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中国画具有优秀的民族传统，鲜明的民族特色，在世界艺坛上独树一帜，是人类艺术宝库中的财富。中国画的传统和创新，是多年来人们论争和关心的问题。众多理论千头万绪，其主张可归纳为三个方向：一是以尊重传统为名而守旧传统；二是以创新为名而否定传统；三是继承传统努力创新，在继承中创新，在创新中继承。我们认为这第三种态度是正确的。中国人民把继承民族优秀传统，吸收外来的艺术精华和时代精神、先进技术相结合，看做是发展文化艺术的必由之路。
（一） 关于传统
艺术中“传统”，是一个多层次的概念。它既指以往形成的一定表现技法，又指比较一致的民族审美习惯，同时还泛指整个民族的文化、文明、精神或意识等。所谓“传统”，是我们世代相传共同统一的东西，是客观存在的规律法则。是一个民族的历史文化的积淀，是一个民族的“能源”。它不但存在于历史生活中，也存在于当代生活中。传统不是凝固、僵死而一成不变的，而是富有活力的遗传因子，它的生命在于新陈代谢。时代的发展是连续的，新的东西总是在旧的基础上形成的。中国画的真正传统是中华民族伟大的创造力和融合精神。这个发展着的艺术体系，没有终点，而是一脉相承。随着时代的演进，其内容和形式、题材和体裁都发生了很大的变化。这个变化，主要是我国各个时代生活的反映。同时也和国际文化交流所产生的影响有直接的关系。传统的概念，要随着现代中国画家观念的更新而拓宽它的内涵，向着中国现代的方向发展。
尊重传统也就是尊重创新，因为世界上不存在没有传统的创新，任何令人震惊的新创造，都不能和传统文化脱节。否定中国文化的优良传统，否定中国画的民族性而使中国画丧失艺术特征，不会赋予中国画新的艺术生命。正确意义的继承，自身也就是一种创造。历史悠久的传统，都是一代一代创新的结果。现在的创新，以后也要变成传统。过去的传统，曾包含着当时的创新；未来的传统，也会包含着现在的创新。创新与传统是分不开的，不要传统，是无源之水；不要创新，是有源无流。
有人把中国画的现代性和传统性对立起来，仿佛不和传统割裂就没有现代的生命力，有的人完全否定传统，说自己画不好是传统害了自己。我们说，在古人之前没有古人，但从没有传统到有传统，这个过程很不容易的。时代进展了，有些东西不适用了，这不能错怪古人，他们并未用什么束缚后人啊！科学家牛顿说：“个人的成就，是站在先辈们的肩膀上得到的。”对于传统，我们可以创造性地利用它、补充它、完善它、发展它，但不可以完全抛弃它。几千年来，我国绘画优良的艺术传统，是前人留给我们的宝藏。他们通过长期的观察、分析、研究和实践；通过艰苦的劳动和长期的经验积累，不仅总结出成功的经验，也总结出许多失败的教训。每一个技法，每一个发现，每前进一步，前人都曾付出巨大的代价。今天中国画的面貌，是多少代人努力的结晶啊！两千年的绘画史，历史多少名家的智慧，总比我们今人所知道的丰富的多。那么多宝贵经验不继承，岂不是傻子？古人所积累的创作方法和技巧，是我们今天创作出新的重要条件。
否定传统的人，往往与他们对传统的无知有关系。事实证明，割断历史的做法是错误的，也是不可能的。有位画家说：“我抛开传统搞现代，结果此路不通，走了一段弯路，现在我又转回来了。”
