保持探索 回归实用

　　创立于2016年的LOEWE罗意威基金会工艺奖，致敬了LOEWE品牌在1846年创始之初为手工合作社的历史。手工艺是品牌的灵魂和基石，在当代工艺不断被讨论的时代，工艺奖为手工艺本身力求的技巧、意愿和艺术抱负都设定了高度，也彰显了现代工艺在当今文化中的重要性和艺术价值，更表彰有才能、有远见，有创新精神的职业手工艺匠人。
　　作为本届LOEWE罗意威工艺奖的专业评审网之一，王澍对入围作品颇为赏识，这些工艺和艺术偏多的作品保持了探索性和纯粹的状态， “它们蛮反映当代。”谈及评判的标准，王澍认为莫过于“原创性”。由于评审审成员来自包括设计、建筑、新闻、评论和博物馆策展等领域，所以当各个领域交叉后，原创性和超越性就显得尤为重要。
　　最终入围的三件作品就是极具代表性的例子。“获奖作品（Surface Tactility#ll）的技术是非常传统的大漆工艺，但手工艺人能将漆做成一个三度空间的感觉，并且光影流动是种不确定的形象，那种质感是超越了传统大漆的，属于在传统和现代的转化间做得特别成功的一件作品，又是直接和传统相关的，”他点评道，“另一件混凝土和玻璃纤维的作品‘无题’（’Untitled’from Dichotomy Series），虽然和传统一点关系也没有，并不是我们说的‘手艺’，但我们可以看到手工的痕迹，用很特殊的工艺完成。当这两件作品撞击在一起，非常当代，同时保持着纯粹的手艺精神。”
　　做设计，对于对手工艺有着特别感性认知的王澍而言，成为“一场捍卫人性的战斗”。他在建筑里大量地使用手工和工艺，几万片材料、几万平方米的规模和体量，而非装饰性的用途，这在建筑行业里非常少见，“因为我知道这些东西如果不用，就一定会完蛋。尤其我用的是最常用的技术，怎样让它保持高度，是手工的基础。”
　　在做评审的过程中，王澍欣喜地看到现在的年轻人在思考上没有边界，在探索上没有负担，但他开玩笑地说，假设今天最终入围作品更有用一些，他们会怎么办？“年轻人的问题是正因为年轻，没有过日子的压力，所以更享受的是探索本身，对实用性并没什么要求。当我们说的带一点苦涩的、生活的艰难之用时，恐怕要到一定的年龄才能有，”他说道，“所以我也很希望这种大奖在将来还能发掘出更有用的东西获奖，同时仍能达到我们今天所说的这样一种探索的纯粹程度。”
　　“最重要的是，这些作品如何与当代人真实的生活产生关系.有了这层关系的同时，在技艺（中国人所说的‘术’）的层面具有挑战性和超越性。对现代人来说，能在心理上发生共鸣，就算有用。”寄语这个奖项，最让王澍关心并期冀的，是那些看上去很实验性、很激进的试验和突破，最后都能够真正回归到日常生活里去。

　　“使用一些手工艺品都需要一种优雅的心境，所以这类物品都有一个特征——也许为了让自已的工艺能够活下来，它们不得不变成奢侈品，导致价格越卖越高，而非日用品的价格——这一方面可以说是一条出路，另一方面也可以说是手工艺的困境。”

璞素回到人的本身

　　杭州的朋友告诉凌宗湧，山里的梨树突然开花了。这不是秋天枯木该有的状态。凌宗湧反而觉得有意思，“它有些叛逆”，有不同寻常的生命力，正好符合他此次空间花艺创作的构想——顺应节气，引自然入境，酝酿丰收茂盛的生命力。叛逆的梨花，是时节给予的意外之喜。花艺没有事先预设和理性公式，现场顺其自然地发挥。规范、定律在他的理念中，向来是末位。凌宗湧以杭州富春山居的花艺作品而闻名。他的花艺风格简明、优雅、清丽，视觉美感之外，还深蕴情感。
　　创作大型花艺，对器皿的择选也需慎重，之前在北京，凌宗湧曾经使用过吴吴宇的花器，也是眼缘，第一眼即看中吴宇陶艺中的朴实质感，没有炫耀技巧，肌理中又有细节的变化，旺盛的野性的生命力，摆脱了工艺和形式，更接近于艺术化的表达。璞素的家具，既有对工艺的坚守，又有设计的传承和创造，空间的营造却不拘于中西壁垒，更愿意呈现融合与包容之美。三方共存默契，相互托付了完全的信任，合作就变成了极为简单的事情，但这种简单的背后，却是花艺、陶艺、空间三种强大能量的支撑，看似不经意间，其实是对生活本质的思考和理解。
　　“这就是，我所认为的东方风骨与自信。”凌宗湧说。

