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吕克·贝松执导的《超体》，将科幻、科技、物理、数学、哲学都杂糅在一起，准确地诠释着这个时代的特点。看过之后才明白，影片最后将问题指向人类的最终问题，不禁让人想起牛顿和爱因斯坦对世界的思考：“物理的尽头是数学，数学的尽头是哲学，哲学的尽头是神学。”似乎窥见了人类的边界，再加上露西最后那句话：“我，无处不在。”意味深长，就像这一切也无声无息地影响了艺术。
多元的当代艺术发展至今，很难总结出某一种趋势，而如果非要寻找到一种当下的流行，那就是科学技术对艺术的介入，似乎持续形成一种讨论的热点。科学里所包含的天文、物理、生命生物、医药、电子、机械、建筑这些知识体系，早已无所不在的充斥在艺术领域。就像我们经常在展览里看到的VR、交互、虚拟、人工智能、混合现实、生物基因……跨媒体与跨学科的呈现，技术与伦理的探讨，艺术的边界又一次被成功突破。
爆发式的科技运用
1995年、1996年，吴冠中为李政道所主持的科学会议分别创作了名为《对称乎，未必，且看柳与影》和《流光》两幅主题画。从那时起，一位闻名海内外的老画家，和一位诺贝尔获得者的物理學家，开始联手倡导艺术与科学的结合。
他们相识于晚年，却演绎了很多次艺术与科学交融的著名握手。二人共同完成过两件雕塑作品，李政道的《物之道》和吴冠中的《生之欲》，它们曾左右对称摆放在中国美术馆展馆大门口，科学因艺术情感的介入更富有创造性，艺术因汲取科学智慧而焕发新意。那是2001年的第一届艺术与科学国际作品展，清华美术学院院长鲁晓波在回忆那次展览时这样说：“很长时间在美术馆都没有那样的盛况，当时国家领导人非常关注，我记得总书记带队，5位政治局常委都参观了展览。”沿着两位先生的步伐，艺术与科学后来就成为了清华大学美术学院锁定的两大领域。
虽然有这样的倡导，但是吴冠中在自己生前的创作中并没有太多涉及科学与技术的成分，他在生前这样说过：“我这把年龄再去学科学，太迟啦！但是，让更年轻的一代艺术工作者及早补上这一课，他们的起点和进步，就会比我们高得多、快得多。”
如果吴先生能够知道今天艺术的现状，会很欣慰。十几年过去了，科学与艺术的结合，尤其是当代艺术里的科技成分，突然在今天进入爆发式的运用。两位先生倡导的观点，也从来没有像今天这样受到如此广泛的追捧。鲁晓波说：“目前全球有很多热点，而科学与艺术的融合正是热点中的热点。”
就拿最近我们能够看到的大型综合艺术展为例，9月10日，“对话达·芬奇/第四届艺术与科学国际作品展”在新落成的清华大学艺术博物馆开幕，其中展出的当代艺术家部分均与科学技术、物理、数学息息相关。
“对话达芬奇”展览中的最后一件作品，是日本艺术家池田亮司的《普朗克宇宙》，占据了几十平方米展厅的一件录像作品，镜头炫酷，充满未来感和科技感。
池田亮司是艺术界与科学家合作的代表，他在与欧洲原子研究组织（CERN）的科学家们的合作中受到启发，创作了这件作品。池田亮司的这件录像作品《普朗克宇宙》基于量子物理和宇宙天文学的原理，在超对称性理论指导下，以多媒体可视化的方式，呈现量子物理理论中不同的尺度和维度下的宇宙。他使用超大尺度投影艺术将建筑空间与声音环境构建成一个完全的沉浸环境，将观众带入普朗克长度视角，探索人们对于自然世界中极度微小和极度宏大的感知潜能。需要解释的是，普朗克是德国的物理学家，因发现能量量子而对物理学的进展作出了重要贡献，并在1918年获得诺贝尔物理学奖，而由他得名的“普朗克长度”是如今有意义的最小可测量长度。
