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摘要：凡世间之技，都有其自身之道。问道有术，术有专攻，道可通向博大精深。一切技艺都是从最基础的“框架结构”搭建起来的，就像建房时必须开挖墙基、构建房子的梁架一样，要一层层慢慢累积。这样才能牢固稳当，垒起整座大厦。美术中的三大基本功——素描、色彩、速写也是一样。本文从这三点出发，着重探究用几何体原理解释素描技巧。
关键词：素描 几何 技巧
素描、色彩、速写，是学习美术的三大必不可少的基本功训练。当今美术体系中，任何专业都少不了学习这三门技艺，尤其是参加美术考学时，必须攻克难关，只有经过长期的强化训练，才能正式踏入美术院校的门槛，进行专业上的进一步深造。
从当今美术考试的现状来讲，什么样的人会去从事美术行业而参加国家的正式考试呢？自然是从小就喜欢画画的人，有时间就画，画画已经成为他生活中的一部分。这种自发性的爱好，会使他们自己去钻研，基本功肯定不会差。也有些高中学生，因为自己文化课成绩平平，选择参加美术高考，能考上更好的美术本科院校，也是一条好的途径。少数同学文化课成绩很好，又很喜欢画画，经过学习训练，能考上国内数一数二的高等美术学府。
美术考学是一个振奋人心的过程，其魅力首先在于它可以“玩儿”，这种“玩儿”能激起学生潜在的对美的追求意识，能让学生解开并体会到画画的神秘之处。其次，它可以“思”，为什么一件物体摆放在那里，用简单的纸和笔能表现出美的画面来，那么形象生动。于是就有了模仿学习的欲望，越画越想画。再次，画画来源于现实，又高于现实，这种高度是艺术的想象，它可以根据创作者的阅历表达出漫无边际的想法。它还可以“养”，画家的修养来自长期的实践和思考，这个过程使得整个人的内在得到修炼，也就是人们常说的“陶冶了情操”。
就素描来讲，它是一切造型艺术的基础，油画、雕塑、版画、漆画、动画、摄影、电影、装帧、工艺美术等都以它作为基本功入门。中国画这门学科在古代虽然没有西方素描造型，但有其自身的训练方法。随着时代的发展，西方文化已经融入我国美术教学体系。有了素描的造型基础，中国画的造型技巧会更加丰富，尤其在临摹创作时会更精准到位。素描可以作为独立的艺术形式存在，是一种形而下的哲学形式。其严谨的造型方法，足以体现科学的观察方法。再将熟练的技巧升华，加入艺术家的创作理念，作品风格充满浪漫主义气息。
素描是一个漫长而又艰苦的学习过程，但当每幅作品完成的那一刻，又令人感到身心愉悦。所以真正喜欢画画的人是感到快乐的，他们会去享受这个过程。如何绘制出一张比较优秀的素描作品呢？先明白其定义：用单色的排线，在二维的平面上，绘制出一个或一组具有立体感的物体或场景。最基础的是从排线说起，排线是学习素描最原始的技巧，要求两头尖尖，线与线的间隙为一毫米左右，握笔姿势是特有的素描握笔法，这需要练几张纸才能掌握其技巧。接着确立立体的造型意识，这是绘制素描的必备条件。因为我们从幼儿开始画画都是平面性的，所画作品都是二维的。素描不一样，要求有立体感，一般立体意识的形成年龄段要在十岁左右，这时候的孩子更容易接受素描。我们拿画圆球体当作例子，用排线法起形，先画一个正方形，然后对应开始切四个角，越切越圆，最终形成一个圆形。为什么不直接画圆形，而是要用排线法来切出圆来呢？这里遵循“宁方勿圆”的排线原则。圆形画好后，我们怎样画出其立体感来呢？感受光线，人类的眼睛能够看到物体的存在完全依赖于光。