　　璞素
　　地址：上海市浦东新区滨江大道1777号1862时尚艺术中心二楼
　　吴吴宇专门为璞素和凌宗湧的空间呈现创作了花器，对于他来说，陶瓷从来就是语言，不必被主题、方向所束缚，但又是日日必须坚持的熟稔。广西南宁本地的土壤，含铁量丰富，自然形成偏于黑色的质感和色泽，视觉上颇厚重，上手却异常轻盈，与空旷、明亮的空间相辅相成，适当的手工痕迹让空间可以“出格”，从斧凿中解放。
　　他说：“欲从原本，就从身边的泥开始，找一种不需任何加工的原始泥土，敲碎、浸泡、匀浆、过滤、晾干、揉泥、拉坯，整个过程保持最传统的手工制作，保持松弛而又严谨的状态，保持朴实天真的心性，又经得起推敲和端详。”
　　璞素的设计总监陈燕飞对此也深感认同：“在中国的古典审美里，‘文’与‘质’的和谐是非常重要的。以明式家具来举例，它的内里构造精巧复杂，榫卯工艺极其细致考究，但却用最简洁流畅的线条去表达，给人简洁明快、含蓄蕴藉之感。很多人热衷清式家具，喜欢它繁复的纹饰和雕刻。但文人更推崇的明式家具，讲究工艺、材质，但把这些花心思的地方都藏起来，以质朴沉稳、简练淡逸的面貌呈现。在‘文’的同时，把事物的本质表达出来。这也是璞素希望达到的结果，一种文质彬彬的平衡状态。之所以和凌宗湧老师和吴吴宇老师如此契合，就是在这个层面上，达成了共识。”
　　璞素的家具坚持苏作传统榫卯工艺制作，工艺是一把双刃剑，一方面，它必然会束缚了设计的许多可能性，但另外一方面，它又给予设计恒久的落脚点，视野穿透古今，能够回到传统中寻找滋养。家具在历史、地域上有很多流派，比如江南苏作，风格偏柔美细腻;山西北作，就雄浑粗犷、充满力量感。从设计师的角度来说，真正好的家具，超越了地域、流派的束缚。北作的雄壮里，有细腻的细节;苏作在秀美之余，也有深远的大气，这些早已成为直觉和血液，在不经意中灵光显现。
　　“坚持工艺，其实是一个回归的主题，回到人的本身，回到人对美、对情感、对温度、对自然的寄托。教育背景、地域文化等会造成审美的偏好，但这些会突破这些屏障，让我们思考一些本质的问题。生活富足之后，对精神的追求孜孜不倦。”陈燕飞说。 　　大家走进空间内，被花艺作品强烈感动，感觉到流动的自然气息。花艺没有被花器、空间束缚，被器皿所衬托，被空间所接纳，无所谓流派，无所谓技艺，因循时序，自然而然地共存。

张雷进山，为设计寻根

　　“中国太缺少基础研究，可能是因为基础研究很难产业化，很难产生直接的价值。但从另—方面看，现存的设计与整个产业，都有一个问题，那就是没有根源。”