多年来，池田亮司的声音艺术作品都从数学、物理的理性逻辑出发，用数学原理转化成声音艺术，他通过对频率、振幅、相位的解析，将自己的声音艺术延伸为图形艺术以及装置艺术。不少青年艺术家慕名达·芬奇的真迹前往清华大学艺术博物馆参观，他们纷纷在参观展览时录下了这件作品发朋友圈，无论对于池田亮司的作品是否真的了解，却也代表了当下艺术家对于这类艺术作品的关注和对于科技的兴趣。
同样是这个展览中，一件由清华美院信息艺术设计系与生物、生物工程技术的专家合作完成的交互艺术装置作品《鉎命》同样具有浓郁的科学意味。这是一件研究液态金属的作品，利用液态金属的奇妙性质，结合互动技术，呈现出一种“具有生命感”的新形态，在展出作品中，生活在装置里的液态金属像软体动物一样仿佛真的具又生命与自主意识，在与参与者互动时会表现出害羞、好奇、乖巧和淘气等不同性格。“引发参与者对于究竟什么是生命的思考。”创作者这样介绍。
媒体艺术双年展里的“科学”板块
当极具专业性的物理、数学、生物等科学因素介入艺术之后，同时带来的还有一轮又一轮的学术讨论，不断追问的同时也将艺术的边界再扩宽一点。在艺术与科学展览开幕半个月之后，由中央美术学院主办的北京媒体艺术双年展集中探讨“技术伦理”和“实验空间”。？“我们力求站在全球科技艺术发展的前沿并着眼于媒体艺术在中国的普及和传播。”中央美术学院院长范迪安说。
与池田亮司在展览中所获得的关注相呼应，在北京媒体艺术双年展上，一位超级年轻的日本美女艺术家的作品引人关注，她是SPUTNIKO，毕业于英国皇家艺术学院，多以跨界科技来关注日常生活，虽然年轻，但是她的装置与影像作品相继在纽约MoMA与纽约新当代艺术博物馆等国际美术博物馆展出，她在日本甚至成为公众偶像，也曾当选过《Vogue》日本2013年“年度女性”之一。
SPUTNIKO的创作多专注于创作科技与流行文化题材的机械、机器人、音乐与影像作品，这次展览中展出的《姻缘红线》是与日本农业生物资源研究所合作完成的，给蚕蛹加入制造催产素（催生“爱”的荷尔蒙）的基因和红色荧光珊瑚的基因，让经基因改造的蚕吐出神话中的“姻缘红线”，她介绍，这件作品的灵感来源于一个传说，是东亚天神会用隐形的红绳系上会注定在一起的人。在策展人看来在解读这件作品时同样将这件作品置于科学的讨论范畴：“从伽利略认定地球围绕太阳公转到达尔文的进化论，科学一直在挑战并消解神话世界。在不久的将来，科学是否会再造神话呢？” 在北京媒体双年展的“科学”这一板块之下，田晓磊的艺术态度预示着未来艺术的发展，他的作品以科技、杂交、机械、本体为关键词，这些似乎也成为当下文化潮流的新浪潮。在媒体双年展上，他的作品“角落”“创造”，更是将探讨的话题直接指向人类与科技的关系。艺术家创造了一个人机结合体的后人类的形象，用MV的形式展现了他的世界。想让现有的文化、科技、身体，充分交媾，诞生艺术家们想象的未来结构。
