本雅明在他的《机械复制时代的艺术品》一书中明确提出了艺术品的机械复制概念。他认为摄影艺术和电影是机械复制时代最典型的艺术品，机械复制方式的艺术品凭借着精确度方面的绝对优势，使观众的肉眼只能跟在后面跑，而手工绘画作品在这方面是无法与之抗衡的。机械复制方式的艺术品以其批量的、无差别的、商品化的特征构成了对传统艺术的冲击。这种机械复制的、可以批量生产的艺术品不仅改变了观众的看的方式，也改变了我们对视觉图像的价值判断。版画既是一种原创艺术，也是一种图像复制艺术，并且在版画的历史发展过程中，经历了手工制版到摄影感光制版的技术变化，如果以制版方式的不同来区别版画的话，版画可以分为传统的手工方式和摄影感光方式。传统的版画的“版”是手工制作的，其图像的形成离不开艺术家或制版技师的手工技能，我们可以称之为手工技能方式，手工方式制作和印刷版画是有数量限制的。而摄影感光制版是通过照相机记录形象，其造型不依赖人的手工技能，直接由机器完成。按照本雅明的观点，这是一种机械复制方式，机械复制是可以量产的，并保留其产品的一致性。当代一些艺术家利用电脑的数字化技术进行图像的制作，可以更加方便快捷地对图像进行制作、处理、复制和传播，已经超越了机械阶段，进入了数字阶段，但本质上说数字方式也无须用传统的手工技能方式绘制图像，都可以对图像批量复制，与机械复制有着相同的性质，也可以称之为机械复制方式。机械复制方式与手工技能方式是版画制作的两种基本方式，版画是十九世纪下半叶至二十世纪初进入到机械复制时代的，利用摄影感光技术，版画可以很方便很快捷的复制图像。印刷业取得了长足的进步，但因此也造成大批的刻版技师失业，并威胁到艺术家的饭碗，这促使版画向另一方向发展。1860年，以勃拉克芒为首的一批艺术家认为，应从本质上让观众了解创作版画与复制版画的差异。一场维护版画艺术尊严、提高版画艺术地位的版画原作运动由此展开。勃拉克芒与版画技师德拉特、画商卡达特一道又开展了“铜版画复兴运动”。他们首先成立了一个与其他画种并列的“蚀刻版画家协会”。1862年起他们每月出版一本版画原作画册，并在发刊词上明确的指出：“当前照相和机器复印正在欺骗公众。艺术必须有‘原创性’和‘绘画性’，而这里的每一幅都是版画原作。”
　　从现有的版画史料看，这一段版画的历史正是表现主义、抽象主义在版画上大显身手的时候。毕加索、米罗、蒙克，宛如璀璨群星。而照相感光版画则在这段时间十分冷寂，从1845年英国人利用照相方法制成铜锌版，到沃霍尔、劳森伯格的照相感光版画，有100多年的历史，在如此长的时间里这种表现方法没有在版画史上留下重要作品，实在是一个值得注意的现象。每一个历史阶段，人们对艺术品的价值判断都有时代的深刻烙印，贡布里希在他的《秩序感》中就谈到这个问题，他写到：“我们已经看到，这种对仿制品的嫌恶是有其根源的。工业革命时期，机器仿制贵重手工艺品，威胁着先前已确立的手工艺品，甚至仿制昂贵材料的能力威胁着先前已确立的手工艺品的传统等级观念。”贡布里希触及了问题的核心——手工的、不可复制的工艺品或艺术品是显示占有者等级的最好标签之一，可以大量的、廉价生产的机器仿制品是无法显示主人的财富及艺术品味的，个性的、无可替代的、充满个人技能与视觉审美特性的艺术作品相比那些可以大量复制的、方便制作的艺术品更加能满足人的占有欲望。
　　在版画制作中，传统的手工技能方式制版，由于手的力度、对形的控制的差别，即使是同一个人也很难刻制出两块相同的版。传统手工技能方式制作版画需要学习和练习很多技能，有些技能是很难掌握的，尤其是那些需要刻画真实细节、微妙过渡的画面。在手工制版过程中，艺术家自身的个人痕迹都可以明显的显示出来，这就体现了艺术品的唯一性和不可多得性。例如同样是用线，丢勒的线和伦勃朗线就明显的不同，在几百年的发展过程当中，手工方式的版画形成了独特的韵味，既可以精确的传达形象，也可以获得偶然效果，而版画的印痕肌理甚至可以脱离形象成为审美的对象。有人评论版画是“用以获得触觉快感的东西”，尤其是铜版画。这种手工方式所显现的无可替代的个性特征，这种对技艺的高度依赖，从某种程度上说这正是版画价值的体现，也是版画脱离印刷复制功能，上升为纯艺术品的原因所在。
　　应用摄影方式的感光腐蚀版画属于机械复制方式。技术的进步使得对人的技能的依赖程度降低。摄影术在获得专利后，宣传达盖尔摄影术的人是这样宣传的——只要使用‘达盖尔摄影术’以后，人们根本不用再费苦心去学绘画，随便一个不会画画的人，都可以完成一幅很优美的绘画。宣传虽然夸张，但摄影确实比绘画制造形象更便利，不需要长时间去训练技巧。版画应用摄影手段进行感光制版，是通过照相镜头摄入，然后经过照相感光制版，因此图形的完成过程中个人的手工特点的痕迹很难显现出来，摄影感光版画的最大特点是可以精确地再现形象的细节，甚至这些细节是人眼在观察时所没有注意到的，在这方面它具有摄影的特点。它还可以如蒙太奇般组合图像，对图像的应用比手工方式有更大的自由。但这种对细节的表现能力如同摄影一样不会让人惊叹，因为“随便一个不会画画的人，都可以完成一幅很优美的绘画。”再加上现代出版印刷行业广泛使用感光照相技术，大量复制的特性很容易使人对它的价值产生怀疑。