　　张雷坐在东坞礼堂改建的新图书馆里，笃定地说道。自从带着“品物流形”和融设计图书馆共30多人的团队搬进余杭山区里的青山村，已经过了一年多的时间。张雷与Jovana.Christoph所带领的传统手工艺研究项目也已进入了新篇章。
　　继竹、丝、土、铜、纸五种传统工艺材料为主题的研究后，张雷与“融”团队又开始以工艺方法为轴线，继续解构传统手工艺。同样是历时五年的研究，将涵盖榫卯、着色、编织、铸造、扎结。今年的主题是着色，融设计图书馆的团队跑遍全球，将传统工艺中的制色与上色工艺分门别类考察细致，解构到每一道工序，又找寻工坊制作样本，陈列在新的图书馆中。
　　解构，是“融”从研究传统手工艺初期的实践中总结出的方法。由拆解油纸伞糊纸工艺而衍化出的宣纸椅“飘”，让张雷、Jovana和Christoph发现传统工艺在现代设计中的转化可能，即通过对手工艺的解构，让传统材料与工艺方法融解到现代设计中，从而让设计有根源，也让传统活下去。
　　“中国太缺少基础研究，可能是因为基础研究很难产业化，很难产生直接的价值。但从另一方面看，现存的设计与整个产业，都有一个问题，那就是没有根。‘融’就是要帮助设计师们走进历史，走进各个地区.在传统中寻找设计思想，为设计师们提供启发。”张雷说。
　　有趣的是，新图书馆的落成，也是传统工艺融入现代社会的另一段写照。2016年，美国大自然保护协会帮助青山村治理村里的一处受污染水源，將备受农药污染的水库改善成了国家一级饮用水水源地，大自然保护协会邀请融设计图书馆，希望升级农村的收入结构，让更多的收入来源于绿色。于是，美国大自然保护协会找到了张雷，希望以传统手工艺改变村民们的收入结构。 　　在当地部门的资助下，品物流形团队修缮了青山村里原本坍塌的东坞礼堂，用充满时代印记的原木重新支起了这座宽阔的建筑，作为新的融设计图书馆。同时又在村里开设了融设计工坊，教会了村民们金网编织、手工丝网印刷、折纸等技艺，把村民的创作成果通过展览形式带上“设计上海”、“米兰设计周”等国际设计展。
　　“现在这个时代，开始一件事情很容易，而要几十年做一件事很难。‘融’遇到过很困难的时期，但对传统手工艺研究和对当代设计的实践的专注让我们坚持到现在。融设计图书馆承诺在青山村40年，沿着对传统解构的思想一直这样做下去。”张雷说。

　　融设计图书馆
　　地址：杭州市余杭区黄湖镇青山村

陈国栋 尊重地域、尊重土地上的人

　　“無名营造社会的一个重要工作原则就是与地域共生，避免切断当地文化系统、避免剥夺当地人的利益关系、避免强势介入的外来文化‘殖民’乡村。”

　　陈国栋是无名营造社的创始人，硕士毕业于日本多摩美术大学、博士毕业于京都府立大学。在日本留学时，持续了快10年研究乡村建设课题，去过日本100多个村落考察。引发他深思的是，日本乡村“不管是街道还是人，都相当干净利落”。相对而言，他看到的中国村落有两种情况：一种是村寨被开发之后，破坏了原有的文化脉络：一种是延续着原生态的村寨，有着令人感动的美丽，但当地村民生活在劣质的环境中，基础设施差。
　　在回国开始进行乡村营造的实践过程中，他意识到自己之前的研究还是“比较矫情”，即带着已经设定好的观念，来到乡村收集自己想要的素材。于是，他和无名营造社索性在贵州乡村驻地工作，团队在村寨里生活、调研、工作，直到项目完全建成才离开。尽管工作团队和当地村民在很多观念上，尤其是审美上，存在很大差异，但让他感到欣慰的是，在长期的驻地工作中，团队没有抱着“我们要改变乡村”、“我们是受过高等教育的文化人”的想法工作，工作人员像“半个村民”一样，和当地村民、工匠师傅一起工作，学习当地人的营造智慧和营造习惯。
　　在无名营造社的地图上，他们的项目在青海海南藏族自治州下属的松巴村、贵州省多个村寨里落地。在改建过程中，他们根据老仓库原有结构，用当地传统的木构造建设，和当地村民一起工作，采用传统院落的风格，和少数民族村寨原有风格相协调。在这个有着自身古老文化的传统村寨中，无名营造社没有以一种居高临下、喧宾夺主的态度介入。
　　在建筑实践中，他们以研究者和学习者的姿态学习传统木作的工艺方法，用当地朴实的手法和现代工艺结合来建造房屋，传统的智慧所带来的魅力是无穷的，能够以最谦卑的姿态和最实在的方式达到效果。这些村寨里还保留着不知道由多少代人传承下来的民间手工艺，如竹编、蜡染、木作等。无名营造社在策划的民宿、展览中，根据这些工艺特点，设计出一系列的生活日用品，竹编的灯罩、简洁图样的蜡染装饰、木造家具。
　　在乡村待得越久，他思考得越多。陈国栋坦言，作为一名建筑师，尤其是乡村建筑师，需要让自己涉猎建筑学之外多元学科的知识体系，从在地文化传承视角出发，实践在地建造的技术传统，让建筑形态适应当下甚至是未来的生活方式。