沃尔夫德与沃迪斯科共同创作的作品“发话筒”，是一个可穿戴的设备，参观者可以把它戴在嘴部，内置的手机屏幕上是一个嘴部视频。艺术家就是想给任何人一个提问关于存在、伦理、价值相关的终极问题，“对所有人来说，这些问题难以回答，甚至没有答案，但是我们一定要问，虽然我们不知道如何问，问什么，或者害怕问。“发话筒”试图使移民、难民、外国工人以及任何流离失所的人在公共空间中无视掉其语言障碍和文化差异，这是一个跨文化的交际武器，也是对潜在创伤的愈合援助。
展览的策展人之一，中央美院设计学院副院长靳军说：“科学和艺术本就是殊途同归的，也是我们追求并生存的方向。我们试图用技术去呈现艺术的同时也在试图表现技术的问题。”
但毋庸置疑的是，在此类大型综合艺术展上，那些关于科学与艺术结合的还不错，又吸引了观者眼球的作品，多以国外艺术家作品为主。这直接指向的是国内科学与艺术两个领域的交叉问题，以及国内在艺术教育中对科技层面的现实。
X工作室
科技与艺术，谈到这样的话题时，或许我们还能够数出不多的几位艺术家，但是谈及这一学科的教学，却是寥寥无几，清华美院的信息艺术设计系或许能拿来一说。基于吴冠中先生和李政道先生早年的倡导，同时也拥有清华大学理工大学的优势，艺术与科学已经在清华大学形成了一个相对成熟的学科，主要以鲁晓波负责的“艺术与科学研究中心”和徐迎庆负责的“信息艺术设计系”，尤其是这个系科之下的X工作室，已经成为艺术与科学碰撞的巨大实验基地，艺术与科学，似乎从X中就能看出无限可能性。
作为清华大学美术学院信息艺术设计系的系主任，徐迎庆讲了一个让他感触颇深的故事：“前段时间我们去了日内瓦的欧洲核子研究中心，是世界上最大型的粒子物理学实验室，它通常被简称为CERN。这个中心专门有一个部门就是接待艺术家，让世界知名的艺术家都到那里去参观他们的实验室，看他们的设计稿，去做各种各样的艺术创作，在那里，他们的很多内容都是公开的。在他们看来，科学有时候需要艺术家的天马行空，艺术家的创作则需要科学或者物理的理论与技术支撑。”
大学是数学出身，徐迎庆在进入清华美院之前的工作主要以工科为主，他得第一份工作就是计算机编程，用有限元分析方法来分析大型车辆的结构强度等，并开发微机版的有限元分析软件系统；1999年，他进入微软中国研究院（2001年11月更名为微软亚洲研究院），潜心于计算机图形学、计算机视觉和人机交互研究，并取得令人瞩目的成就。他曾主持微软亚洲研究院的人脸卡通自动生成技术研究，该项技术综合计算机视觉、人工智能、计算机图形学、认知科学、艺术设计等交叉领域知识，被评为微软亚洲研究院十周年最重要的研究成果之一。2011年，他来到清华美院，正式从一位科研人员转型为介入艺术与科学的教学工作，在他看来，这一学科面临着很多挑战，甚至包括“接受与不接受”的问题。
徐迎庆并不赞同将艺术与科学分开探讨，他認为艺术与科学本来就是一回事儿。在他所带的教师和学生的团队里，他们大多来源于不同于美院学生的教育背景。他在工作室随便指了几个人介绍：他本科是北大物理系，研究生在我们这里读的；李老师是本科物理系、硕士电子系，博士是东京大学工程计算机系，博士后则主攻机器人。师丹青老师本科是中央美院、硕士博士则读的设计。
“教学中，我们鼓励的是团队的重要性，艺术与科学结合起来，很少有人能够独打天下。”徐迎庆坦言，这一学科既有艺术家的思维，又要进行深入严谨的科学研究，所以在教学角度讲，学生需要掌握部分科学专业的知识，例如需要学习编程、硬件控制等，信息艺术设计系在成立之初便以“信息、媒介、交流”作为核心构成了专业教学的基础框架。他说，从学校层面来讲，更加鼓励交叉学科，也鼓励不同学科的人在一起工作，后来开始在“艺术与科学”交叉领域针对非艺术类本科生展开教学。
