【摘要】素描即单色绘画,它主要是以单色线条和块面来塑造物体的形象,它是一切造型艺术的基础。素描教学在我国现代美术教育中的基础作用日见明显,一个绘画工作者在今后的艺术创作上成功与否,与其素描基本功有着密切的关系。本文作者从素描的创作及造型方面提出了自己独到的见解。
　　【关键词】素描;创作;记忆画;造型
　　【中图分类号】G642【文献标识码】 C【文章编号】1671-1270(2010)01-0025-02
　　
　　关于素描,一个非常尖锐的问题就摆在我们面前了,一些在校本是描绘对象能手的学生,出了校门就销声匿迹,原因何在?笔者认为,如实地描绘对象只是素描教学的一半任务,而自由造型则占更重要的一半。因为学生一旦出了校门就很难有学校里那样优越的条件。假如没有扎实的造型基本功,创作就会很吃力。所以,有些人只好洗手不干了。因而笔者认为改革素描教学,是当今需解决的一个重要问题,一个绘画工作者在今后的艺术创作上成功与否,与其素描基本功有着密切的关系。然而如何判定他们基本功的优劣呢?笔者认为,判定素描成绩的好坏,单凭评判他们描绘对象的相似程度是片面的。现今素描教学的最终目的应该是使学生能摆脱对象,把自己想象中的对象,随心所欲地展现在画面上,达到自由组合造型的境地。
　　其实,每一个从事绘画工作时间较长的人,都随着各自的经历,有着各自不同的或多或少的感触,大家或多或少都意识到自由造型的重要性。既然相似地描绘对象只是完成素描教学一半任务,那么另一半任务——自由造型,该用什么方法?什么时间来完成呢?
　　一、重分析、重结构、大量的素描作业训练,是达到自由造型的重要方法
　　除了勤于思索外,大量的素描作业练习是一种行之有效的方法,把画面画得小一些,重分析、重结构、抓要点,可以省掉很多在画面上涂调子的时间,使作业数量增多,通过不断地重复、练习和理解,使学生对对象有了更深刻的印象,从各具特性的对象中获得共性。
　　在加大作业数量的过程中,笔者认为不能仅靠手的机械活动来完成作业的数量,因为素描教学中很重要的课题是研究物体的结构和艺术规律。理性分析的深入与否,是收效多少的艺术天平,在完成这个内容的过程中,强调理性的分析,培养学生对对象的分析能力,是学习解决自由造型的关键。在解决自由造型之前,首先还应该解决主动描绘和被动描绘这两个问题。比如在我们自己的作业中可以发现,学生还是停留在被动描写中,用了很长时间的摹写,终究还是被对象所牵制的,模特儿姿势稍动一下,就无从下手,这种只停留在看到一点黑画黑,看到一点白画白的纯感觉的描写,使人们成了对象的奴隶,被动的描写,收效甚微。对结构的分析、理解,用坚实的线条夸张、强调、取舍、结合体面进行塑造,这种描绘是行之有效的方法。自然界中的一切物体,每时每刻都在不停地运动,即使是那些看来相对静止的物体,也总是受到外界变化着的光线、气候因素等的影响,从而相对地变化着,何况要把一个活生生的人体,像石膏像一样的对待,这是办不到的。为了把握住运动的物体,首先,只有对对象进行全面的观察分析,研究其特有的特征,不要只停留在固定的视线里。对象的分析,在概括最简单几何形体分析的同时,也为我们提供了体积观念的可靠依据,这时,再理解对象的具体结构和穿插关系,一旦运用这样的分析理解方法,光线与明暗在学生眼里马上就显得不重要了。一些苦苦追求的如空间、线条等问题也随之迎刃而解,因为当你把物体的体积塑造出来时,空间也自然而然地产生了,线条自然能恰倒好处。线条不美的感觉,主要指所画的线条不能准确刻画形体,漂浮在形体之间,能让刻画对象的线条深深地嵌入形体之中,是我们素描教学的一个重要目标。
　　线条强化对象的另一特性又表现在使自己的作品更容易显示自己的个性和对对象的理解。人们研究罗丹的雕塑,从中得到启发,罗丹经常采用的办法是将对象的结构做夸张,从而达到对比更强烈,而整体又与对象相似的效果。试比较现代许多从真人身上翻下来的雕塑作品,其表面接近对象的程度,应该比罗丹更甚,但其艺术魅力却是无法与罗丹相比的,作品不太容易震撼人心。所以,描绘对象也并不完全是以与对象一模一样为上乘,而应根据自己对不同对象的感觉来处理。罗丹的《思想者》,把人物的各个部分都作了夸张,而他的另一件作品《夏娃》,将部分结构有意识地减弱、模糊。每个人都有着与众不同的审美情趣,主动造型就是要求每个人将自己独特的感受抒发出来,对对象的理解、感受、强调、夸张、取舍多少,也是每个人风格风貌的重要组成部分。