韩德昌当代文化复兴，从续写器物文明开始

　　“目前傳统工艺、设计及生产体系之间缺乏有效益的融合，因此在设计、工艺制作品质，成本控制与市场之间，很多决策需要经过多次讨论和沟通才能确定，也需要从一次次的试错中吸取教训，让传统文化重新进入、并且丰富当代人的生活，将是一个长期而值得毕生投入的过程。”

　　来自台北的设计研究者韩德昌今年一月正式搬至上海，开始他和上海起承文化的合作。将现代设计与传统的中国民间工艺相结合，是韩德昌一直以来的工作重心。早在开展Yii计划时，他便希望能在欧美世界主宰的器物文化中突围，建立华人传统工艺的当代发展模式。多年来不断参与国际设计展会、与国际设计界密切互动，在这个过程中，韩德昌愈发觉得对工艺的关注只是工作的起点，“手工艺是我们本民族语言里最彰显魅力的部分，有很多欧洲人从没见过的工艺，但光讲工艺复兴是不完整的，我们的着眼点不是工艺本身，而是整个中国的传统文化”。复兴工艺背后所承载的命题，是整个中国传统文化如何在当代延续并发扬光大，文化有必要延续，手工艺是载体，韩德昌认为工作的第一步应从弥补中国当代器物文化的断层开始。
　　正式进入起承文化工作前，他作为项目顾问，从策划工艺展览开始，与企业磨合了一年时间。作为一家社会型企业，起承致力于中国传统文化的当代转化，自创立以来，已保护超过20项非物质文化遗产，帮助300多位手工艺作者与市场对接。加入起承文化后，韩德昌任公司首席创意官，主要负责设计、工艺合作和展览部分，驻地计划是工作中的一项重要内容。作为起承业务构架中目前发展最为成熟的项目之一，从早期的傣纸、羌绣、云锦，到目前发展中的花丝、大漆、金箔等，每个项目从前期文化梳理调研、邀请国内外设计师、艺术家入驻当地了解工艺、再至提交设计方案、方案修正、打样、成果以展览形式输出……已慢慢发展出一套完整的模式，并拥有一定规模和社会知名度。驻地计划与设计师们的合作大致分三个面向，一是工艺经设计转化后面对广大消费人群输出的批量化产品;二是用于生活场景，如礼品等渠道的高端产品;三是针对艺廊和博物馆、美术馆级别的限量收藏品。
　　驻地计划必须要探索出很多可能性，探索的方式是由外脑（外部设计师）进行思考，与工艺师合作推出作品，起承内部设计师团队则担负起外部设计师与工艺方的沟通，深入接触了解工艺环节和设计流程。韩德昌会深入与设计师进行讨论，希望他们从客观角度去理解和掌握工艺，来表达明确的设计概念。起承与珠宝品牌潮宏基合作的花丝驻地项目，最近邀请到日本知名设计团队Nendo/佐藤大参与，这个叫做糖果的花丝首饰系列，就是一个平衡工艺与商业诉求的好案例。
　　除了驻地计划，起承文化的另一块重要业务是通过文化梳理和二次创作转化形成IP，韩德昌强调中国人传统观念中的“图必有意，意必吉祥”是起承对lP思考的起点，汲取传统纹样的代表性符号，经过现代设计语言的转译，形成新的纹样，不仅丰富了日常消费品的面貌，也在潜移默化中让传统回归生活。

细节中的细节

　　“设计的本质，就是将事物变得更好。”