学习传统，学习前辈艺术家，“要以最大的功力打进去，又要以最大的勇气打出来”（李可染语）。也就是说，既要认真学习前人留下的宝贵遗产，又不食古不化，不做古人的代言人或其作品的翻版，而是要消化吸收，要“留精去粕古为今用”。既要看到传统中的消极因素，也要看到它的积极因素。对于传统中消极、保守的因素，要大胆的突破其束缚。不能站在传统的立场上批评现代，也不能站在现代的立场批评传统。传统和现代本来就是一条河，一条川流不息的河。传统的核心是民族艺魂、中华品格、审美特质、笔墨语言、特殊形式等，应该得以弘扬并赋以时代精神。我们尊重、继承和发扬传统，是为了使创新更有基础，更有方向，从而更有成功的把握。使它像铁轨一样，沿着创新的方向延伸。中国画的传统是继往开来的路基。
（二）关于创新
中国画的创新，就是中国画随着社会的发展和时代的要求如何发展变化的问题。创新是在传统的基础上，深入观察和研究客观世界，从而得到新的启发，以至发现前人没有发现的规律；创造与前人不尽相同的艺术风格、表现方法。中国画代代相承而又代代有新意。每个历史时期，都有当代人的思维。因时、因地、因人不同，时代的感情自有领略，作品的风采亦有各异。实际上中国画的创新，是指在继承中国画传统的同时，再有所发展。当画家以新的观点和思想感情来处理所选择的题材内容，感到传统的表现方法和技法不够使用，不能适应新的要求时，他们会自然而然地努力探求新的表现形式，改造旧的表现形式。石涛有句名言“笔墨当随时代”。中国绘画的全部历史，就是在一代代不断的变革中创新形成的。中国画真正的创新，同时也是使历史重新焕发出光彩，使传统重新跃动着活力，是对历史对传统的已然和未然的一种发现，从而也是对自身的一种肯定和提高。现代画家，除了学习传统绘画艺术外，还从中国古典诗词、戏剧、舞蹈、音乐中吸取营养；有的画家从民间美术中吸取营养；有的画家，虽然采用的是旧的传统形式，但是表现了新的题材，新的生活内容；有的中国画，即使是用传统形式表现古代题材、历史故事，但能用现代人的观点和思想感情去创作，同样能出新意。
历史上，曾有过几次外来文化的影响，但在中国这块土地上都得到了消化，变成养料被吸收，促进了我国民族艺术的发展，如敦煌石窟中就有许多印度的东西。事实上世界各国、各民族的文化艺术都是在互相学习、互相渗透、互相交流中创新发展的。因为中国画有着非常广泛而深厚的基础，吸收外来营养和创新，只会使祖国的民族艺术变得更加丰富灿烂，更有生命力。中国画的美学思想和创作的宽容精神，正是在不同文化的冲击下，在自身的演变中形成了丰富多彩而又鲜明的艺术特色，从而屹立于世界艺术之林。如果中国画没有自己的特色，那就很难设想有其久传不衰的生命力。因而，中国画创新和接受外来的东西，还要使它有特色的发展。
艺术的功能，由于时代不同，可能有所变化。动荡的时代、变革的时代，审美功能突出一些。有时候，画家压根没有考虑要去创新，可是，由于他充分的表现了自己对生活的独特、深刻的感受，发掘出了别人未曾发掘过的美感，其结果却是必然而又自然地创新了。创新，实际是生活本身提出的必然课题。创新来自画家对于新的生活的新感受。
（三）画家的责任
中国画作者，要提高对传统和创新的认识，力求使中国画创作的起点更高些。要对社会有较深刻的把握和认识，要遵从和把握艺术规律，对当今社会及人生，新的哲学及价值观念等有所研究，使自己的思想跟上时代的潮流，与时俱进，符合时代的脉搏。这样创作出来的艺术品才有生命力。这种生命力，就是画面的生动，即精神所在。“神”与“意”是画家集主要力量刻画的对象；深刻而生动是画家历来追求的效果，求人品、修养、品质的表现。现代社会要求艺术适应面广，我们的作品要给同行看，但更是给不画画的人看，否则必然失去生命力。有的人违反美学规律和造型艺术法则，违反民族的审美观念和大众的欣赏习惯，简单的认为“新”就是与众不同。于是就不惜一切手段，施展各种特技。我们说“与众不同”不难，但作品是否美却是最关重要的。
