在西方音乐史上,“浪漫时期”是指1790—1910年这一历史阶段,也就是19世纪前后的一百多年,贯穿了整个19世纪并延续到20世纪初。这一源起始是由于在18世纪后半叶,欧洲文学艺术出现了一种被称为“浪漫主义”的新风格潮流,而这种崇尚个人思想情感和艺术感受表达的“浪漫主义”思潮也很快地影响了音乐艺术,成为了支配和指导大多数作曲家的创作的主导潮流。诞生于18世纪初的钢琴,在初期,不完善的钢琴并不被键盘演奏家和作曲家所关注,那时的羽管键琴(Harpsichord)和楔槌键琴(Clavichord)才是人们追捧的主流键盘乐器(Clavier)。随着社会发展,到了18时期后半叶,羽管键琴和楔槌键琴已经难以满足人们的演奏和审美需求,而这时,经过不断改进的钢琴,由于它强大的表现力逐渐吸引了世人们的注意,在18世纪即将结束的时候,取代了羽管键琴和楔槌键琴的地位,成为了主流的键盘乐器。19世纪的钢琴相比于其他乐器更加全面的特性,使钢琴的社会地位快速上升,人们越来越热衷于学习钢琴,社会上对钢琴人才的需求与日俱增；与此同时,钢琴独奏音乐会大量兴起、大批钢琴演奏家出现在公众的视野,最具客观表现力的“技术”这一因素决定了一个钢琴家的成功与否,越是演奏技术高超的钢琴家就越受到人们的追捧。钢琴音乐在浪漫时期进入了它的发展高峰,钢琴演奏技法也在突飞猛进的发展,钢琴演奏进入了魔鬼般飞炫的“炫技”时代。钢琴演奏技法的演进并不单纯的体现在技法本身难度的加大或者是演奏方式的增加,它还和以下几个方面有着密切的关联：首先是钢琴这件乐器自身的发展与完善。钢琴的演奏技法是在钢琴上体现的,没有钢琴这件乐器,就不会有钢琴演奏技法的存在,钢琴的发展与完善也促进着演奏技法的创新与完美表达。其次是丰富的钢琴音乐作品创作。浪漫时期的作曲家受文学、绘画、戏剧等姊妹艺术的熏陶影响,在钢琴作品的创作中大量出现了标题性作品和与文学相关的作品体裁,例如小品套曲、无词歌、叙事曲等。而作曲家为了更完美地表达作品内容,抒发个人内心的情感寄托,在不断地探索合适的演奏方式同时也将已有的演奏技巧延伸赋予不同的音乐语言。这些都无疑促使了钢琴演奏技法的演进。最后是技能训练方式和教学体系。钢琴演奏技法是要通过教学和训练得以传承的,钢琴演奏技法的变化体现在技能训练方式和教学意识中,而正确的、符合自然规律的技能训练方式和教学意识也会促进演奏技法的快速提高,这两者之间有着相辅相成的密切联系。由此可以看出：钢琴演奏技法的演进不是单独进行的,也不单单只是技法难度和演奏方式的增加,它的演进伴随着钢琴这件乐器自身的完善、钢琴音乐作品创作的发展、钢琴技术训练方式及教学体系的确立发展演变的。其中,乐器是技法存在的根本、作品是技法呈现的载体、教学是技法传递的重要方式,这三者和技法之间相互影响、不断促进向前发展。因此,本文正是基于这样的一个观点,以史料典籍、作曲文献等资料为基础,试图从以上这些重要因素出发,通过梳理与分析,抓住重点,整理并挖掘出较为清晰的浪漫时期钢琴演奏技法演进的变化脉络,找出其中相互影响的因素,希望对于教学和演奏实践有一些启发和帮助。