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初看王琳的画，一系列满满的色块，浅黄的、蓝黄的、黑灰的，若隐若现的线条、数字和看起来不明朗的故事。一开始并不太明白这个女孩想要传递的意思，再一看作品的名字——《固定的时间里必定流逝的时光》，让人大概明白这应该是绘制者回忆自己匆匆而过的岁月。
拿起画笔，是我最擅长的表达方式
“我是一个性格慢热，不善于表达的姑娘。”对于王琳来说，画笔里的世界就是她所有情感的寄托，她爱的人、喜欢的东西、铭记在心的故事都幻化成另一个形象藏在她的画里，仔细找找还可能找到她小时候的零食袋和坐过的小板凳。
在毕设作品中，王琳选择用片段式的叙事方式来表达时间的沉淀，在诉说自身经历的过程中，频率会断断续续，从一个词语、物品联想到另一个时间轨迹，她就跟随着自己的节奏、规律在画布上创作。整体来说，王琳的回忆是“满满溢出的阳光”，哪怕最后一张图片，别人眼里压抑的、不开心的、阴郁的黑灰色调，也是她独特的表达——那是她记忆中沉淀下的沉默安静，“最后总要平静地看待事物”。
王琳清晰地记得小时候一家人去海边度假的经历，“头上是昏昏沉沉的云朵，身后是波光粼粼的大海，还有茂密的树林”，在一片片并未远离人烟的旷野里，母亲帮她用发夹将头发平贴塞到耳后。那时父亲母亲还很年轻，感觉周边的建筑随着海浪声变动着，融合在一起。她很想再有机会一起出去度假，也很想跟父母说，她怀念那个温暖的午后。可是越长大，就越不好意思诉说心里的感受。于是，王琳就把这些小心思画进了画里，成了她毕设作品的一个局部。
小时候，父亲工作忙，总在远方，那时王琳写信给出差的父亲，告诉父亲她又新学会了什么数字，一收到父亲寄回的明信片就很开心；父母在幼儿园门口等自己的情景也深深记在王琳的心中，这种意向一直给她安全感。她把当我回想往事时，脑海呈现多半是有温度的迹留。用片段式的叙事方式来表达时间的沉淀。自身经历，说的过程频率会断断续续，从一个词语，物品联想到另一个时间轨迹。同时，这些理不清记忆的象征，也让我思考到身份和个人的问题。
这些统统都画进了自己的作品里，深深浅浅的数字和方方的小板凳都是她对匆匆那些年的回忆。“现在和父亲没有小时候那么亲近了，更不会像小时候那样轻松地把爱说出口、不会撒娇了”，可是，王琳还是会在遇到挫折的第一时间想起父亲给自己的鼓励，还是会想要在毕业作品里表达对父亲的爱和支持。
《固定的时间里必定流逝的时光》的第二幅作品里还纪念了她大学四年最好的朋友，一个很优秀、很会照顾人的学妹，“虽然她比我小一届，却总能懂我、开导我。”大三的时候，王琳很迷茫，自己做出来的东西得不到太多的认可，她不知道自己是应该向现实低头找一份工作，还是坚持自己的创作路线继续前进。心里有所想，王琳就会去画室画画，画她的所思所想、所忧所虑，而且一画就画到很晚，有好几次都和同样一个女生离开画室。这样的次数多了，彼此就偶尔聊聊天，渐渐的，王琳觉得这个女生和自己很谈得来，这个小学妹总是会开导她，不仅是选择上的困然，还有专业上的困难。
王琳说学妹对画画很痴迷，国内有什么展览都会飞过去看，上海、香港都去过，也经常约着王琳一起看展览，学到什么新鲜的技法都和她交流。现在，就算学妹去日本了，毕业之际，王琳还是想将这种友谊留在自己的画作上，她记录的是学妹邀请自己参加的一次聚会，那次聚会的合唱让王琳感受到了青春的力量。
这些故事一直到答辩，王琳才跟指导老师张振江说起，以往老师总觉得这个姑娘的画作看着很好，技法、色调都处理得很得当，但是却看不出什么所以然。等听完了王琳断断续续讲诉的故事，张振江老师才明白创作过程中，她的坚持。
追求完美，艰难却出彩
最后，因为画框比画布小了 0.1毫米，导致裱的时候王琳的画布和画框没有办法很好衔接，“就是 0.1毫米我也能感受到，我算是一个完美主义者吧”。