创新不应该作为画家创作时直接追求的目的。画家在进入创作时的精神状态，应是运用自己能运用的一切绘画语言，调动一切可以调动的艺术手段，以尽情的、淋漓尽致地抒发自己的真实情感。如果不是这样，而只是一味地考虑如何标新立异，不同凡响，甚至追求时髦，则势必在创作动机上受到干扰。在作品效果上暴露出矫揉造作、故寻新奇的痕迹，而这正是艺术上的致命伤。
反映时代风貌和时代精神，是中国画的优良传统。中国画创新离不开当前的创作实际；离不开人们的审美情趣；离不开当今的社会需要。新技法的产生，新形式的出现，又往往得力于新题材的推动，总是和生活联系在一起。即是作品所表现的是生活中所不能存在的宗教内容，艺术家也总是以他所处的现实生活为其内容依据。生活是艺术的唯一源泉。
要改变脱离群众脱离生活的倾向，要重视绘画的社会功能。有的作品群众看不懂，美术界也看不懂。用“信息论”来看，信息传出去的表征、表意，使双方理解才能起作用，起共鸣。艺术也是一种信息，也存在着创作者与欣赏者之间的反馈关系与作用。如果画的信息使人看不懂，也就不能产生共鸣，那这样的画还有什么意义？不仅要注意信息传递的“量”，而且还要重视信息传递的“优质值”。缺少优质的信息，对方虽然能理解，但却起不到什么作用。那千篇一律、缺少新意的作品，虽然人人能看懂，但没有意义。
画家要不断重视对新形势的探索，不断丰富中国画艺术的表现手法。绘画是视觉艺术，形式的新颖和完美，不但关系到作品内容的表达，还直接影响作品的艺术感染力。笔墨是中国画创作中的一种富有个性的艺术语言。绘画形式上的种种演变，里面都包含着笔墨上出新的成绩。画家应该认识到，传统笔墨之长和笔墨当随时代而变化的规律。要创作富有“意境”的作品。“意境”是艺术深度的具体反映，也是作品感染力的集聚点，它包含着作者的真实情感。“意”就是理想，“境”就是现实。好的中国画，都是理想和现实的结合。作品意境的创造，基于作者的素质和修养，以及对景物产生的感受和演化的认识，加以在创作过程中形成的合适的立意和表现形式。富有意境的作品，既表现画中自然景物的情趣，又富有寄意深远的情意，构成一种清新而幽深的境界，产生蕴藉含蓄的美和惹人遐想的魅力。
作为艺术家，尽管每个人的基本条件和才赋不同，基本功取得的方式不同，但对基本功的要求，却都是不可缺少的。潘天寿先生说过：“画家需要天资、功力、学养、品德四者兼备”。这里的“功力”即指基本功。它不但包含着高超的技艺、形式美的因素和许多美学价值，也是一个画家一生造诣深浅的标志。有人把基本功比作树的“根”，建筑的“基”。“根”不深，如何能长成参天大树！有的人学习难以提高，其基本功不踏实，根基不深，有碍事物的成长，往往是个重要的原因。
画家要注重自身的修养。有人打个比喻：学画的历程好比长途赛跑，艺术修养高的人，越是接近冲线越有后劲；没有艺术修养的人，好比生豆芽，开始好像劲头挺足，但长不了几天，就没有后劲了。陶潜说的“功夫在诗外”，对画家也是适用的。一般讲，艺术修养包括技术修养和多方面的知识修养。如古代名作与画论方面、其它姊妹艺术、书法修养及广博的文化知识。同时还要有进步而健康的思想、高尚的道德情操。
改革开放，我们的国家进入了一个新的历史时期。新的时代不仅提供了新的表现内容，而且改变着人们的审美趣味和审美理想。从而对艺术提供了新的要求。要求现代的中国画表现出对古人更深刻的哲理性与象征性。要能体现出当代社会前进的脉搏与萌动中希望，给人们以有关社会问题和人生意义的新的启迪。
