可以用到的变化模式至少有以下5种：
一、排列的变化
简单来说就是和弦的转位，因为有时候伴奏需要在弹奏中带一些旋律，对演唱者来说也有一定好处，对于音准不太好的演唱者，如果能在伴奏中带旋律，那会让演唱者更好把握音准，不至于跑调，所以如果在和弦音中如果有旋律音在，就可以用转位的方法让和弦音里的旋律音处在高声部或者是合适的突出的声部以便演唱者能够听到从而校准自己的音高；排列的變化还有一个作用就是改变原位和弦的音响效果，不同的音处于低音或者高音，都会带来不同的音响效果，在旋律中带动的感情也会有所区别。
二、层次的变化
如果说一首歌曲，一直用同一种音型编配弹奏，会显得特别无趣，好像机械一样，但是如果能在伴奏的层次上面做点变化下点功夫，那会给伴奏增添很多色彩。层次上的变化可以用其中一只手弹奏更多层次的音乐达到，其实在基本音型里面，分解和弦与柱式和弦就是算一个层次的伴奏音型，半分解和弦就有了一点不同，一个半分解和弦必须至少要用两个不同时间发出的音响才能完成，所以时间上就给音乐带来了空间以及层次，能让音乐效果做出更多变化，一首歌的伴奏至少要做到两种以上的变化才能做到带给演唱者以及听众更好的感情带动。
三、节奏的变化
我们在学习即兴伴奏的时候一开始都是用的现成的歌曲来即兴配弹，歌曲是怎样的节奏，我们就会用相应的节奏来安排我们的音型该如何排列，最常用的也是最简单的音型就是左手琶音右手和弦，所有的学生都会用，但是我们会看到一个现象，所有学生都只会用的同一个节奏型，例如《月亮代表我的心》这首歌，学生就会在老师的指导下，右手用一个和弦，左手用“两个八分音符”或者“四个十六分音符”均匀节奏弹上行琶音，听久了会觉得这样的伴奏一成不变，再听就会打瞌睡了，但是如果学生能在左手的琶音节奏上做写改变，例如把均匀的节奏变成切分节奏或者附点节奏，那音乐形象又会不一样。
四、音区的变化
我们都知道，钢琴有88个键，音域非常广，基本上是人声达不到的音域，但在一定的音域上，是可以分出男女所适合的音高的，比如我们在排四声部合唱的时候，男低音、男高音、女低音、女高音也是按照音区的从低到高排列的，所以不同的音高塑造的不同音乐形象也不同。最简单的音区变化就是同一首歌，男声和女声可能就需要不同的音区去伴奏，才能符合演唱者所要塑造的音乐形象；音区的变化，最主要的作用就是塑造音乐形象，除了要根据演唱者的性别改变一下音区之外，音乐本身所需要塑造的音乐形象也是至关重要的，一首柔情似水的歌曲，几乎用不到最低的音区，所以我们在编配的时候也要知道不能为了编配伴奏新颖就乱用音区，这样可能会事倍功半，只有找到合适的音区才能得到好的伴奏效果。
五、速度的变化
拿到一份歌谱，首先就是看歌曲标注的速度记号，一般在速度记号后面会再加一个情感记号，例如：《我的家乡沂蒙山》这首歌曲，速度为中速，后面还会加一个“赞美地”，用文字形式告诉演唱者以及伴奏，歌曲的整个感情以“赞美”为主，这样就会有一个比较明确的概念指示我们用怎样的速度力度感情来演唱以及演奏；但是还有一部分歌曲，没有感情记号，只有速度记号，甚至连速度记号都没有，那就是这首歌曲可以用到的速度是比较自由的，可以快一些也可以慢一些；速度的变化对于音型也是有着很大的影响的，特别是对于不均匀的节奏型而言，加快速度，可能会让原本的音型更加有律动感，相反，原本速度比较快地弹奏的音型如果放慢速度，就会变得比之前沉稳，这都是我们在学习的过程中必须要明确的东西。
所以在一个大的基调上做一些小小的变化，就能让我们的伴奏变得更有新意，学习的兴趣也会随之变浓厚，进步也会越来越大。
即兴伴奏作为一个综合性学科，需要在各个学科中打下基础，也得踏踏实实一步一个脚印地走，才能稳步前进。
【参考文献】
[1]谢元.注重培养学生独立学习的能力[J].钢琴艺术，2000（01）.
[2]倪林.也谈钢琴伴奏[J].钢琴艺术，2001（06）.
[3]王文俐.谈即兴伴奏课的改革[J].钢琴艺术，1997（06）.
[4]冯志平，杨加力.珠联璧合的魅力—简论声乐教师的钢琴伴奏艺术[J].钢琴艺术，2003（08）.
[5]张轩宁.高校钢琴即兴伴奏教学的几点思考[J].当代音乐，2015（05）.
[6]郑蕴.对普通高校即兴伴奏教学的思考和建议[J].音乐时空，2014（15）.