21世纪以来，我们逐渐从宏观论述的宏观叙事的集体意识转向对日常经验的、个人生命的体悟的艺术表达。中国艺术家们的创作内容及情感逐渐由主流主宰的艺术形式转向以纸笔为媒介表达自己情感世界或者日常生活等内容的创作形式。每一个有意识的画家都在逐渐摸索一条符合自身艺术思想的创作道路。作为一个在校艺术类的研究生，我也在努力向各位优秀画家和大师们学习，同时在不断摸索一条能够表现自身意识的方法以及寻找某种符合内心世界的表达媒介。
　　相信每一个初学者对专业内涵的理解都是懵懂的，只是努力地虚心向老师学习，临习古人绘画的方法，阅读中西绘画发展史，缕清历史发展的脉经。我们作为新的一代未来的艺术家还是稚嫩的，创作意识还不够清晰，创作方法还不够成熟，还需时间的打磨和历练。在这些年的学习和创作中，我也深感时间阅历为我们创作中带来的各种益处。
　　在朱景玄《唐朝名画录》中：
　　“伏闻古人云，画者圣也。盖以穷天地之不至，显明之不照。挥纤毫之笔，则万类由心，展方寸之能，而千里在掌，至于移神定质，轻墨落素，有相因之以立，无形因之以生，其丽也西子不能掩其妍：其正也嫫母不能易其丑。故台阁标功臣之烈，宫殿彰贞节之名。妙将入神，灵则通译……此画录之所以作也。”
　　在《中国艺术精神》中作者认为这段话最大的意义是强调出绘画“实乃补天地之所不至不照”的创造性，而非凡是模仿自然。在古人的画录中都提出了这样的观点，并有很多画家按照自己的意识进行创作，而非机械地模仿自然。我们现代艺术家更需要体现出自己在创作中的能动性，不然艺术创作就没有任何意义和价值可言。
　　在2007～2009年期间，我的艺术偏向于一种探索，不断地探索。2009年开始由一种意识激入脑海，我应该画自己想画的、想要表达的，一直以来我都认为我应该好好练习基本功，不太敢有新的尝试，不知如何往下进行。直至最后一年我才真正意识到我真的该创作自己的东西了。那年我画了一批工笔荷花，单纯的只是为了想画而画，抛开了顾虑，之后又创作了了四五张工笔人物，每一张都需要很长时间的打磨，慢慢地我发现搞创作并不是一件难事，重要的是你是否愿意去做是否正在做。在离开学校的两年里我认为我自己进步很快，我把之前从老师那里学到的知识重新温习，用于创作。然后大量的翻阅画家们的各类作品，主动地吸收值得我学习和借鉴的地方，观展的时候不再是匆匆而过，而是在能吸引我作品前逗留、记录，回去再花时间分析学习。这是在艺术学习道路上的一个成长过程。
　　2011年进入研究生院我开始把技法研究放入到我的绘画创作中，经过1年的创作实验，我了解了自身擅长和不擅长的，努力在创作中扬长避短，发现新意。
　　一直以来我对插画都有着很深厚的感情，一方面从小它就伴我成长，另一方面我喜欢有故事内涵的作品。这么多的插画大师里，我比较欣赏捷克的插画大师阿尔丰斯·穆夏。使我近期的一些作品不管在形式上还是在色彩上，也受到了他的一定影响。
　　穆夏的创作经历几乎就是“新艺术运动”的一个缩影，他的创作涵盖了招贴画、油画、雕塑、书籍插图、建筑设计、室内装饰、首饰设计、彩色玻璃窗画等许多艺术领域。而其中他那些被称为“穆夏风格”的招贴画展现了成熟的追求、极端唯美的新艺术曲线装饰风格，几乎成为新艺术招贴画的同义词。穆夏的作品对后世的商业绘画有着极大的影响并曾经在二十世纪六七十年代重新掀起一股热潮。看过穆夏的作品，你就会明白解放前流行于上海滩的美女月份牌和日本漫画中甜美的女性形象是从什么源头而来的了。
　　穆夏的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画、拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果，以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。使作品具有很强的形式感，运用柔和而有力的线条和温暖贵气的色调把人物、自然、人造物三者很好的结合，在冷暖色调对比上能尽量做到恰到好处。他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线和明快的水彩效果创造了“穆夏风格”。经过他的加工，所有的女性形象都显得甜美优雅，富有青春的活力，有时还有一头飘逸柔美的秀发。他的画面常常由青春美貌的女性和富有装饰性的曲线流畅的花草组成。