中国画进入市场，是改革开放的必然结果。对中国画的创作，有促进的一面，也有冲击的一面。在市场经济大潮下，有出息的中国画家要求高品位、高质量，要坚持艺术创作的严肃性。把较高的艺术作品推向市场，逐渐提高广大群众的欣赏水平。今天的画家们，需要的是进取的精神、革新的胆识、广博的学识、勤奋的实践和不畏艰难的探索，创作出不愧为这个繁荣昌盛的新时代的艺术作品。
（一） 关于传统
艺术中“传统”，是一个多层次的概念。它既指以往形成的一定表现技法，又指比较一致的民族审美习惯，同时还泛指整个民族的文化、文明、精神或意识等。所谓“传统”，是我们世代相传共同统一的东西，是客观存在的规律法则。是一个民族的历史文化的积淀，是一个民族的“能源”。它不但存在于历史生活中，也存在于当代生活中。传统不是凝固、僵死而一成不变的，而是富有活力的遗传因子，它的生命在于新陈代谢。时代的发展是连续的，新的东西总是在旧的基础上形成的。中国画的真正传统是中华民族伟大的创造力和融合精神。这个发展着的艺术体系，没有终点，而是一脉相承。随着时代的演进，其内容和形式、题材和体裁都发生了很大的变化。这个变化，主要是我国各个时代生活的反映。同时也和国际文化交流所产生的影响有直接的关系。传统的概念，要随着现代中国画家观念的更新而拓宽它的内涵，向着中国现代的方向发展。
尊重传统也就是尊重创新，因为世界上不存在没有传统的创新，任何令人震惊的新创造，都不能和传统文化脱节。否定中国文化的优良传统，否定中国画的民族性而使中国画丧失艺术特征，不会赋予中国画新的艺术生命。正确意义的继承，自身也就是一种创造。历史悠久的传统，都是一代一代创新的结果。现在的创新，以后也要变成传统。过去的传统，曾包含着当时的创新；未来的传统，也会包含着现在的创新。创新与传统是分不开的，不要传统，是无源之水；不要创新，是有源无流。
有人把中国画的现代性和传统性对立起来，仿佛不和传统割裂就没有现代的生命力，有的人完全否定传统，说自己画不好是传统害了自己。我们说，在古人之前没有古人，但从没有传统到有传统，这个过程很不容易的。时代进展了，有些东西不适用了，这不能错怪古人，他们并未用什么束缚后人啊！科学家牛顿说：“个人的成就，是站在先辈们的肩膀上得到的。”对于传统，我们可以创造性地利用它、补充它、完善它、发展它，但不可以完全抛弃它。几千年来，我国绘画优良的艺术传统，是前人留给我们的宝藏。他们通过长期的观察、分析、研究和实践；通过艰苦的劳动和长期的经验积累，不仅总结出成功的经验，也总结出许多失败的教训。每一个技法，每一个发现，每前进一步，前人都曾付出巨大的代价。今天中国画的面貌，是多少代人努力的结晶啊！两千年的绘画史，历史多少名家的智慧，总比我们今人所知道的丰富的多。那么多宝贵经验不继承，岂不是傻子？古人所积累的创作方法和技巧，是我们今天创作出新的重要条件。
否定传统的人，往往与他们对传统的无知有关系。事实证明，割断历史的做法是错误的，也是不可能的。有位画家说：“我抛开传统搞现代，结果此路不通，走了一段弯路，现在我又转回来了。”
学习传统，学习前辈艺术家，“要以最大的功力打进去，又要以最大的勇气打出来”（李可染语）。也就是说，既要认真学习前人留下的宝贵遗产，又不食古不化，不做古人的代言人或其作品的翻版，而是要消化吸收，要“留精去粕古为今用”。既要看到传统中的消极因素，也要看到它的积极因素。对于传统中消极、保守的因素，要大胆的突破其束缚。不能站在传统的立场上批评现代，也不能站在现代的立场批评传统。传统和现代本来就是一条河，一条川流不息的河。传统的核心是民族艺魂、中华品格、审美特质、笔墨语言、特殊形式等，应该得以弘扬并赋以时代精神。我们尊重、继承和发扬传统，是为了使创新更有基础，更有方向，从而更有成功的把握。使它像铁轨一样，沿着创新的方向延伸。中国画的传统是继往开来的路基。