　　本雅明在他的《机械复制时代的艺术品》中分析电影与摄影艺术，引入“膜拜价值”(Kultwert)和“展示价值”(Ausstellungwert)的概念，他认为原始艺术主要具有“膜拜价值”，膜拜价值要求人们藏匿艺术品，只有极少数有特权的人能将它藏匿，而“随着单个艺术活动从膜拜这个母腹中的解放，其产品便增添了展示机会。”由于对艺术品进行技术复制的方法是多样的，这便使艺术品的可展示性得到了无比的增长。现代社会的摄影、电影是机械复制技术下的艺术品，是可以修正的，特别是电影，剪辑师的工作就是修正。所以，本雅明认为，电影这种机械复制方式的艺术品与永恒价值无关。但是电影、摄影具有展示价值，而且越是能够大规模复制的艺术，其展示价值越大。
　　本雅明的观点有值得推敲的地方，按照他的观点，不能修正的、不能批量生产的艺术品就被要求要有永恒性，而能够进行修正的、量产的艺术品与永恒价值无关，在这里本雅明可能是为了强调他的展示价值与永恒价值的对立。本雅明所论述的古希腊艺术品确实具有永恒性和永恒价值，就其制作方式来说这些古希腊艺术品尤其是雕塑确实是不能修正和批量生产的，而对于现代社会，公众接触的艺术品存在的时间变得越来越短，很多东西 只是为了短时间愉悦观众，就其永恒性和艺术价值来说确实不值一提。不过不能因此证明所有能够批量生产和可以修正的艺术品都不具有永恒性，而反过来也不能说不能批量生产的不能修正的艺术品都具有永恒性。但他提出的展示价值的概念却是非常有意义，尤其对于现代社会的机械复制生产方式。随着社会的发展，图像的展示价值被要求不断放大，现代数码影像的制作可以更加方便地进行修改和复制，网络连接极大地满足了展示价值放大的愿望。本雅明敏锐地把握住了时代变化导致艺术品发展方向的变化，从艺术制造技术的角度剖析了古典艺术与现代艺术的区别，并预见机械复制导致大众文化的产生。后来的艺术史证明了本雅明的预言，POP艺术家就是利用机械复制的手段创造了新的大众艺术。
　　从20世纪后半段开始，人类社会早已跨越工业革命时代，进入了图像空前繁荣的时期。电视、电影、无孔不入的广告、电脑网络，我们没办法逃离现代工业社会生产出来的各种图像，在这样的社会环境中，对照片图像的应用成了当代艺术的最明显特征和潮流。“在这种潮流中，越来越多的人开始意识到摄影并不像以往人们所理解的那样简单和机械，相反，摄影所具有的多重美学性质使得它可以为艺术家提供创作上的自由。一方面，摄影在获得图像的快捷确实可以为艺术家提供很多自由，而且，它的机械特性使得它显得相对比较客观。因而摄影既可以提供证据，记录视觉文献，也可以满足情感方面记忆的需要，甚至成为一种批判现实的力量。另一方面，摄影所呈现的现实又不完全与我们对于现实的经验一致。艺术家可以借助镜头的取景范围、切入角度以及光线的变化等因素使这些影像单元呈现出一种完全不同的面貌，这些形象可以引导人们去观看那些在日常生活中被忽略的细节，诱发人们的独特心理体验，并由此影响人们对于现实的看法。”实际上，机械复制方式的出现早就让一些艺术家兴奋起来，20世纪初的未来主义就是对机械文明抱有歌颂态度的一个流派，还有一些艺术团体、流派也加入到利用摄影照片的行列，但是他们的作品就制作方式来说大多与机械复制无关，基本都是手工方式的艺术特征，没有利用机械复制方式歌颂机械文明，而且没有把公众的目光吸引到摄影图像的应用上来。
　　在这种潮流中POP艺术无疑充当了急先锋，他们对现代社会产生的大量照片图像抱有极大的兴趣，并最大限度地利用这个资源。他们的关键词就是“复制”，利用复制技术复制现代社会人们熟悉的一切，并引发人们思考机械复制时代“复制”的多种含义。尽管他们使用过多种媒介，版画却是他们最得心应手的工具，因为版画的存在方式就是复制。
　　早在1917年杜尚就提出：“观念比通过观念制造出来的东西要有意思的多。”也就是说他认为艺术家应该重视创作一件作品时的意图而不仅仅是表面的语言形式，同时，为了传达艺术家的意图，他可以不必依赖手工创造的方式，而是将“各种已经存在的东西纳入到自己的语汇中来。”
　　杜尚的论点逐渐为艺术界接受，通过一些艺术家的努力，利用观念作为创作目标的照相感光版画终于在现代艺术潮流中占有一席之地。艺术家们不再把自己的创作目标定位在传达印痕语言的审美特性上，而是越来越强调版画在表达艺术家思想时所发挥的视觉寓言功能。观念的介入成了版画应用照片图像最好的借口，这样版画摆脱了单纯追求造型审美和纯粹版痕的束缚，丰富了当代艺术的类型。沃霍尔认为，在现代生活中，人和机器是具有同一属性的，人们的生活方式只不过是复制各种东西而已，甚至艺术家也是如此。对于POP艺术家而言，他就是要解释出这个世界的复制性，他用复制的方法来解释这个不断重复的世界。配合时代的变化，从20世纪60年代后，越来越多的艺术家尝试机械复制方式来创作版画。