王琳说自己的情绪就像广州的梅雨天一样，很难掌控。随着创作的进行，画面也受到情绪的影响，第二幅、三幅与之前的草稿相比，改变了好多，“大概75%都跟草稿不一样”。
王琳的草稿是依附于时间记忆的碎片为主题尝试创作的，不断地回忆过往，然后利用画面构图将时间融入空间，在根据自己回忆的频率，把画面分成几个小片段。当遇到自己想要重点表达的情节时，就会运用疏密关系来表达，同时也是在这个时候，她将原来的一幅画延伸成了一个系列。
在画草稿的时候，王琳也在一边思考，到底需要运用什么媒介去呈现，最后的效果可以更接近自己内心？选择什么样的内容才能更好的代表自己的心境？做多大的画面尺寸更有意义？她尝试在油画框上做大量的肌理，用泥土、麻布、手工纸等综合材料，从用于营造空间的抽象大色块开始着手；选择每每回忆起就满腔温暖的瞬间和物件；她想要画面尺寸是 160cm×40cm，160cm是她的身高，4代表大学这四年。完美主义的她在意每一处细节，想要每一处都表现得完美。
可当做的有色底越来越多的时候，便出现了想要呈现的内容与画面形式有矛盾，特别是当画面内容给形式表达带来困难的时候，王琳越来越焦虑。张振江老师启发她，“创作就是留下现在的、过去的痕迹，而草稿原本就是单薄的一张纸，最后呈现的作品一定是有更多的层次、更厚重的”，鼓励她要继续探索下去，不要忘记创作的初衷。
为了达到预想的那种有岁月沉淀感的色调，王琳尝试了学妹告诉她的丹培拉的肌理，试了一遍又一遍。为了色彩的独特性，常常在一处细节涂上一层层底色，上六七层色彩，然后慢慢磨出自己计划中的色彩；为了三幅图一起呈现的效果，在布展前两天才定下本来没有黑色的背景板。
外出去敦煌的一次考察让王琳第一次被色彩所震撼，继而对色彩的把握越发坚持。那种沉淀在墙壁上的色彩，是最好的敦煌壁画画册也模拟不了的，自己心里说不清道不明的感觉，在看到敦煌壁画的一刹那就明了了。那种自己心仪很久的色彩居然在很久之前就有人发明出来了，王琳觉得很神奇，细心的她还发现，壁画人物穿的衣服的那种青蓝色在当地运用得十分广泛，“那些色彩应该是当地文化的产物，源远流长”。王琳被壁画的色彩吸引，回到学校后就开始用自己的方式去尝试能不能重现那种效果。 创作过程中，王琳一发现问题就想要立马解决，常常是必须把一个局部做好才可以进行下一个。比如在做第一张图的时候，底做了很多次，在等石膏粉凝固的过程中，如果有同学不小心碰了一下，夹子歪了，她就必须再重新做一遍，来来回回一共重复做了6遍之多。这样的创作习惯和心态导致王琳一直很紧张，不能进入放松的创作状态，会不停地想要再来一次，“一点肯定又一点否定，不停挣扎着”。
创作过程中是对绘画者能力和耐心的考验，是一个自我认识探索的过程，“出现问题只要冷静去面对就会找到合适的解决方式”。在作画的过程中，王琳发现除了聆听自己内心的想法，同学和老师的建议是很重要的。慢慢的，在创作期间，将自己的状态与情绪也画进去，组成作品的一部分。
答辩前3个星期，王琳发现在网上买的木板和自己想的不一样，烧完之后就卷起来，加上广州的梅雨天气，上底之后木板就会发霉、凸起，王琳就撕掉重新补材料。她知道这样会很束缚自己，也会耽误大量的时间，可仍然较真地一遍一遍打磨。
塔皮埃斯在《艺术实践》中写道：“只有日复一日的实验和具有一种坚韧不拔的毅力，才偶尔，在最出人意外的时刻发生了这样的奇迹：那些本身没有生命的材料，居然以一种无与伦比的表现力说起话来。”
重新看自己的生活
掌握的专业知识越来越多、数年使用的技法越来越精进，在画面语言、思维方式越来越多元化的时候，王琳还在不停地思考着绘画感动她的初衷。“是画面主题还是画面的技法、肌理？如果绘画抛开了这些，还剩下什么是值得思考的？”带着这些问题，王琳看了很多画展和电影、书，听了不少讲座，依旧觉得无法给自己一个有说服力的答案。