（二）关于创新
中国画的创新，就是中国画随着社会的发展和时代的要求如何发展变化的问题。创新是在传统的基础上，深入观察和研究客观世界，从而得到新的启发，以至发现前人没有发现的规律；创造与前人不尽相同的艺术风格、表现方法。中国画代代相承而又代代有新意。每个历史时期，都有当代人的思维。因时、因地、因人不同，时代的感情自有领略，作品的风采亦有各异。实际上中国画的创新，是指在继承中国画传统的同时，再有所发展。当画家以新的观点和思想感情来处理所选择的题材内容，感到传统的表现方法和技法不够使用，不能适应新的要求时，他们会自然而然地努力探求新的表现形式，改造旧的表现形式。石涛有句名言“笔墨当随时代”。中国绘画的全部历史，就是在一代代不断的变革中创新形成的。中国画真正的创新，同时也是使历史重新焕发出光彩，使传统重新跃动着活力，是对历史对传统的已然和未然的一种发现，从而也是对自身的一种肯定和提高。现代画家，除了学习传统绘画艺术外，还从中国古典诗词、戏剧、舞蹈、音乐中吸取营养；有的画家从民间美术中吸取营养；有的画家，虽然采用的是旧的传统形式，但是表现了新的题材，新的生活内容；有的中国画，即使是用传统形式表现古代题材、历史故事，但能用现代人的观点和思想感情去创作，同样能出新意。
历史上，曾有过几次外来文化的影响，但在中国这块土地上都得到了消化，变成养料被吸收，促进了我国民族艺术的发展，如敦煌石窟中就有许多印度的东西。事实上世界各国、各民族的文化艺术都是在互相学习、互相渗透、互相交流中创新发展的。因为中国画有着非常广泛而深厚的基础，吸收外来营养和创新，只会使祖国的民族艺术变得更加丰富灿烂，更有生命力。中国画的美学思想和创作的宽容精神，正是在不同文化的冲击下，在自身的演变中形成了丰富多彩而又鲜明的艺术特色，从而屹立于世界艺术之林。如果中国画没有自己的特色，那就很难设想有其久传不衰的生命力。因而，中国画创新和接受外来的东西，还要使它有特色的发展。
艺术的功能，由于时代不同，可能有所变化。动荡的时代、变革的时代，审美功能突出一些。有时候，画家压根没有考虑要去创新，可是，由于他充分的表现了自己对生活的独特、深刻的感受，发掘出了别人未曾发掘过的美感，其结果却是必然而又自然地创新了。创新，实际是生活本身提出的必然课题。创新来自画家对于新的生活的新感受。
（三）画家的责任
中国画作者，要提高对传统和创新的认识，力求使中国画创作的起点更高些。要对社会有较深刻的把握和认识，要遵从和把握艺术规律，对当今社会及人生，新的哲学及价值观念等有所研究，使自己的思想跟上时代的潮流，与时俱进，符合时代的脉搏。这样创作出来的艺术品才有生命力。这种生命力，就是画面的生动，即精神所在。“神”与“意”是画家集主要力量刻画的对象；深刻而生动是画家历来追求的效果，求人品、修养、品质的表现。现代社会要求艺术适应面广，我们的作品要给同行看，但更是给不画画的人看，否则必然失去生命力。有的人违反美学规律和造型艺术法则，违反民族的审美观念和大众的欣赏习惯，简单的认为“新”就是与众不同。于是就不惜一切手段，施展各种特技。我们说“与众不同”不难，但作品是否美却是最关重要的。
创新不应该作为画家创作时直接追求的目的。画家在进入创作时的精神状态，应是运用自己能运用的一切绘画语言，调动一切可以调动的艺术手段，以尽情的、淋漓尽致地抒发自己的真实情感。如果不是这样，而只是一味地考虑如何标新立异，不同凡响，甚至追求时髦，则势必在创作动机上受到干扰。在作品效果上暴露出矫揉造作、故寻新奇的痕迹，而这正是艺术上的致命伤。