　　20世纪80年代后期，位于丹麦第二大城市的奥胡斯小镇上，诞生了以轻巧的钛丝镜框推动眼镜市场的家族品牌Lindberg。总部办公楼在一个安静的住宅区内，建筑物的前身是一家机床厂，经过重新设计和翻新后，成为了现在的办公室和工厂，目前由第二代继承人，建筑师HenrikLindberg执掌。时代瞬息万变，新鲜的信息和技术不断更迭，如何让品牌立足在行业的顶端，对于细节的追求和不为时代所变的手工定制所传递出的温度，成为了通往成功的必经之路。
　　眼镜行业的传统模式通常是客人在店内选择可用的型号，但Lindberg从每一个细节去实现客户定制，让每一件产品都成为量身定制的作品。创立之初，创始人就曾想过：想要设计、制作出高质量的镜架，所需要的工具和技术在当时是根本不存在的，因此他们不得不去自己创造，制造设备、定制工具、培养匠人……力求每个部件的设计和制造过程都由公司内部完成。要设计、制作出无与伦比的眼镜，需要一定的决心。为了实现最高质量的设计，在镜架的原材料上就需要选择最高标准，避免致敏或皮肤刺激，超轻量的钛金属是首选，部分镜架的重量仅为2克，达到足够的轻巧，去除不必要的部件，没有铆钉或焊接，而是以专利的无螺丝铰链为特色，从而不会出现松动或损坏等不必要的问题。镜架易于调节，在递交眼镜给客人时，工作人员还会根据现场客人的面部结构调节镜架，直至完美贴合面部，实现整体个性化定制。在选材上，Lindberg还包含板材镜架，选用最优质天然水牛角的高端产品buffalo titanium将水牛角与紫檀木、烟熏橡木、橄榄木和黑檀木等几种精致木材结合。Precious系列还会选用18K黄金，白金，玫瑰金甚至尊贵黑金以及铂金打造。除了机械的高科技，手工感则传递出作品的温度，拥有精湛技艺的匠人会在五步机械抛光工艺后，再进行两轮手工抛光。在Lindberg看来，高端眼镜的含义与核心就是坚持手工打造。 　　从干净、简约的设计思考到高效、勤勉的制造过程，赋予长久打磨的工匠精神，将每一件产品视为作品来创作，成为了这个时代难能可贵的坚持，也只有如此，才能换来金字塔尖的荣耀。

朱哲琴 “看见”之路

　　“‘看见造物’孵化的是混合形态的项目，项目之初会组织专家进行学术研讨，后期则是针对市场的可行性调研，核心是非遗再生计划，从文化梳理、工艺的保护传承、设计语言的推敲、产品的商业落地模式、推广和传播方式……每个环节都是一个专业的面向。”

　　朱哲琴之前为人所熟知的身份是著名音乐家，近年来她也投身于中国民间手工艺的保护和传承之中。2013年她创立的“看见造物”当代设计品牌，联合石大宇、卢志荣、钟声、Michael Young等国内外著名设计师、工艺家，经过对传统手工艺的提炼与再设计推出产品，这些产品亮相于米兰三年展、保利拍卖会，大大提升了世界对中国当代工艺和设计水准的认知。
　　对非物质文化遗产的关注和保护已是社会性的关注议题，朱哲琴从多年实地寻访经历中得出的观察是，中国传统工艺的发展现状呈现两极化的趋势：在经济较发达地区，手工艺能获得较多关注与资源，往往生存状况良好;而处于偏远地区的工艺门类，很难进入现代人的视野，更缺乏与设计进行接轨的机会。在非遗抢救这个宏大命题之下，“看见造物”从创立初始负担的使命，就是为了让传承获得重生，来影响和激活当代生活。她与合作设计师们对手工艺的探访，选择的大多是地理位置偏远、交通不便的中西部、北部地区，聚焦的也是相对冷门、处在消失边缘的工艺领域。
　　“看见造物”的工作模式是基于传统工艺本身反向寻找设计师来介入，朱哲琴与设计师们深入内蒙古、云南、贵州、西藏、重庆等地，采集探访濒危的民间工艺，她强调设计师们必须要“弯下腰来”，以谦卑的态度向传统学习，向工匠学习。“看见造物”希望能为作坊、匠人和设计师提供更多的机会，例如将一部分生产放在项目原发地，有建设性的哺育工作是让工坊维持良性运作的积极尝试;开展“1+5”民族文化传承计划，帮助当地技艺精湛的工艺师傅寻找、培养新一代传人;产品部寻找与项目风格匹配的设计师，并指导设计师对市场、设计、生产成本有商品化的意识。作为品牌创始人和艺术总监，朱哲琴要负责工艺与设计的两端对接，融合美学精神，平衡商业诉求。
　　2019年平台的主要项目围绕着重庆的非遗传统手工艺“涂山窑”和土家族手工艺“西兰卡普”展开，通过大半年的考察、设计打样和生产，9月初，由英国设计师Michael Youngi殳计的涂山窑工艺咖啡怀系列，登录“一条”线上平台进行众筹。与时装设计师杨芳合作的土家织锦“西兰卡普”也会在秋冬季问世，产品走时尚化方向，运用到东西方美学贯通的物料和颜色。
　　朱哲琴形容目前所投入的原创设计行业依然还在边缘挣扎：人才紧缺、设计意识缺乏、法律法规不完善，方方面面都有问题，她这一代人从零开始，是拓荒者。今年的商业大环境低迷，资本让原创之路变得更加艰难，因此，品牌在战略打法上更要能扛得住冲击， “中国制造”、“中国创造”能否在产业层面、原创层面立足，需要把眼下的每一步都走稳。