就如以上提到的作品《鉎命》，就是团队在一起工作的成果，作品在作者一栏显示了卢秋宇、王莉媛、米海鹏、师丹青、梁杰、江美佳、郭嘉婧、谢琛睿、盛磊、袁博、刘静十一个名字，这件作品也代表清华美院参加了本年度的奥地利林茨艺术节。
在当代艺术创作本身之外，徐迎庆与他的团队所研究的课题还集中于沉浸感知与设计、实体认知与交互、文化遗产数字化等。内容和项目涉及了我们熟知的AR、VR技术，还包括敦煌数字化保护虚拟展示平台展示、古朴自然的敦煌飞天舞蹈动画、《希望的田野》米兰世博会中国馆多媒体装置、《韩熙载夜宴图》互动影像装置等师生作品等。
当下国内，对于艺术与科学这样新兴的学科，X工作室算是极少数的案例之一，这也是清华大学美术学院继续坚持的路，就如鲁晓波所说：“任何一个技术创新活跃的时代，无一例外都伴随着人文创新的引导，所以我们今天为什么强调科学与艺术，我们不是说科学能够决定一切，我觉得人文、社会科学和科学联手，那才是人类走向和谐永续的必经之路。文化与科技的互动推动人类创新和文明成果的发展，文化影响科技的发展与传播，影响创新的进程，但是反过来，科技的发展和创新成果也推动着文化、艺术的进步。”
后记：记得刚刚上任的实验艺术学院院长邱志杰也曾谈到过，在原有的实验艺术和社会艺术的核心之外，他们在接下来的规划里会迎来新的“科技艺术”在邱志杰看来，媒体艺术这个词已经限制了中国艺术的发展，必须拓展到科技艺术，艺术在科技领域的可能性远比媒体要广阔得多。
即便关于艺术边界和伦理危机的讨论不绝于耳，但这竟成为一种当代艺术里无法回避的现实。如果说我们以往谈到的“新媒体艺术”的技术问题，艺术家还能够自己摸索、学习，或者能够容易邀请到技术团队的话，那如今艺术家所面临的科学理论问题或许就并不那么容易解决了，这也是国内艺术家创作、艺术学院学科设立和教学方面遇到的最大阻碍。
多元的当代艺术发展至今，很难总结出某一种趋势，而如果非要寻找到一种当下的流行，那就是科学技术对艺术的介入，似乎持续形成一种讨论的热点。科学里所包含的天文、物理、生命生物、医药、电子、机械、建筑这些知识体系，早已无所不在的充斥在艺术领域。就像我们经常在展览里看到的VR、交互、虚拟、人工智能、混合现实、生物基因……跨媒体与跨学科的呈现，技术与伦理的探讨，艺术的边界又一次被成功突破。
爆发式的科技运用
1995年、1996年，吴冠中为李政道所主持的科学会议分别创作了名为《对称乎，未必，且看柳与影》和《流光》两幅主题画。从那时起，一位闻名海内外的老画家，和一位诺贝尔获得者的物理學家，开始联手倡导艺术与科学的结合。
他们相识于晚年，却演绎了很多次艺术与科学交融的著名握手。二人共同完成过两件雕塑作品，李政道的《物之道》和吴冠中的《生之欲》，它们曾左右对称摆放在中国美术馆展馆大门口，科学因艺术情感的介入更富有创造性，艺术因汲取科学智慧而焕发新意。那是2001年的第一届艺术与科学国际作品展，清华美术学院院长鲁晓波在回忆那次展览时这样说：“很长时间在美术馆都没有那样的盛况，当时国家领导人非常关注，我记得总书记带队，5位政治局常委都参观了展览。”沿着两位先生的步伐，艺术与科学后来就成为了清华大学美术学院锁定的两大领域。