直到听到Michelle Murillo的讲座“版画的观念性”，在讲座上，Michelle Murillo分享了将她自身的经历和对记忆的看法，及数字贴花印刷运用在喷纱玻璃上的创作过程。这就是王琳毕业创作的灵感来源。
Michelle Murillo运用玻璃来承载脆弱的记忆，这种版画技术上创新的坚持，启发了王琳运用恰当的材料质感来表达作品的隐义；主讲人对家族漫长移民史的探索让王琳思考到了自己的身份，自己生命中以往时间的轨迹以及记忆的性质和质感。王琳回顾过去与现在的自己，曾经的迷茫与彷徨、感受过的温暖与爱、遭受过的冰冷与绝望，都糅合在一起撞击着她的内心，想逃离又想回归，让她不断地认识自己和观看自己的身份。
“一个作品，其实它有价值是因为它给你提供了一个空间，让你把你的思维都给装进去”，王琳重新审视自己的生活状态，探索与自己有关的点点滴滴。“有时，一些晦涩难言的生命体验我也无法表达完整”，只是在讲述与聆听的过程中，王琳已经在记忆碎片的色痕里，重新审视了自己的身份和感受。
王琳从大二开始教小孩画画，期间她带过一个三四岁的小男孩，小男孩在画画的时候，总是一遍讲故事一边画画。有一次小男孩在一张白纸上画了两个圈，说：“姐姐，这是一条蛇住在一个山洞里。然后山里发大水了，大水淹没了山洞。”小男孩拿起笔把一整张纸都涂成了褐色，之后把纸翻过来又画了一条弯弯曲曲的线，“小蛇就从山洞后面跑出来了，它饿了，想要找吃的，吃饱了它又睡着了”，男孩把曲线擦掉又画了一个圆圈，然后拿黑色的笔把画面涂满。
当时，男孩的妈妈很不理解，同时认为王琳教得并不好，但是王琳却很感动，“小孩子的想法真的很神奇的、很自由。其实，不管我们懂不懂，应该尊重孩子的世界，哪怕简单的线条也有他们自己的故事和想法”。
和孩子一样带给王琳坚持和童真的还有她的母亲，现在偶尔回老家，母亲会拿出保存得很好的王琳以前涂涂画画过的东西，这些东西都在提醒着她要不忘初心，勇敢前行。
“创作过程犹如将自己的日记摊开再重新审视时间沉淀下的自己，或许是旧的结束，或许是新的开始。”王琳在这个过程中，不断地认识自己，接纳着自己。“生活也如此，艺术来源于生活，艺术洗礼着生活。”
拿起画笔，是我最擅长的表达方式
“我是一个性格慢热，不善于表达的姑娘。”对于王琳来说，画笔里的世界就是她所有情感的寄托，她爱的人、喜欢的东西、铭记在心的故事都幻化成另一个形象藏在她的画里，仔细找找还可能找到她小时候的零食袋和坐过的小板凳。
在毕设作品中，王琳选择用片段式的叙事方式来表达时间的沉淀，在诉说自身经历的过程中，频率会断断续续，从一个词语、物品联想到另一个时间轨迹，她就跟随着自己的节奏、规律在画布上创作。整体来说，王琳的回忆是“满满溢出的阳光”，哪怕最后一张图片，别人眼里压抑的、不开心的、阴郁的黑灰色调，也是她独特的表达——那是她记忆中沉淀下的沉默安静，“最后总要平静地看待事物”。
王琳清晰地记得小时候一家人去海边度假的经历，“头上是昏昏沉沉的云朵，身后是波光粼粼的大海，还有茂密的树林”，在一片片并未远离人烟的旷野里，母亲帮她用发夹将头发平贴塞到耳后。那时父亲母亲还很年轻，感觉周边的建筑随着海浪声变动着，融合在一起。她很想再有机会一起出去度假，也很想跟父母说，她怀念那个温暖的午后。可是越长大，就越不好意思诉说心里的感受。于是，王琳就把这些小心思画进了画里，成了她毕设作品的一个局部。
小时候，父亲工作忙，总在远方，那时王琳写信给出差的父亲，告诉父亲她又新学会了什么数字，一收到父亲寄回的明信片就很开心；父母在幼儿园门口等自己的情景也深深记在王琳的心中，这种意向一直给她安全感。她把当我回想往事时，脑海呈现多半是有温度的迹留。用片段式的叙事方式来表达时间的沉淀。自身经历，说的过程频率会断断续续，从一个词语，物品联想到另一个时间轨迹。同时，这些理不清记忆的象征，也让我思考到身份和个人的问题。