光线照到物体的表面，通过物体反射到人们的眼睛，经过瞳孔，进入视网膜，在视觉神经上反映给大脑，这样眼睛就能感受到物体了。这是物理现象，除了盲人，每个人都有。而艺术家看事物有其固定规则，必须细分物体表面阴影变化，专业术语称之为“七要素”——明暗交界线、亮部、暗部、灰部、高光、反光、投影。把圆形画成立体感，要借助明暗交界线过渡，光照在圆球上，体现出亮的部分和暗的部分。明暗交界线就是在暗的部分中最深的一条纵向过渡线，它可以过渡到暗部（颜色始终比暗部深），也可以从灰部过渡到亮部。投影部分体现了一个空间，谁都知道光照在物体上，物体会产生阴影，不过这投影也有变化，最接近物体底部，颜色最深，慢慢淡出，形成一个隐隐的椭圆形，而且要和暗部融为一体，使暗部的物体边缘线弱化、虚化。七要素之间色差一定是和谐在一起的。这样整个圆形就被塑造出一个立体的球体。几何体的练習必须训练，因为它对学习画石膏像、人像很有帮助，肌肉组织的高低起伏完全可以用几何体来化解。除了七要素还会讲到立方体，它的作用在于对透视的理解。当立方体被随意摆放的时候，我们通常会看到三个面，九段线，以最前面的这段竖线为参考，后面的竖线肯定是短了，这是透视规律——近大远小。所以上边的横线和下边的横线形成透视，夹角越远越小，以此类推，另外两个面也是透视原理，在纸面上看出是一个立方体。如果要验证其标准度的话，可以按照前面已有的线段来推算出后面看不到的线段位置，这个立方体的框架结构就叫做“结构素描”。圆球体和立方体解决了七要素、透视原理和结构素描的问题，接下来画其他单个几何体就不难理解了。
两个以上的几何体放在一起称为几何体组合，因为它们摆放在一起有前后关系，所以不能以单个体来画。在起形的时候就要看作整体来画，把它们框在一个框内，然后按照从前到后的顺序，先打好前面那个几何体，那后面的几何体就必须参考前面的几何体来起形。找点是比较行之有效的方法，后一个几何体离前一个有多少距离要能够估算出来，然后看后一个几何体的最高点（或最低点）在前一个边缘线的哪里确定才好，最高点和最低点连成一线，再观察连线之间的夹角有多少度，这样就比较容易画出两个几何体在一起的关系了，是高还是低？是前还是后？这也遵循了素描的空间原则。画三个、四个、五个几何体组合都是一样的道理，举一反三就行了。
我们对学科的深入研究取决于对事物本质的理解，只有切身感受到才会运用到实际中。这里还不得不提到一组几何体在整个场景中的空间关系。当把桌面上的所有物体都拿走的时候，我们只看到桌面和背景墙，桌面最前面的那条线到后面那条线的距离就是一个空间，在平面的纸上就必须表现出这个空间来。这也是借助光线来理解，假如光线从右边照过去，桌面的右侧就亮，到左侧就慢慢暗淡下去，就是右实左虚。从前到后就是前实后虚的自然原则，这样加起来在桌面的表现就是右前实、左后虚的关系，这样把一组物体再放到桌面上，也是一样的道理。从背景墙来看，它首先是在后面，整体必须是虚的，在虚的基础上，我们考虑光线（假如还是从右侧照去），那光线就从主体物的右后穿插过去，形成一个光斑，周围都处在黑暗空间。这个光斑不明显，也要在理解的基础上才能感受到。从很多古代大师经典作品中可以看到这种光线的运用。可以说西方油画研究的就是光的运用。从桌面到背景墙我们研究了一个大空间，空间是无形的，只有理解了才能很好地运用在实际作品中，这是一个明理得法的过程。
把几何体作为例子是因为它最单纯，它没有像石膏像、人像那种难以把握的复杂结构，却又说明了素描最本质的原理，引用起来更加方便理解。作为基础的基础，它更容易解决一些最根本的问题。它为后面学习静物打下基础，为画石膏像做好铺垫，为人像素描埋下伏笔，是素描、色彩、速写三大基础课题的基础。