虽然有这样的倡导，但是吴冠中在自己生前的创作中并没有太多涉及科学与技术的成分，他在生前这样说过：“我这把年龄再去学科学，太迟啦！但是，让更年轻的一代艺术工作者及早补上这一课，他们的起点和进步，就会比我们高得多、快得多。”
如果吴先生能够知道今天艺术的现状，会很欣慰。十几年过去了，科学与艺术的结合，尤其是当代艺术里的科技成分，突然在今天进入爆发式的运用。两位先生倡导的观点，也从来没有像今天这样受到如此广泛的追捧。鲁晓波说：“目前全球有很多热点，而科学与艺术的融合正是热点中的热点。”
就拿最近我们能够看到的大型综合艺术展为例，9月10日，“对话达·芬奇/第四届艺术与科学国际作品展”在新落成的清华大学艺术博物馆开幕，其中展出的当代艺术家部分均与科学技术、物理、数学息息相关。
“对话达芬奇”展览中的最后一件作品，是日本艺术家池田亮司的《普朗克宇宙》，占据了几十平方米展厅的一件录像作品，镜头炫酷，充满未来感和科技感。
池田亮司是艺术界与科学家合作的代表，他在与欧洲原子研究组织（CERN）的科学家们的合作中受到启发，创作了这件作品。池田亮司的这件录像作品《普朗克宇宙》基于量子物理和宇宙天文学的原理，在超对称性理论指导下，以多媒体可视化的方式，呈现量子物理理论中不同的尺度和维度下的宇宙。他使用超大尺度投影艺术将建筑空间与声音环境构建成一个完全的沉浸环境，将观众带入普朗克长度视角，探索人们对于自然世界中极度微小和极度宏大的感知潜能。需要解释的是，普朗克是德国的物理学家，因发现能量量子而对物理学的进展作出了重要贡献，并在1918年获得诺贝尔物理学奖，而由他得名的“普朗克长度”是如今有意义的最小可测量长度。
多年来，池田亮司的声音艺术作品都从数学、物理的理性逻辑出发，用数学原理转化成声音艺术，他通过对频率、振幅、相位的解析，将自己的声音艺术延伸为图形艺术以及装置艺术。不少青年艺术家慕名达·芬奇的真迹前往清华大学艺术博物馆参观，他们纷纷在参观展览时录下了这件作品发朋友圈，无论对于池田亮司的作品是否真的了解，却也代表了当下艺术家对于这类艺术作品的关注和对于科技的兴趣。
同样是这个展览中，一件由清华美院信息艺术设计系与生物、生物工程技术的专家合作完成的交互艺术装置作品《鉎命》同样具有浓郁的科学意味。这是一件研究液态金属的作品，利用液态金属的奇妙性质，结合互动技术，呈现出一种“具有生命感”的新形态，在展出作品中，生活在装置里的液态金属像软体动物一样仿佛真的具又生命与自主意识，在与参与者互动时会表现出害羞、好奇、乖巧和淘气等不同性格。“引发参与者对于究竟什么是生命的思考。”创作者这样介绍。
媒体艺术双年展里的“科学”板块
当极具专业性的物理、数学、生物等科学因素介入艺术之后，同时带来的还有一轮又一轮的学术讨论，不断追问的同时也将艺术的边界再扩宽一点。在艺术与科学展览开幕半个月之后，由中央美术学院主办的北京媒体艺术双年展集中探讨“技术伦理”和“实验空间”。？“我们力求站在全球科技艺术发展的前沿并着眼于媒体艺术在中国的普及和传播。”中央美术学院院长范迪安说。
与池田亮司在展览中所获得的关注相呼应，在北京媒体艺术双年展上，一位超级年轻的日本美女艺术家的作品引人关注，她是SPUTNIKO，毕业于英国皇家艺术学院，多以跨界科技来关注日常生活，虽然年轻，但是她的装置与影像作品相继在纽约MoMA与纽约新当代艺术博物馆等国际美术博物馆展出，她在日本甚至成为公众偶像，也曾当选过《Vogue》日本2013年“年度女性”之一。