这些统统都画进了自己的作品里，深深浅浅的数字和方方的小板凳都是她对匆匆那些年的回忆。“现在和父亲没有小时候那么亲近了，更不会像小时候那样轻松地把爱说出口、不会撒娇了”，可是，王琳还是会在遇到挫折的第一时间想起父亲给自己的鼓励，还是会想要在毕业作品里表达对父亲的爱和支持。
《固定的时间里必定流逝的时光》的第二幅作品里还纪念了她大学四年最好的朋友，一个很优秀、很会照顾人的学妹，“虽然她比我小一届，却总能懂我、开导我。”大三的时候，王琳很迷茫，自己做出来的东西得不到太多的认可，她不知道自己是应该向现实低头找一份工作，还是坚持自己的创作路线继续前进。心里有所想，王琳就会去画室画画，画她的所思所想、所忧所虑，而且一画就画到很晚，有好几次都和同样一个女生离开画室。这样的次数多了，彼此就偶尔聊聊天，渐渐的，王琳觉得这个女生和自己很谈得来，这个小学妹总是会开导她，不仅是选择上的困然，还有专业上的困难。
王琳说学妹对画画很痴迷，国内有什么展览都会飞过去看，上海、香港都去过，也经常约着王琳一起看展览，学到什么新鲜的技法都和她交流。现在，就算学妹去日本了，毕业之际，王琳还是想将这种友谊留在自己的画作上，她记录的是学妹邀请自己参加的一次聚会，那次聚会的合唱让王琳感受到了青春的力量。
这些故事一直到答辩，王琳才跟指导老师张振江说起，以往老师总觉得这个姑娘的画作看着很好，技法、色调都处理得很得当，但是却看不出什么所以然。等听完了王琳断断续续讲诉的故事，张振江老师才明白创作过程中，她的坚持。
追求完美，艰难却出彩
最后，因为画框比画布小了 0.1毫米，导致裱的时候王琳的画布和画框没有办法很好衔接，“就是 0.1毫米我也能感受到，我算是一个完美主义者吧”。
王琳说自己的情绪就像广州的梅雨天一样，很难掌控。随着创作的进行，画面也受到情绪的影响，第二幅、三幅与之前的草稿相比，改变了好多，“大概75%都跟草稿不一样”。
王琳的草稿是依附于时间记忆的碎片为主题尝试创作的，不断地回忆过往，然后利用画面构图将时间融入空间，在根据自己回忆的频率，把画面分成几个小片段。当遇到自己想要重点表达的情节时，就会运用疏密关系来表达，同时也是在这个时候，她将原来的一幅画延伸成了一个系列。
在画草稿的时候，王琳也在一边思考，到底需要运用什么媒介去呈现，最后的效果可以更接近自己内心？选择什么样的内容才能更好的代表自己的心境？做多大的画面尺寸更有意义？她尝试在油画框上做大量的肌理，用泥土、麻布、手工纸等综合材料，从用于营造空间的抽象大色块开始着手；选择每每回忆起就满腔温暖的瞬间和物件；她想要画面尺寸是 160cm×40cm，160cm是她的身高，4代表大学这四年。完美主义的她在意每一处细节，想要每一处都表现得完美。
可当做的有色底越来越多的时候，便出现了想要呈现的内容与画面形式有矛盾，特别是当画面内容给形式表达带来困难的时候，王琳越来越焦虑。张振江老师启发她，“创作就是留下现在的、过去的痕迹，而草稿原本就是单薄的一张纸，最后呈现的作品一定是有更多的层次、更厚重的”，鼓励她要继续探索下去，不要忘记创作的初衷。
为了达到预想的那种有岁月沉淀感的色调，王琳尝试了学妹告诉她的丹培拉的肌理，试了一遍又一遍。为了色彩的独特性，常常在一处细节涂上一层层底色，上六七层色彩，然后慢慢磨出自己计划中的色彩；为了三幅图一起呈现的效果，在布展前两天才定下本来没有黑色的背景板。
