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《财富堂》：我发现您的作品在色彩运用上，艳丽之中有孤寂。请问怎样在彩色摄影中捕捉色彩？
刘沙：我拍摄的作品很多，展示出来的只是几万张作品中的很小一部分，你这样的感觉也许是一种巧合。你看到的作品，许多空镜头，白云正好在天际。其实，为捕捉这样的镜头而没有成功的例子，比比皆是。
我有一次在法国拍摄黄昏时的葡萄园，有一棵树，一部老爷车。这时，一个满头银发的老太太进入镜头，正好是逆光。我按快门，可惜按不动——相机刚好没电了！于是我连忙换电池，再接着拍。可惜这时候老太太已经走远了，所以只拍了一张空镜头。虽说效果也不错，展出后反响挺好的，观众并不知道电池没电了，拍摄期间有那么美丽的一个老太太出现在镜头前，可我自己知道，有过那么一个没能捕捉到的画面。
我在匈牙利期间，拍摄了一个200年前的教堂。我噼里啪啦在那儿一阵猛拍，拍完收拾设备准备走人的时候，突然发现一位穿着黑袍的牧师的剪影。我只要再晚收工两分钟，就能将这个镜头拍摄进去。你说可惜吗？摄影，真的有太多的遗憾。
至于色彩的运用，我确实有固有的追求，比如在用富士反转片拍摄时期，有意识地曝光不足一档左右，造成影调色彩浓烈。比如我拍摄外滩的钟楼，大家知道很多摄影师喜欢中间色调，避免阴影而追求阳光，我则只关注钟楼本身，使用了大块的阴影。也有人说，这样的拍摄手法，无法表现细节，我却喜欢这样的局部不去表现细节，我喜欢这样的反差浓烈。也有小姑娘请我拍人像。我知道大多数人喜欢大平光的色彩，可我不喜欢，我喜欢侧光，即使在东欧拍摄美女，也用强硬的侧光。
《财富堂》：本次影展中，许多作品或者拍摄自北欧，或者来自高海拔地区，是否您更喜欢去那些地方拍摄，以使得作品展现出更硬朗的影调？
刘沙：这不是刻意的选择。这是本次影展和《摄界》这本摄影集的特色。反差大、高纬度、浓烈的，是从我内心里发散出的编辑理念。就作品选择来说，不是每个拍摄过的国家都选进去。
《财富堂》：您的《摄界》书里，夹着一张小条，标注了您作品的价格和联系方式。请能介绍一下您本人的作品商品化的过程吗？
刘沙：我的作品，会根据客户的需求，用银盐相纸放大印制，并且装裱好。一般来说，我的照片，每张底片或者电子文档，会制作五张照片，一般不可能加印。
作为摄影师，不会去砸自己的牌子刻意多印，国外的摄影师亦是如此。在国外，作品的价格原则上与照片本身的大小无关，而照片本身的限量问题，却很值得注意。我有专门制作照片的地方，以保证照片质量。老实说，关于照片的限量，得凭良心来。
摄界在镜外
在上海，圈内人都知道，刘沙拥有多重身份，作家、广播人、摄影师、葡萄酒专家、都市时尚旅游文化人……
可按照刘沙自己的说法：“我更愿意做一个城市边沿人。” 1980年代，刘沙有六七个年头过着飘洋过海的海员生活，陆地仿佛遥远的梦，偶然看见，总在别离。如果不是读了香港“极地女子”李乐诗早年出版的旅游杂志《海上旅游》，也许他还会云游四方很多年。之后，1992年上海东方电台成立，一个偶然机会刘沙到电台兼职，后来电台的王牌节目“蔚兰夜话”需要策划编辑，同年10月刘沙正式加盟其中，担任各类话题的策划人和采访记者。
与摄影科班出身如今仍在科班的原直久不同，刘沙的本职从未在摄影界。多年来，刘沙用镜头和文字聚集了中国和世界各地人类的文化和历史，迄今为止已拍摄写作了18本作品。
在刘沙的《摄界》摄影展开幕式上，提供了别致的小瓶装意大利起泡酒。这不禁让人想起1999年，刘沙拍摄并出版了中国大陆最早的聚焦酒吧文化的画册《串吧》。2000年，刘沙又在我国台湾地区出版了《上海酒吧》一书。之后他沿着几代法国酒农的足迹，在阿尔萨斯绵延千年的寻酒之路上寻觅，“酿”出了《法国葡萄酒》、《法国酒庄》、《法国酒标》等作品，可谓拍遍欧洲酒文化。
然而，刘沙近年的作品，从充满醉意的法兰西，转到了纬度更高的北欧。《巴拉顿湖的幻想年代》、《瑞典人》、《斯莫兰的岁月》、《在拉普兰的苍穹下》、《你也可以，在海边的樱花树下喝咖啡》。