SPUTNIKO的创作多专注于创作科技与流行文化题材的机械、机器人、音乐与影像作品，这次展览中展出的《姻缘红线》是与日本农业生物资源研究所合作完成的，给蚕蛹加入制造催产素（催生“爱”的荷尔蒙）的基因和红色荧光珊瑚的基因，让经基因改造的蚕吐出神话中的“姻缘红线”，她介绍，这件作品的灵感来源于一个传说，是东亚天神会用隐形的红绳系上会注定在一起的人。在策展人看来在解读这件作品时同样将这件作品置于科学的讨论范畴：“从伽利略认定地球围绕太阳公转到达尔文的进化论，科学一直在挑战并消解神话世界。在不久的将来，科学是否会再造神话呢？” 在北京媒体双年展的“科学”这一板块之下，田晓磊的艺术态度预示着未来艺术的发展，他的作品以科技、杂交、机械、本体为关键词，这些似乎也成为当下文化潮流的新浪潮。在媒体双年展上，他的作品“角落”“创造”，更是将探讨的话题直接指向人类与科技的关系。艺术家创造了一个人机结合体的后人类的形象，用MV的形式展现了他的世界。想让现有的文化、科技、身体，充分交媾，诞生艺术家们想象的未来结构。
沃尔夫德与沃迪斯科共同创作的作品“发话筒”，是一个可穿戴的设备，参观者可以把它戴在嘴部，内置的手机屏幕上是一个嘴部视频。艺术家就是想给任何人一个提问关于存在、伦理、价值相关的终极问题，“对所有人来说，这些问题难以回答，甚至没有答案，但是我们一定要问，虽然我们不知道如何问，问什么，或者害怕问。“发话筒”试图使移民、难民、外国工人以及任何流离失所的人在公共空间中无视掉其语言障碍和文化差异，这是一个跨文化的交际武器，也是对潜在创伤的愈合援助。
展览的策展人之一，中央美院设计学院副院长靳军说：“科学和艺术本就是殊途同归的，也是我们追求并生存的方向。我们试图用技术去呈现艺术的同时也在试图表现技术的问题。”
但毋庸置疑的是，在此类大型综合艺术展上，那些关于科学与艺术结合的还不错，又吸引了观者眼球的作品，多以国外艺术家作品为主。这直接指向的是国内科学与艺术两个领域的交叉问题，以及国内在艺术教育中对科技层面的现实。
X工作室
科技与艺术，谈到这样的话题时，或许我们还能够数出不多的几位艺术家，但是谈及这一学科的教学，却是寥寥无几，清华美院的信息艺术设计系或许能拿来一说。基于吴冠中先生和李政道先生早年的倡导，同时也拥有清华大学理工大学的优势，艺术与科学已经在清华大学形成了一个相对成熟的学科，主要以鲁晓波负责的“艺术与科学研究中心”和徐迎庆负责的“信息艺术设计系”，尤其是这个系科之下的X工作室，已经成为艺术与科学碰撞的巨大实验基地，艺术与科学，似乎从X中就能看出无限可能性。
作为清华大学美术学院信息艺术设计系的系主任，徐迎庆讲了一个让他感触颇深的故事：“前段时间我们去了日内瓦的欧洲核子研究中心，是世界上最大型的粒子物理学实验室，它通常被简称为CERN。这个中心专门有一个部门就是接待艺术家，让世界知名的艺术家都到那里去参观他们的实验室，看他们的设计稿，去做各种各样的艺术创作，在那里，他们的很多内容都是公开的。在他们看来，科学有时候需要艺术家的天马行空，艺术家的创作则需要科学或者物理的理论与技术支撑。”