　　二、研究前辈大师的作品是提高学习效率的一个重要途径
　　国内外的前辈大师,为我们流下了许多宝贵的遗产,这些风格不一的作品为我们的学习提供了一个很好的学习与借鉴条件。现在由于我们所学科目繁多,对于这些遗产只能是蜻蜓点水,或是走马看花,这是非常可悲的。每个大师之所以能具有独树一帜的风格,在历史的长河留下位置,说明其在艺术的浩淼之海中,在艺术的观念上有着独特、超群的见解,在表现对象上有着与众不同的手法。这些手法,堪称是每一位大师毕生心血的结晶。
　　初学阶段,我们说也是吸收力最强、反应最快的阶段。如果能在这一时期吸收前辈之精华,就能拉高起点线。然而如上所说,我们的学生学习的科目繁多,前辈大师又是那么的多,我们该如何学呢?笔者认为,先对前辈大师的作品粗粗了解一遍,使自己心中有个大体的印象,然后,再做横向比较,这样更适合目前我们的学习和研究。只要我们将米开朗基罗、鲁本斯、伦勃朗、毕加索等的作品并列一起认真分析比较,就相对容易弄清各位大师的艺术观念和对对象的处理手法。研究并弄清各个时期有代表性的画家的表现手法,然后,找准其中某一位自己最喜欢的大师做深入的研究,用这种方法,我们就可以在短的时间内学到较多的知识。以前我们课堂上安排的临摹课很少,笔者认为,应把这块也当成一个学习的过程排入课堂,并占有一定的比例,这样才能更深刻地体会大师作品的精华之所在,通过对各时代的大师作系统的了解和研究,使我们的眼界更宽阔,目标更明确,也为以后自身风格的形成奠定基础。关于临摹,可以是整幅作品,也可以选择作品局部,通过反复临摹理解其对画面的处理方法和手段,反复临摹也一定能掌握很多的艺术创作规律,而这些规律也将使你的自由造型插上翅膀。
　　三、记忆画和不断地创作练习是自我检验、自由造型的一面镜子
　　几乎每一个学生都有同样一种感觉,不搞创作时好象自己什么都不错,什么都画,看看别人的画,也觉得到处都有毛病。可是一旦自己搞起创作,却常常手忙脚乱,感到什么都不会。想好的构图,却表达不出来,或是画了半天,终于画出一个自己还较得意的动态,但是因为在构图上放的位置不理想,又不能将这费尽力气的动态忍痛割爱,从而破坏构图。创作上不去,归结起来,还是由于造型不过关的缘故。自由造型不过关,直接影响到创作意图的表达,使本来可以达到优秀的作品大为逊色。要改变这种状态,就是要提倡多进行记忆画,在每张作业完成之后,同时完成一幅记忆画,检验自己在写生之后还能记住些什么,假如在写生过程中不能理解地画,那么,能记住的东西恐怕很少。通过不断地记忆练习,使自己头脑中的造型规律逐渐增多,接着是多进行创作。一般在校的学生都认为在学校里重要的是先把基本功学好,创作是毕业以后的事。这样多数学生都对创作不重视,因而自由造型能力就较弱,致使不少人在描画对象的能力上可以说是达到了高年级的水平,而创作实际上只是低年级的水平。要解决这个问题,会遇到各种不同性别、年龄、性格、表情的人物,会遇到各种各样的动态及手、脚的透视,包括环境处理的种种难题。每个人可以在课堂的基本训练时针对创作中所出现的难点,进行研究和理解,从而也就能更自觉、更有目的、更准确地解决自己在每一个阶段中所存在的问题。
　　笔者还认为,组画的创作练习,是开始阶段一种收效较快的方法,因为独幅画要求画面的完整性,构思、构图方面相对比组画高,而且篇幅少,所画的时间又长,起不到不断提高自己造型能力的目的。组画的篇幅可根据个人现有的能力,可多可少,通过多画面,完成一个创作意图,因此在单独的各个画面中,构思及完整性方面就没有独幅画的要求那么高。所以,我们全心致力于人物的造型及构图安排,使之起到时时提醒和促进我们的习作练习的作用。通过大量的创作练习,迫使我们在学习中不断寻找、总结和积累自由造型的规律,从而使自己的创作水平更上一层楼。
　　用创作这面镜子,自我检验,以习作提高创作,以创作推动习作,使学生在整个学习过程中方向明确,更能自主地认识自己、把握自己,从而奠定日后腾飞的基础。整个学习的过程,就是尽可能地掌握自己自由造型规律的过程,自由造型的规律掌握得越多,创作时就越能得心应手,越能表达自己的创作意图,自由造型,是创作优秀作品的基础,只有早日摆脱对象,成为对象的主人,创作出的作品才能更加独具风格。
　　
　　【参考文献】
　　[1]叶茂涵,李继祥编著,《素描》,四川教育出版社。
　　[2]《外国美术简史》,高等教育出版社。