【摘要】本文就中国水彩目前的现状谈一些个人的看法，围绕中国水彩画的不足之处、中国水彩该如何发展展开剖析，提出一些个人的看法：明确指出中国水彩画家要提升水彩的品质，一是要“精于技”，不忘“游于艺”，二是要学会在“杂交”过程培育“优良品种”。最后，提升至寻求绘画艺术的共性，放下门派偏见练“真功夫”，让“艺术之花”常开。
　　【关键词】水彩画；绘画艺术；表现形式；生活感悟；人文情怀；艺术共性
　　一、国内水彩画的现状
　　（一）中国水彩画还是没有摆脱小画种的“帽子”
　　应该说到目前中国水彩画是在快速地进步的，但还是没有摆脱“小画种”的帽子，这一现象我们可以从各类美展和市场收藏拍卖数量、质量和价格中看得出来。各大拍卖行的书画拍卖图录，很少看到为水彩画单独开辟专场的，最多也就是在西画专场中放入几幅。水彩画在书画市场中的价格远没有达到油画和国画的水平。
　　（二）中国水彩画还贴有业余的“标签”
　　在我们中国，水彩画应该说具备有广泛的群众基础，学西画的人色彩入门材料几乎都是选用水彩或不透明水彩（水粉），再加上国人自古以来素有的水墨情节，好像水彩画具备了“天时地利人和”的条件，为什么到目前仍然没有相应的地位呢？笔者认为主要原因是水彩画家群体自身还不够强大，具备有专业高度的水彩画家群体人数不多；再者是长期以来人们的“偏见”，如“水彩画会发黄不好保存、收藏”“水彩画就是写生的短期作业，水彩不好深入画得不厚重”等，让水彩画永久贴上了业余的“标签”。其实发黄是阳光留给岁月的印迹，什么画种都摆脱不了，油画不但发黄还会龟裂。关键是看选用作画材料的质量和保存的条件，很多西方水彩画家的画两三百年过去了还非常新鲜，像刚画出来的一样，如透纳等画家。美国著名的画家怀斯，自称为水彩画家，影响了中国一代代画画的人，时至今日，其中很多是画油画的知名画家，没有人敢说他的画是“水彩画就是写生的短期作业”“水彩不好深入画得不厚重”。所以，画画得好不好不完全是画种决定的，更多的是由画家的能力决定的，正如黄增炎老师说的“没有低档的画种，只有低能的画家”。水彩画家们要想改变地位的话，首要的是加强自身能力，撕掉水彩画“业余”的标签自然水到渠成。
　　二、水彩画该如何发展
　　（一）既要“精于技”，又不忘“游于艺”
　　有人说：“国外认为水彩并不比油画差，甚至有些地方超过油画。水彩是叠加的，给人水色淋漓的感觉，而别的画种无法赋予像水彩那种美感。”平心而论，纵观中国水彩的现状，可以肯定的是中国水彩的水平是在快速进步的，但是仍然难以和油画、国画相提并论，水彩画也没必要打肿脸皮充胖子。在西画里，如果说把油画比喻是男人——强壮有力、厚实、占有一定的统治地位，那么水彩就是女人——秀丽柔美、清新透明、有其不可替代的作用；油画是乐器中的钢琴，雄浑有力、音域宽广，水彩就是乐器中的小提琴，婉转优美！水彩画保持自身优点显得格外珍贵。
　　目前国内水彩画家们更多的是在研究“精于技”的阶段，较少领悟“游于艺”。水彩画可以在保留自身特性的同时，形式上学习借鉴油画的色彩处理、国画的用笔等。画画比拼技法是其次，更多的是比拼生活感悟、诗情、哲理、思想。
　　（二）“杂交”过程培育“优良品种”
　　目前的水彩画主要是在作品的创作意识和表现上有较大的差距，也就是说创作思维和表现技法上有局限性，体现出的是过分表现“速写味”的作品。很多水彩画家过分强调水彩保留“水彩味”“不能画照片”等如此种种的“大道”，其实这是在固步自封，给自己套枷锁。看看当今油画界，有许多出色的画家就是在吸收国画元素，画人物的忻东旺、靳尚谊、杨飞云等，画风景的张冬峰、洪凌、雷波等；国画界的工笔画家张见、王冠军、罗寒蕾等画家也都借鉴应用西画的元素，倒没有人说他们的画不像油画或国画了。正是因为“杂交”吸取了其他的元素使得他们更加出色。作为一个画家在画画上不用太过“老实”，只要怎么画舒服，怎么画能表现自己的感受，就怎么样去画。水彩画要想有大发展，就必然要在油画、国画等画种中吸取“营养”，如何将东方的审美观、笔墨、气韵，加上西方的写实、色彩有效地完美结合是一代代国内画家努力的方向，水彩画恰恰是可以介于东、西这两个画种之间的“桥梁”。水彩画要想有大发展，就得先收起“小情调”。希望水彩画在中西“杂交”过程中产生出“优良品种”。水彩画家们还当厚德载物、自强不息。