回顾刘沙的创作历程，他告诉记者：“很多年前，在西藏，那是一个冬日的午后，我一个人走在定日崎岖的山路上。这是海拔5000米的喜马拉雅，满天飞雪中飘着的经幡，指引着我艰难前行。伴随我蹒跚步履的，除了迷漫的风沙和雪花，还有咔嚓咔嚓的照相机快门声……这是我第一次真正意义上开始用镜头跟这个世界对话。”
然后，从北极圈苍茫的冰原，到法国，到波兰，到捷克，到美国，到智利……
可刘沙跟记者说：“本次摄影展，并不循着这样的足迹进行图片编排。以前我举办摄影展都是有一个特定主题的，比如聚焦法国的葡萄酒庄、瑞典的壮丽风景等，有一次我的好友戴大年和我说，你可以把这么多年来游历各国的旅途中，用相机记录下来的独特风景和人文故事，筛选出来做一个展览。于是，他就成为了我这次展览的策展人，还有同名画册的策划人。这次展览中的摄影作品更具有我的个人视角和人文关怀。”记者看到，每一张照片，统一标注拍摄时间、地点，其他就只靠图片本身说话。比如在一幅2005年拍摄的瑞典哥德堡作品边上，就可以放一幅2006年美国夏威夷拍摄的作品。
虽说是色彩饱满的彩色照片，可由于光线大多是硬光和斜射，造成画面有较多纯黑的阴影，一种彩色的幽艳效果。
纵观刘沙于外滩22号展示的80幅摄影作品，大多还是使用135相机拍摄。从当年的前数码时代的富士反转片开始，刘沙的作品就追求艳丽的色彩。但他主要仍在前期拍摄时控制色彩，而不是在后期进行暗房或者电脑软件加工。这样的摄影技巧，形成了刘沙独特的风格。即使在《新民晚报》的“夜光杯”副刊刊登的作品，也不会由于报纸的纸张质量，而丧失太多色彩特色。
刘沙固然是使用了许多摄影技巧，可他的作品和学院派毕竟不同，从感觉上来说，更像是摄影作品中的一种“文人画”，讲究用外在的镜头，进行内心的表达。可以说，镜界在镜外。
据记者了解，刘沙的作品虽然颇有独特的个人创作痕迹，却在市场上有着不错的表现力。一幅尺寸在80×55厘米或者100×75厘米的作品，售价大约已经达到5000到8000元人民币，并且所有的作品都是有限的银盐放大照片，有刘沙的亲笔签名。
刘沙：我拍摄的作品很多，展示出来的只是几万张作品中的很小一部分，你这样的感觉也许是一种巧合。你看到的作品，许多空镜头，白云正好在天际。其实，为捕捉这样的镜头而没有成功的例子，比比皆是。
我有一次在法国拍摄黄昏时的葡萄园，有一棵树，一部老爷车。这时，一个满头银发的老太太进入镜头，正好是逆光。我按快门，可惜按不动——相机刚好没电了！于是我连忙换电池，再接着拍。可惜这时候老太太已经走远了，所以只拍了一张空镜头。虽说效果也不错，展出后反响挺好的，观众并不知道电池没电了，拍摄期间有那么美丽的一个老太太出现在镜头前，可我自己知道，有过那么一个没能捕捉到的画面。
我在匈牙利期间，拍摄了一个200年前的教堂。我噼里啪啦在那儿一阵猛拍，拍完收拾设备准备走人的时候，突然发现一位穿着黑袍的牧师的剪影。我只要再晚收工两分钟，就能将这个镜头拍摄进去。你说可惜吗？摄影，真的有太多的遗憾。
至于色彩的运用，我确实有固有的追求，比如在用富士反转片拍摄时期，有意识地曝光不足一档左右，造成影调色彩浓烈。比如我拍摄外滩的钟楼，大家知道很多摄影师喜欢中间色调，避免阴影而追求阳光，我则只关注钟楼本身，使用了大块的阴影。也有人说，这样的拍摄手法，无法表现细节，我却喜欢这样的局部不去表现细节，我喜欢这样的反差浓烈。也有小姑娘请我拍人像。我知道大多数人喜欢大平光的色彩，可我不喜欢，我喜欢侧光，即使在东欧拍摄美女，也用强硬的侧光。
《财富堂》：本次影展中，许多作品或者拍摄自北欧，或者来自高海拔地区，是否您更喜欢去那些地方拍摄，以使得作品展现出更硬朗的影调？
刘沙：这不是刻意的选择。这是本次影展和《摄界》这本摄影集的特色。反差大、高纬度、浓烈的，是从我内心里发散出的编辑理念。就作品选择来说，不是每个拍摄过的国家都选进去。
《财富堂》：您的《摄界》书里，夹着一张小条，标注了您作品的价格和联系方式。请能介绍一下您本人的作品商品化的过程吗？