　　2013年，长期扎根在香港的英国设计师Michael Young和“看见造物”合作，在中国内地进行了一次工艺之旅。之后他结合中国传统景泰蓝工艺，设计出一套盘子。和我们印象中繁复精密的景泰蓝图样不同，这套盘子表面不规则的圆形图案，通过数学计算形成，模拟油在水面漂浮的样子，再以景泰蓝工艺，将其呈现在盘子上。之后，Michael Young在同土耳其瓷器品牌Gorbon合作的Orzone花器、与地毯公司Christopher Farr合作的手编提基亚地毯中，延续了这种创作思路，将数学计算与传统手工艺结合，让设计产品既有着当代设计语言的特点，还保有只有手工艺才能达到的效果。
　　作为著名工业产品设计师，除了设计适合大批量工业生产的产品，Michael Young还设计具有实验性的艺术或限量版设计品，尤其是对传统手工艺现代化的探索。在2019Design Miami/Basel设计展上，Michael Young的MY系列有着抛光不锈钢和白色珐琅的表面。他把两个看起来不相干的要素，通过计算机编程产生图案，再以三维形态展现出来。“在亚洲，手工匠人具有高超的工艺水平;和西方审美不同的是，人们往往认为，具有繁复形态的造型设计更有价值……而有时候极简的设计和产品更具有挑战性。”
　　Michael Young的作品不仅具有当代意识的设计语言，还可以追溯传统的手工技艺。“世界改变了很多。在过去，时间和土地并不昂贵：但在今天的社会，时间是昂贵的、土地是昂贵的，所以手工艺变得非常昂贵。我们既需要大批量生产的产品，也需要保护这些遗产。这关于材质、色彩、造型，还是可以永久保留的东西。”
　　去年，Michael Young再次接到“看见造物”的邀请，对已有近千年历史的宋代涂山窑工艺进行研究和复兴。他们到重庆涂山窑遗址进行考古寻访，对沉睡在博物馆里的涂山窑文物与工艺进行研讨。设计师说一定要在对中国传统工艺做当代设计前对蕴藏的文化内涵有足够的尊敬与理解。“我的设计任务是要将乡村田野中的器物带到时髦的都市环境中。我希望设计可以将我考察的工艺制作的过程形象地展现出来，让更多人了解涂山窑。即便器形很简洁，他们也可以体会到制作中的历史。”最终古老的技艺幻化成当代生活的茶杯、咖啡杯等器物，可以让更多人有机会了解到涂山窑的工艺和历史。
　　对于“看见”这样的品牌，Michael Young心怀敬意：“生活不是仅仅关于赚钱，还关乎一些你所热爱的美好实物，你想永久保留的东西。特殊的手工艺，作为一种遗产，需要我们对之进行保护。”

当代设计语言遇到传统手工艺

　　和工业玻璃切割不同，手丁匠人完成所有细节。我用传统的技法，但改变了最终的制作成果……有些工作是电脑可以完成的，有些是需要用人的双手实现的。我觉得重要的一点是，我们不能忘记这些手工技艺。