　　三、寻求绘画艺术的共性
　　（一）放下门派偏见练“真功夫”
　　现今各个画种、各个门派的“泰斗”和“掌门人”多少都有一个共同担心的问题，担心自己的“门徒”学了其他画种的“功夫”而不像本画种了，或是担心本门派的弟子学了其他门派的“招式”而不像本派的风格了，只要关注绘画艺术的人都不难察觉到这一现象，应该说这是人性当中狭隘的阴暗面。
　　客观地说油画、水彩、国画、版画等画种在长期的发展过程当中，因中西文化的地域、材质等差异，相对形成自己的面貌。在我们的潜意识当中好像油画就必须要厚重写实，水彩就必须要清新透明，国画就必须要墨色写意等一些“清规戒律”，不能轻易破坏了“规矩”。
　　随着社会的快速发展，信息时代的便利，画家的眼界得到更大的开阔，很多“不太老实”的画家就会不满足原有的表现形式，想拓展、增强自己的“功力”，进而寻求突破。于是乎国画家会借鉴西画的色彩、光影等，油画家会借鉴传统国画的造型、笔墨等，各画种之间的界限越来越模糊，表现形式也越来越丰富。油画因其借鉴了国画有了明显的民族特色，国画因其借鉴了西画也增添了“色彩”，何乐不为。应该说国画、油画两派“掌门人”在这方面相对较为开化，胸怀和眼界较开阔，不太介意自己门下的“弟子”因其学了其他“门派”的“功夫”而“欺师灭祖”。相对而言水彩的“掌门人”门规显得多而严，把自己扣死在“三板斧”的小套路当中，“水彩必须保持水色淋漓”“水彩不能使用白色”（其实瑞典的水彩画家左恩、美国画家萨金特的水彩画很多都有用白色，白色用得好干脆、漂亮），“水彩得先画亮部再画暗部”等诸如此类的条条框框，吓得门下的弟子不敢越界，谁要是越界了都没好果子吃。笔者认为水彩画表面的特点是水色淋漓，深层次的优良品质是“透明”，透明也是很多杰出油画家作品的特点，如：波提切利、维米尔等。
　　（二）让“艺术之花”常开
　　绘画艺术本应该更多地寻求它的共性，而不是如何区分它的个性。什么画种也罢，在外行人看来都是“美术”，追求美、表现美的行业。艺术是大家庭，成员众多，五花八门，国画、油画、版画、水彩……其实都是其中一员，很多时候只是“性别”“年龄”“长相”“辈分”不同罢了，“大家庭”需要和睦相处。所以我们要有“大美术”的共识。我们同样都是以“真、善、美”作为最高宗旨，我们同样离不开“点线面、黑白灰、红黄蓝”作为基本元素，我们同样要用“情”作画方能打动观众，我们同样离不开“内容”和“形式”来表现画面，我们同样要追求“精于技、游于艺”，我们同样以“道法自然”为最高境界。
　　在当代，社会发展到人们可以买高价的门票去看演唱会、电影，但美术馆很多大师的画展免费了，却无人光顾。随着科技的发展，摄影摄像技术的加入，视觉艺术不再是架上绘画艺术一统天下，视觉艺术表现形式越来越多样化，绘画难免有让人觉得是画家自娱自乐之嫌，我们还有什么理由关起门来讨论“你画得像不像水彩”等无嘻之争呢？我们应该综合各家之长为我所用，以“无招胜有招”的方式，以最大限度表现绘画艺术的真实、精细、真挚、愉悦作为追求的高度，让现代快节奏生活的人们学会欣赏宁静的“慢”艺术，让绘画艺术之花常开，让绘画增添人们生活的色彩。
　　总之，“艺术来源于生活又高于生活”，好的画作能让我们的心灵得到满足，是枯燥的物质生活之余的精神享受。我们在看到好画作时候，内心有一种难以言表的心灵悸动，对于生活好像多了一丝感悟，对生命多了一些参透。对于画家来讲，平凡的画家只是在对生活客观的再现，出色的画家却是在参悟生命，融合所有可融合的艺术形式，却又富有鲜明的个人面貌，具备丰富而宽厚的学识，具备人文的情怀、佛的慧根、道的禅理，闪耀着人性的光辉，厚积薄发于画作之上。