刘沙：我的作品，会根据客户的需求，用银盐相纸放大印制，并且装裱好。一般来说，我的照片，每张底片或者电子文档，会制作五张照片，一般不可能加印。
作为摄影师，不会去砸自己的牌子刻意多印，国外的摄影师亦是如此。在国外，作品的价格原则上与照片本身的大小无关，而照片本身的限量问题，却很值得注意。我有专门制作照片的地方，以保证照片质量。老实说，关于照片的限量，得凭良心来。
摄界在镜外
在上海，圈内人都知道，刘沙拥有多重身份，作家、广播人、摄影师、葡萄酒专家、都市时尚旅游文化人……
可按照刘沙自己的说法：“我更愿意做一个城市边沿人。” 1980年代，刘沙有六七个年头过着飘洋过海的海员生活，陆地仿佛遥远的梦，偶然看见，总在别离。如果不是读了香港“极地女子”李乐诗早年出版的旅游杂志《海上旅游》，也许他还会云游四方很多年。之后，1992年上海东方电台成立，一个偶然机会刘沙到电台兼职，后来电台的王牌节目“蔚兰夜话”需要策划编辑，同年10月刘沙正式加盟其中，担任各类话题的策划人和采访记者。
与摄影科班出身如今仍在科班的原直久不同，刘沙的本职从未在摄影界。多年来，刘沙用镜头和文字聚集了中国和世界各地人类的文化和历史，迄今为止已拍摄写作了18本作品。
在刘沙的《摄界》摄影展开幕式上，提供了别致的小瓶装意大利起泡酒。这不禁让人想起1999年，刘沙拍摄并出版了中国大陆最早的聚焦酒吧文化的画册《串吧》。2000年，刘沙又在我国台湾地区出版了《上海酒吧》一书。之后他沿着几代法国酒农的足迹，在阿尔萨斯绵延千年的寻酒之路上寻觅，“酿”出了《法国葡萄酒》、《法国酒庄》、《法国酒标》等作品，可谓拍遍欧洲酒文化。
然而，刘沙近年的作品，从充满醉意的法兰西，转到了纬度更高的北欧。《巴拉顿湖的幻想年代》、《瑞典人》、《斯莫兰的岁月》、《在拉普兰的苍穹下》、《你也可以，在海边的樱花树下喝咖啡》。
回顾刘沙的创作历程，他告诉记者：“很多年前，在西藏，那是一个冬日的午后，我一个人走在定日崎岖的山路上。这是海拔5000米的喜马拉雅，满天飞雪中飘着的经幡，指引着我艰难前行。伴随我蹒跚步履的，除了迷漫的风沙和雪花，还有咔嚓咔嚓的照相机快门声……这是我第一次真正意义上开始用镜头跟这个世界对话。”
然后，从北极圈苍茫的冰原，到法国，到波兰，到捷克，到美国，到智利……
可刘沙跟记者说：“本次摄影展，并不循着这样的足迹进行图片编排。以前我举办摄影展都是有一个特定主题的，比如聚焦法国的葡萄酒庄、瑞典的壮丽风景等，有一次我的好友戴大年和我说，你可以把这么多年来游历各国的旅途中，用相机记录下来的独特风景和人文故事，筛选出来做一个展览。于是，他就成为了我这次展览的策展人，还有同名画册的策划人。这次展览中的摄影作品更具有我的个人视角和人文关怀。”记者看到，每一张照片，统一标注拍摄时间、地点，其他就只靠图片本身说话。比如在一幅2005年拍摄的瑞典哥德堡作品边上，就可以放一幅2006年美国夏威夷拍摄的作品。
虽说是色彩饱满的彩色照片，可由于光线大多是硬光和斜射，造成画面有较多纯黑的阴影，一种彩色的幽艳效果。
纵观刘沙于外滩22号展示的80幅摄影作品，大多还是使用135相机拍摄。从当年的前数码时代的富士反转片开始，刘沙的作品就追求艳丽的色彩。但他主要仍在前期拍摄时控制色彩，而不是在后期进行暗房或者电脑软件加工。这样的摄影技巧，形成了刘沙独特的风格。即使在《新民晚报》的“夜光杯”副刊刊登的作品，也不会由于报纸的纸张质量，而丧失太多色彩特色。
刘沙固然是使用了许多摄影技巧，可他的作品和学院派毕竟不同，从感觉上来说，更像是摄影作品中的一种“文人画”，讲究用外在的镜头，进行内心的表达。可以说，镜界在镜外。
据记者了解，刘沙的作品虽然颇有独特的个人创作痕迹，却在市场上有着不错的表现力。一幅尺寸在80×55厘米或者100×75厘米的作品，售价大约已经达到5000到8000元人民币，并且所有的作品都是有限的银盐放大照片，有刘沙的亲笔签名。