反映时代风貌和时代精神，是中国画的优良传统。中国画创新离不开当前的创作实际；离不开人们的审美情趣；离不开当今的社会需要。新技法的产生，新形式的出现，又往往得力于新题材的推动，总是和生活联系在一起。即是作品所表现的是生活中所不能存在的宗教内容，艺术家也总是以他所处的现实生活为其内容依据。生活是艺术的唯一源泉。
要改变脱离群众脱离生活的倾向，要重视绘画的社会功能。有的作品群众看不懂，美术界也看不懂。用“信息论”来看，信息传出去的表征、表意，使双方理解才能起作用，起共鸣。艺术也是一种信息，也存在着创作者与欣赏者之间的反馈关系与作用。如果画的信息使人看不懂，也就不能产生共鸣，那这样的画还有什么意义？不仅要注意信息传递的“量”，而且还要重视信息传递的“优质值”。缺少优质的信息，对方虽然能理解，但却起不到什么作用。那千篇一律、缺少新意的作品，虽然人人能看懂，但没有意义。
画家要不断重视对新形势的探索，不断丰富中国画艺术的表现手法。绘画是视觉艺术，形式的新颖和完美，不但关系到作品内容的表达，还直接影响作品的艺术感染力。笔墨是中国画创作中的一种富有个性的艺术语言。绘画形式上的种种演变，里面都包含着笔墨上出新的成绩。画家应该认识到，传统笔墨之长和笔墨当随时代而变化的规律。要创作富有“意境”的作品。“意境”是艺术深度的具体反映，也是作品感染力的集聚点，它包含着作者的真实情感。“意”就是理想，“境”就是现实。好的中国画，都是理想和现实的结合。作品意境的创造，基于作者的素质和修养，以及对景物产生的感受和演化的认识，加以在创作过程中形成的合适的立意和表现形式。富有意境的作品，既表现画中自然景物的情趣，又富有寄意深远的情意，构成一种清新而幽深的境界，产生蕴藉含蓄的美和惹人遐想的魅力。
作为艺术家，尽管每个人的基本条件和才赋不同，基本功取得的方式不同，但对基本功的要求，却都是不可缺少的。潘天寿先生说过：“画家需要天资、功力、学养、品德四者兼备”。这里的“功力”即指基本功。它不但包含着高超的技艺、形式美的因素和许多美学价值，也是一个画家一生造诣深浅的标志。有人把基本功比作树的“根”，建筑的“基”。“根”不深，如何能长成参天大树！有的人学习难以提高，其基本功不踏实，根基不深，有碍事物的成长，往往是个重要的原因。
画家要注重自身的修养。有人打个比喻：学画的历程好比长途赛跑，艺术修养高的人，越是接近冲线越有后劲；没有艺术修养的人，好比生豆芽，开始好像劲头挺足，但长不了几天，就没有后劲了。陶潜说的“功夫在诗外”，对画家也是适用的。一般讲，艺术修养包括技术修养和多方面的知识修养。如古代名作与画论方面、其它姊妹艺术、书法修养及广博的文化知识。同时还要有进步而健康的思想、高尚的道德情操。
改革开放，我们的国家进入了一个新的历史时期。新的时代不仅提供了新的表现内容，而且改变着人们的审美趣味和审美理想。从而对艺术提供了新的要求。要求现代的中国画表现出对古人更深刻的哲理性与象征性。要能体现出当代社会前进的脉搏与萌动中希望，给人们以有关社会问题和人生意义的新的启迪。
中国画进入市场，是改革开放的必然结果。对中国画的创作，有促进的一面，也有冲击的一面。在市场经济大潮下，有出息的中国画家要求高品位、高质量，要坚持艺术创作的严肃性。把较高的艺术作品推向市场，逐渐提高广大群众的欣赏水平。今天的画家们，需要的是进取的精神、革新的胆识、广博的学识、勤奋的实践和不畏艰难的探索，创作出不愧为这个繁荣昌盛的新时代的艺术作品。