外出去敦煌的一次考察让王琳第一次被色彩所震撼，继而对色彩的把握越发坚持。那种沉淀在墙壁上的色彩，是最好的敦煌壁画画册也模拟不了的，自己心里说不清道不明的感觉，在看到敦煌壁画的一刹那就明了了。那种自己心仪很久的色彩居然在很久之前就有人发明出来了，王琳觉得很神奇，细心的她还发现，壁画人物穿的衣服的那种青蓝色在当地运用得十分广泛，“那些色彩应该是当地文化的产物，源远流长”。王琳被壁画的色彩吸引，回到学校后就开始用自己的方式去尝试能不能重现那种效果。 创作过程中，王琳一发现问题就想要立马解决，常常是必须把一个局部做好才可以进行下一个。比如在做第一张图的时候，底做了很多次，在等石膏粉凝固的过程中，如果有同学不小心碰了一下，夹子歪了，她就必须再重新做一遍，来来回回一共重复做了6遍之多。这样的创作习惯和心态导致王琳一直很紧张，不能进入放松的创作状态，会不停地想要再来一次，“一点肯定又一点否定，不停挣扎着”。
创作过程中是对绘画者能力和耐心的考验，是一个自我认识探索的过程，“出现问题只要冷静去面对就会找到合适的解决方式”。在作画的过程中，王琳发现除了聆听自己内心的想法，同学和老师的建议是很重要的。慢慢的，在创作期间，将自己的状态与情绪也画进去，组成作品的一部分。
答辩前3个星期，王琳发现在网上买的木板和自己想的不一样，烧完之后就卷起来，加上广州的梅雨天气，上底之后木板就会发霉、凸起，王琳就撕掉重新补材料。她知道这样会很束缚自己，也会耽误大量的时间，可仍然较真地一遍一遍打磨。
塔皮埃斯在《艺术实践》中写道：“只有日复一日的实验和具有一种坚韧不拔的毅力，才偶尔，在最出人意外的时刻发生了这样的奇迹：那些本身没有生命的材料，居然以一种无与伦比的表现力说起话来。”
重新看自己的生活
掌握的专业知识越来越多、数年使用的技法越来越精进，在画面语言、思维方式越来越多元化的时候，王琳还在不停地思考着绘画感动她的初衷。“是画面主题还是画面的技法、肌理？如果绘画抛开了这些，还剩下什么是值得思考的？”带着这些问题，王琳看了很多画展和电影、书，听了不少讲座，依旧觉得无法给自己一个有说服力的答案。
直到听到Michelle Murillo的讲座“版画的观念性”，在讲座上，Michelle Murillo分享了将她自身的经历和对记忆的看法，及数字贴花印刷运用在喷纱玻璃上的创作过程。这就是王琳毕业创作的灵感来源。
Michelle Murillo运用玻璃来承载脆弱的记忆，这种版画技术上创新的坚持，启发了王琳运用恰当的材料质感来表达作品的隐义；主讲人对家族漫长移民史的探索让王琳思考到了自己的身份，自己生命中以往时间的轨迹以及记忆的性质和质感。王琳回顾过去与现在的自己，曾经的迷茫与彷徨、感受过的温暖与爱、遭受过的冰冷与绝望，都糅合在一起撞击着她的内心，想逃离又想回归，让她不断地认识自己和观看自己的身份。
“一个作品，其实它有价值是因为它给你提供了一个空间，让你把你的思维都给装进去”，王琳重新审视自己的生活状态，探索与自己有关的点点滴滴。“有时，一些晦涩难言的生命体验我也无法表达完整”，只是在讲述与聆听的过程中，王琳已经在记忆碎片的色痕里，重新审视了自己的身份和感受。
王琳从大二开始教小孩画画，期间她带过一个三四岁的小男孩，小男孩在画画的时候，总是一遍讲故事一边画画。有一次小男孩在一张白纸上画了两个圈，说：“姐姐，这是一条蛇住在一个山洞里。然后山里发大水了，大水淹没了山洞。”小男孩拿起笔把一整张纸都涂成了褐色，之后把纸翻过来又画了一条弯弯曲曲的线，“小蛇就从山洞后面跑出来了，它饿了，想要找吃的，吃饱了它又睡着了”，男孩把曲线擦掉又画了一个圆圈，然后拿黑色的笔把画面涂满。
当时，男孩的妈妈很不理解，同时认为王琳教得并不好，但是王琳却很感动，“小孩子的想法真的很神奇的、很自由。其实，不管我们懂不懂，应该尊重孩子的世界，哪怕简单的线条也有他们自己的故事和想法”。
和孩子一样带给王琳坚持和童真的还有她的母亲，现在偶尔回老家，母亲会拿出保存得很好的王琳以前涂涂画画过的东西，这些东西都在提醒着她要不忘初心，勇敢前行。
“创作过程犹如将自己的日记摊开再重新审视时间沉淀下的自己，或许是旧的结束，或许是新的开始。”王琳在这个过程中，不断地认识自己，接纳着自己。“生活也如此，艺术来源于生活，艺术洗礼着生活。”