（作者简介：吴晔峰，男，本科，无锡工艺职业技术学院，讲师，研究方向：中国画、油画、陶刻）（责任编辑 葛星星）
关键词：素描 几何 技巧
素描、色彩、速写，是学习美术的三大必不可少的基本功训练。当今美术体系中，任何专业都少不了学习这三门技艺，尤其是参加美术考学时，必须攻克难关，只有经过长期的强化训练，才能正式踏入美术院校的门槛，进行专业上的进一步深造。
从当今美术考试的现状来讲，什么样的人会去从事美术行业而参加国家的正式考试呢？自然是从小就喜欢画画的人，有时间就画，画画已经成为他生活中的一部分。这种自发性的爱好，会使他们自己去钻研，基本功肯定不会差。也有些高中学生，因为自己文化课成绩平平，选择参加美术高考，能考上更好的美术本科院校，也是一条好的途径。少数同学文化课成绩很好，又很喜欢画画，经过学习训练，能考上国内数一数二的高等美术学府。
美术考学是一个振奋人心的过程，其魅力首先在于它可以“玩儿”，这种“玩儿”能激起学生潜在的对美的追求意识，能让学生解开并体会到画画的神秘之处。其次，它可以“思”，为什么一件物体摆放在那里，用简单的纸和笔能表现出美的画面来，那么形象生动。于是就有了模仿学习的欲望，越画越想画。再次，画画来源于现实，又高于现实，这种高度是艺术的想象，它可以根据创作者的阅历表达出漫无边际的想法。它还可以“养”，画家的修养来自长期的实践和思考，这个过程使得整个人的内在得到修炼，也就是人们常说的“陶冶了情操”。
就素描来讲，它是一切造型艺术的基础，油画、雕塑、版画、漆画、动画、摄影、电影、装帧、工艺美术等都以它作为基本功入门。中国画这门学科在古代虽然没有西方素描造型，但有其自身的训练方法。随着时代的发展，西方文化已经融入我国美术教学体系。有了素描的造型基础，中国画的造型技巧会更加丰富，尤其在临摹创作时会更精准到位。素描可以作为独立的艺术形式存在，是一种形而下的哲学形式。其严谨的造型方法，足以体现科学的观察方法。再将熟练的技巧升华，加入艺术家的创作理念，作品风格充满浪漫主义气息。
素描是一个漫长而又艰苦的学习过程，但当每幅作品完成的那一刻，又令人感到身心愉悦。所以真正喜欢画画的人是感到快乐的，他们会去享受这个过程。如何绘制出一张比较优秀的素描作品呢？先明白其定义：用单色的排线，在二维的平面上，绘制出一个或一组具有立体感的物体或场景。最基础的是从排线说起，排线是学习素描最原始的技巧，要求两头尖尖，线与线的间隙为一毫米左右，握笔姿势是特有的素描握笔法，这需要练几张纸才能掌握其技巧。接着确立立体的造型意识，这是绘制素描的必备条件。因为我们从幼儿开始画画都是平面性的，所画作品都是二维的。素描不一样，要求有立体感，一般立体意识的形成年龄段要在十岁左右，这时候的孩子更容易接受素描。我们拿画圆球体当作例子，用排线法起形，先画一个正方形，然后对应开始切四个角，越切越圆，最终形成一个圆形。为什么不直接画圆形，而是要用排线法来切出圆来呢？这里遵循“宁方勿圆”的排线原则。圆形画好后，我们怎样画出其立体感来呢？感受光线，人类的眼睛能够看到物体的存在完全依赖于光。光线照到物体的表面，通过物体反射到人们的眼睛，经过瞳孔，进入视网膜，在视觉神经上反映给大脑，这样眼睛就能感受到物体了。这是物理现象，除了盲人，每个人都有。而艺术家看事物有其固定规则，必须细分物体表面阴影变化，专业术语称之为“七要素”——明暗交界线、亮部、暗部、灰部、高光、反光、投影。