大学是数学出身，徐迎庆在进入清华美院之前的工作主要以工科为主，他得第一份工作就是计算机编程，用有限元分析方法来分析大型车辆的结构强度等，并开发微机版的有限元分析软件系统；1999年，他进入微软中国研究院（2001年11月更名为微软亚洲研究院），潜心于计算机图形学、计算机视觉和人机交互研究，并取得令人瞩目的成就。他曾主持微软亚洲研究院的人脸卡通自动生成技术研究，该项技术综合计算机视觉、人工智能、计算机图形学、认知科学、艺术设计等交叉领域知识，被评为微软亚洲研究院十周年最重要的研究成果之一。2011年，他来到清华美院，正式从一位科研人员转型为介入艺术与科学的教学工作，在他看来，这一学科面临着很多挑战，甚至包括“接受与不接受”的问题。
徐迎庆并不赞同将艺术与科学分开探讨，他認为艺术与科学本来就是一回事儿。在他所带的教师和学生的团队里，他们大多来源于不同于美院学生的教育背景。他在工作室随便指了几个人介绍：他本科是北大物理系，研究生在我们这里读的；李老师是本科物理系、硕士电子系，博士是东京大学工程计算机系，博士后则主攻机器人。师丹青老师本科是中央美院、硕士博士则读的设计。
“教学中，我们鼓励的是团队的重要性，艺术与科学结合起来，很少有人能够独打天下。”徐迎庆坦言，这一学科既有艺术家的思维，又要进行深入严谨的科学研究，所以在教学角度讲，学生需要掌握部分科学专业的知识，例如需要学习编程、硬件控制等，信息艺术设计系在成立之初便以“信息、媒介、交流”作为核心构成了专业教学的基础框架。他说，从学校层面来讲，更加鼓励交叉学科，也鼓励不同学科的人在一起工作，后来开始在“艺术与科学”交叉领域针对非艺术类本科生展开教学。
就如以上提到的作品《鉎命》，就是团队在一起工作的成果，作品在作者一栏显示了卢秋宇、王莉媛、米海鹏、师丹青、梁杰、江美佳、郭嘉婧、谢琛睿、盛磊、袁博、刘静十一个名字，这件作品也代表清华美院参加了本年度的奥地利林茨艺术节。
在当代艺术创作本身之外，徐迎庆与他的团队所研究的课题还集中于沉浸感知与设计、实体认知与交互、文化遗产数字化等。内容和项目涉及了我们熟知的AR、VR技术，还包括敦煌数字化保护虚拟展示平台展示、古朴自然的敦煌飞天舞蹈动画、《希望的田野》米兰世博会中国馆多媒体装置、《韩熙载夜宴图》互动影像装置等师生作品等。
当下国内，对于艺术与科学这样新兴的学科，X工作室算是极少数的案例之一，这也是清华大学美术学院继续坚持的路，就如鲁晓波所说：“任何一个技术创新活跃的时代，无一例外都伴随着人文创新的引导，所以我们今天为什么强调科学与艺术，我们不是说科学能够决定一切，我觉得人文、社会科学和科学联手，那才是人类走向和谐永续的必经之路。文化与科技的互动推动人类创新和文明成果的发展，文化影响科技的发展与传播，影响创新的进程，但是反过来，科技的发展和创新成果也推动着文化、艺术的进步。”
后记：记得刚刚上任的实验艺术学院院长邱志杰也曾谈到过，在原有的实验艺术和社会艺术的核心之外，他们在接下来的规划里会迎来新的“科技艺术”在邱志杰看来，媒体艺术这个词已经限制了中国艺术的发展，必须拓展到科技艺术，艺术在科技领域的可能性远比媒体要广阔得多。
即便关于艺术边界和伦理危机的讨论不绝于耳，但这竟成为一种当代艺术里无法回避的现实。如果说我们以往谈到的“新媒体艺术”的技术问题，艺术家还能够自己摸索、学习，或者能够容易邀请到技术团队的话，那如今艺术家所面临的科学理论问题或许就并不那么容易解决了，这也是国内艺术家创作、艺术学院学科设立和教学方面遇到的最大阻碍。