历史的第一因素是人，历史画的第一因素亦是人。
　　中国画承载宏大主题的创作，考验的是一个画家的艺术修养和知识结构，以及对大画面的驾驭能力和对历史深度的把握能力等综合素质。在新的时代审美观念和历史认知环境中，时代大语境、画家个体体验、历史事实之间的对话与互动逐渐走向深入，在当代中国画重大历史题材的创作中，其笔墨语言、材质特性与观念呈现，越来越显示出迥异于以往的特色和多元化格局。
　　艺术是人类精神物化的过程和结果，是人类表达思想、审美乃至生命状态等诸多方式中的一种。实质上，艺术是人类对人与自然、人与社会、人与自我三个维度进行探求的高级精神思维活动，人类借助审美使其在精神层面得以实现对现实的超越与升华，并运用创造视觉图像的方式给予记录。因此可以断定，艺术是现实的投影和胎痕，为当下的人们在生命状态和生存现实（社会、政治、宗教）中留下视觉的记忆。
　　在学习研究的过程中，我们真正的目标是掌握中国画的学理和规律，而不是“师其迹”。停滞在传统图式的表层，是无病呻吟，为创造而创造，只能表现出嗜血的苍白。中国画的学理和规律是自我生命与时代的碰撞之后，对生命、生存的最直接的深刻抚摸，这是带着生命温度的判断，一切创造无不如此。
　　多维空间是现代艺术再造第二自然的必然选择和创造形式，是任何其他艺术门类所无法替代的，中国古典山水画中常集高远、深远、平远于一体的空间结构意识，已具备多维空间的性质。现代艺术的空间结构与中国绘画传统的空间结构有着某种共通性，而非现实空间的绘画空间结构，恰是能够体现未来中国画现代性的最突出的标志。
　　我对传统的理解：它是一条大河，有源头，有流向，有目标，有激荡，有平湍，从高山流向大海，河道遥远而曲折，是一个无法割断的声声不息的系统。
　　中国画传统倚存于浩瀚、博大的中国文化背景之中，孤立地研究中国画传统，必然会导致仅仅止于笔墨技法层面，而难以触及到中国画的本质。客观地讲，当代对中国画传统的研究最根本的困难在于中国传统文化断裂，这已成为无法回避的事实。
　　画肖像画时，求肖似不仅于外貌，亦于内心，故而要求以具有抽象美和传统意味的笔墨服务于造型，其局部笔墨是传统的，整体笔墨结构是现代的；局部笔墨是抽象的，整体笔墨结构是具象的（写实的），这就打破了以线建立轮廓的绘画模式。
　　“品格”、“品质”几乎是评鉴所有艺术共通的标准之一，对于中国文化、中国画来讲尤甚。品格是内在精神与外在之语言形式高度统一的结果，没有内在精神品质的作品，无从谈品格，粗笔恶墨、小笔小墨，亦或纤巧柔弱的笔墨都无法承载其内蕴。
　　视觉性是东方艺术吸收借鉴西方艺术的过滤地带，被吸收的因素经此过滤缓冲，使之具有吸收的合理性，中国画在“视觉性”的检测下显现出视觉效应纤弱不足的缺憾，这是极需要重视的。
　　画家在画画时要有一种高贵的意识，只有这样笔墨才不至于太弱。不要以为写意画只是一种心动的感觉、一种力度的爆发、一种泼辣的挥洒、一种无为的大气，不是的！写意画恰恰要有很强的理性，它是在一定积淀之下，于表现的瞬间因势利导。
　　要多研究宋画，看宋画是怎样建立画面秩序的，思考其是怎样表达出一种高贵气质的，最终落实在“气”的层面上。有了“气”，画面才能有精神，一幅作品是不能没有精神性的。要以艺术家的角度去思考和观察万物，若只是以普通人的眼光，那么作为艺术家也就没有意义了。
　　中国画的笔墨本身就是一种虚拟载体，笔墨具备一套特殊的表现方法，中国画家要做的是将由观察而来的自然物象转化成笔墨物象，而一个中国画家最终的高低优劣之分就在于笔墨。
　　山水画家一定是在画人，而不是画物。所谓什么样的人画什么样的画，画家通过笔墨将自己的品性与心境寄托于物象而表达出来，那么这样的山水画就有意境了。我们当代很多山水画意境远远不足，这是因为画家们只是在画山、画水、画云，而古代山水画家画的是人的境界。
　　在画面中不能只体现简单的线条。那么，怎样在画面中体现一组既复杂又有变化的线条呢？这就需要不断地建立冲突、建立矛盾，建立矛盾以后，还要明白它承载着一种什么样的精神指向。即，你要表达什么？就像讲话一样，要说清楚你所要表达的内容和意思，不能讲了半天还让人不知所云。
　　我们当代人画画，往往只强调形式感，缺少了一种内美。屈原在《离骚》中说：“纷吾既有此内美兮，又重之以修能。”没有内美，画作就没有精神内涵，没有精神精神，画作只能愉悦眼睛，而不能抚慰心灵。
　　人类社会发展到今天，人们对外在宇宙的关注远远超过了对人自身生命的内在宇宙的关注。我觉得北京凤凰岭美术馆、凤凰岭书院应该是更侧重于对人内心宇宙的一种探讨，这就是我们脱离体制之外所产生的价值。