把圆形画成立体感，要借助明暗交界线过渡，光照在圆球上，体现出亮的部分和暗的部分。明暗交界线就是在暗的部分中最深的一条纵向过渡线，它可以过渡到暗部（颜色始终比暗部深），也可以从灰部过渡到亮部。投影部分体现了一个空间，谁都知道光照在物体上，物体会产生阴影，不过这投影也有变化，最接近物体底部，颜色最深，慢慢淡出，形成一个隐隐的椭圆形，而且要和暗部融为一体，使暗部的物体边缘线弱化、虚化。七要素之间色差一定是和谐在一起的。这样整个圆形就被塑造出一个立体的球体。几何体的练習必须训练，因为它对学习画石膏像、人像很有帮助，肌肉组织的高低起伏完全可以用几何体来化解。除了七要素还会讲到立方体，它的作用在于对透视的理解。当立方体被随意摆放的时候，我们通常会看到三个面，九段线，以最前面的这段竖线为参考，后面的竖线肯定是短了，这是透视规律——近大远小。所以上边的横线和下边的横线形成透视，夹角越远越小，以此类推，另外两个面也是透视原理，在纸面上看出是一个立方体。如果要验证其标准度的话，可以按照前面已有的线段来推算出后面看不到的线段位置，这个立方体的框架结构就叫做“结构素描”。圆球体和立方体解决了七要素、透视原理和结构素描的问题，接下来画其他单个几何体就不难理解了。
两个以上的几何体放在一起称为几何体组合，因为它们摆放在一起有前后关系，所以不能以单个体来画。在起形的时候就要看作整体来画，把它们框在一个框内，然后按照从前到后的顺序，先打好前面那个几何体，那后面的几何体就必须参考前面的几何体来起形。找点是比较行之有效的方法，后一个几何体离前一个有多少距离要能够估算出来，然后看后一个几何体的最高点（或最低点）在前一个边缘线的哪里确定才好，最高点和最低点连成一线，再观察连线之间的夹角有多少度，这样就比较容易画出两个几何体在一起的关系了，是高还是低？是前还是后？这也遵循了素描的空间原则。画三个、四个、五个几何体组合都是一样的道理，举一反三就行了。
我们对学科的深入研究取决于对事物本质的理解，只有切身感受到才会运用到实际中。这里还不得不提到一组几何体在整个场景中的空间关系。当把桌面上的所有物体都拿走的时候，我们只看到桌面和背景墙，桌面最前面的那条线到后面那条线的距离就是一个空间，在平面的纸上就必须表现出这个空间来。这也是借助光线来理解，假如光线从右边照过去，桌面的右侧就亮，到左侧就慢慢暗淡下去，就是右实左虚。从前到后就是前实后虚的自然原则，这样加起来在桌面的表现就是右前实、左后虚的关系，这样把一组物体再放到桌面上，也是一样的道理。从背景墙来看，它首先是在后面，整体必须是虚的，在虚的基础上，我们考虑光线（假如还是从右侧照去），那光线就从主体物的右后穿插过去，形成一个光斑，周围都处在黑暗空间。这个光斑不明显，也要在理解的基础上才能感受到。从很多古代大师经典作品中可以看到这种光线的运用。可以说西方油画研究的就是光的运用。从桌面到背景墙我们研究了一个大空间，空间是无形的，只有理解了才能很好地运用在实际作品中，这是一个明理得法的过程。
把几何体作为例子是因为它最单纯，它没有像石膏像、人像那种难以把握的复杂结构，却又说明了素描最本质的原理，引用起来更加方便理解。作为基础的基础，它更容易解决一些最根本的问题。它为后面学习静物打下基础，为画石膏像做好铺垫，为人像素描埋下伏笔，是素描、色彩、速写三大基础课题的基础。
（作者简介：吴晔峰，男，本科，无锡工艺职业技术学院，讲师，研究方向：中国画、油画、陶刻）（责任编辑 葛星星）