　　在我的绘画中借鉴了他的一些形式感的东西，在画面结构“稳”的状态下尽量在色彩上寻求新意。抛开具象的写实，运用人物简化的方式寻找画面中的曲线美；主观的在内容上赋予每一张画一个故事，使画面具有情节性。人物的肤质表达也运用西方的光影效果。把西方绘画的光影和插画插图的构图和形式感结合，再运用中国画的一些表达和技法来描绘想象出的内容。我认为这种结合让我在创作中自由了许多，也颇有收获。同时也越来越坚持自身的观点，艺术创作必须个人化，这样艺术作品的表现才会更加生动和真诚。
　　一些青年艺术家提出《中国新人类·卡通一代宣言》：“我们有机会和条件去追求我们的想法及理想的生活方式，是你们上辈老人家所羡慕的吧！”“传统不再是教育的文本，而是我们手中软件游戏的一个角色”……一连串惊世骇俗的口号，反映流行文化趣味在艺术上的蔓延。作为接受传统学院教育的我来说，不完全赞同这样的说法，但是在这一系列宣言中也同样会有可取之处，那就是“我们作为新青年我们应该追求我们的想法以及理想的生活方式”。相信这也是我们的前辈们所努力追求的。
　　这样的优势环境是时代赋予我们的，这样的时代需要我们不断创新表现真实的自我。在这几年的各类画展中我们也都能清晰地读出，人们都需要新的视觉冲击，希望看到作品中不同于他人的面貌。传统，我们当然不会抛弃传统，相反的，我们是在继承，继承前辈的优越的部分，然后融合，融合在我们无法用言语描述的情感中经历中，还有我们的绘画作品中。
　　由倪贻德执笔的《决澜社宣言》提出了挑战性的艺术主张：“我们厌恶一切旧的形式，旧的色彩……我们要用新的技法来表现新时代的精神……一二十世纪以来，欧洲的艺坛实现新兴的气象，野兽群的叫喊，立体派的变形，Dadmsm的猛烈，超现实主义的憧憬……20世纪的中国艺坛也应当显出一种新兴的气象了。让我们起来！用狂飙一般的激情，铁一般的理智，来创造我们的色、线、形交错的世界吧！”。 　　这是一个高速发展的信息社会，我们在创作的过程中不断地汲取着各个方面带来的养分， 西洋画从传入中国到被中国文化界所接受，经历了上百年时间，现在我们可以非常容易地接受。传统有他的益处，但不能顽固不化，我们的思想应当追随时代，时代需要我们表达自我，时代在各个方面都给予了我们很多自由。
　　在我的创作道路上得到了很多人的指点，受到了很多作品的影响，深知自身的艺术还不成熟，仍处于摸索阶段，但是在学习和吸收中，艺术还是应该回归到自身的喜好和观念上，去创作发自内心想要表达的东西。聂振斌在他的著作中表述过：“任何一门艺术，无论是静的还是动的，是造型的还是语言的，是时间的还是空间的，都毫无例外的必须有人的情感活动于其中，如同人体的血液循环一样。艺术中的情感，不同于人的自然情感，不是任意的，也不同于来自内在或外在强制下的情感，不是机械的，而是经过审美的调节之后的高压情感。”
　　我们中国人历来的文化都具有很强的圆融性，在佛教的引入在西画风格的不断融入，以及改革开放后我们不断向西方学习的过程中传承传统和吐故纳新。新文化与我们的传统思想并存，激发着我们的想象力和创造力，让我们去探索新形势新、技法，融入到我们的作品中，成为我们自己，代表我们自己。让观者产生新意，给观者新的视觉体验，赐予我们的作品以生命。
　　中国的文化精神是“饮吸无穷，无穷与自我之中”，于有限中见无限，与无限中回归有限，中国现代的艺术家们应该坚持自身的艺术观点，坚持自我的独特性。倾心注目于色彩流韵的真景，创造浓丽清新的的色彩世界，在现实生活的体验中表达时代精神，予新意，予真情。
　　参考文献：
　　[1]徐复观.中国艺术精神[M].北京：商务印书馆，2012，12.
　　[2]聂振斌.中国艺术精神的现代转化[M].北京：北京大学出版社，2013，1.
　　[3]宗白华.美学散步[M].上海：上海人民出版社，1981，6.
　　[4]决澜社宣言[M].百度百科.
　　[5]朱景玄.唐朝名画录[M].成都：四川美术出版社，1985.
　　[6]王菊生. 中国绘画学概论[M].长沙：湖南美术出版社，1998，6.
　　[7]陈辅国编.阿尔丰斯·穆夏全球美术家观点系列[M].长春：吉林美术出版社，2007.
　　作者简介：
　　刘欣，中央民族大学11级艺术硕士。