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郭泰来
艺术家
采访时间：9月11日
采访形式：郭泰来工作室
到达郭泰来工作室是上午10点，很少会有艺术家约在上午谈事情、做采访，但郭泰来不同，已经57岁的他每天早上7点就来到工作室，直到晚上12点，除了吃饭差不多工作十五六个小时，读书是他工作的调剂。10月25日，郭泰来将在德国和一位当地的艺术家举办联展，用郭泰来的话说，这是一场PK，每人展出20幅作品，同台竞技。曾经有一位德国文化官员问郭泰来，说他曾经去过北京，灰不溜秋的，为什么郭泰来的用色这么鲜艳，在他们的意识里中国人画不出色彩鲜艳的东西，但郭泰来有自信，在即将到来的这场PK中，他的色彩一点都不弱。
郭泰来幼年的生长环境对他影响很大，他可以看到许多同龄人所不能接触到的文化艺术类的书籍，包括水彩、素描、速写的画册，甚至小人书，这些都对他产生了深远的影响。到了中学阶段，郭泰来有幸接受了系统的绘画训练，很多人看了他当时的油画都觉得不可能出自一个中学生之手，这一时期为其后来的创作打下了坚实的基础。改革开放以后，郭泰来调到北京国际艺苑美术基金会，在北京市文联专门搞创作，跟随当时的基金会主席刘讯学油画。到了上世纪90年代，在对西方现代艺术有了一定了解后，郭泰来也进行了一些创作上的尝试。但很难想象一个艺术家会在自己50多岁的时候从油画转向国画。
这种转变是个人化的，但令郭泰来感到意外的是反响还不错，不仅得到了一些批评家的认可，也得到了藏家的青睐，与不少艺术家难以为继的状态不同的是，郭泰来的作品并不愁卖，他还可以自给自足完成一套100集的出版计划——《郭泰来全集》。
在最初的艺术学习阶段，你经历了系统的油画训练，但是现在从事的是国画创作，是什么促成了这样的转变？
大概是5年前，那会儿我还在画油画，当时就是在这个工作室里，挂了很多油画，还有一些书法，中国美术馆馆长范迪安来我这，他就说你的这些书法很好，为什么不尝试画一画国画呢。这对我来说是非常宝贵的提示，我觉得可以试一试。
我们学画的时候，画油画的不画国画，也不写书法，但是我的老师邓领祥告诉我艺术是相通的，所以一定要写写书法、搞搞篆刻，所以在那个时期，书法、国画、篆刻我都有接触，包括我大量的阅读，也是受邓领祥老师的引导。当我决定尝试国画的时候，我查阅了很多资料，读了中国绘画史，把唐宋元明清我所能看到的图录都翻了一遍，包括近代的像齐白石、黄宾虹，我就发现我们的中国绘画其实一直是文人画的延续，传统的国画我学习的时候也曾画过，大写意风格的也画过，中国画的图示、笔墨、技巧等已经发展的很成熟了，但这一次我从一入手就想要抛开传统。
东西方绘画有各自的系统，在20世纪，整个西方的艺术都是对传统的颠覆，那么我也想在我们的传统上有一些颠覆。通过我的研究，我认为中国画在结构方面会比较弱，用色非常简单，主要以墨色为主，我就想把我原来学习西画的色彩和结构引入国画创作，后来就形成了我自己的一种风格。
如你所言，你在创作上用色鲜艳，反传统，对于颜色的探索从1997年开始，大概用了10年时间，这一阶段的摸索有什么样的感触？
这一时期可以算作我如今国画创作的前奏，在这10年间我只画了两批油画作品，分别是在1999年和2008年，其余的时间基本上都在读书，算是一种积累和研究吧。我们这一代人受当时一些理论的影响还是比较深的，比如如何把油画民族化，我当时画油画也是在画结构，在探讨一种民族形式。
这两批作品在面貌上有哪些转变？
差异还是很大的。1999年那批画还是介于写实和抽象之间的一种语言符号，但是到了2008年就完全是结构性的东西，放弃了写实。2008年这批作品非常重要，对我现在的国画创作影响非常大。
等于是经过一个相当长时间的积累后，有了一个突破。
严格意义上讲，材料的不同没有太大的差别，我们通常是在宣纸上写字，其实亚麻布上也可以，可能略有差别。当范迪安提示我画国画的时候，我就想在国画领域有所突破，因为当时有一种声音就是中国画没有出路了，虽然这种提法有些偏激，但在当时也有一定的积极意义，起码可以让大家去思考，去争辩。
在我看来，每个时代都应该有每个时代的风格，作为艺术家更应当有所创新，这种创新可以体现在很多方面，比如材料的创新，在毕加索那个时代，艺术家会在油画上撒一把沙子，加上小木块等等，没有什么是不可以的。在我们的国画创作中也是如此，我们要打破一些界限，老祖宗的东西不一定要完全遵守。我有一个观点就是“人的神的时代已经来临”，也就是说现在已经到了有无限可能的时代，人们过去的所有想象现在基本上都实现了，那么对艺术来来说更应该具备无限的可能，所以我画了很多新图示，它是现实生活中所没有的。艺术作为写实的手段已经过去了，摄影都已经发明近200年了，再画个苹果，画个梨已经没有什么意义了，艺术也不再需要讲故事了，我觉得艺术还是需要给人以精神的提升。
在突破方面，你刚提到了材料的创新，那在你的创作中，材料有哪些不同吗？
其实在材料方面我没有什么特殊的要求，我用的还是传统的宣纸，颜料的话，我有一个最基本的要求，就是可以在宣纸上使用，且常年不褪色，这是很关键的一点。
从画面上来看，你的一些作品受到了毕加索的影响，可以明显的看到一些几何构成的东西，能不能谈一谈毕加索？
毕加索对我的影响其实并不仅仅是几何构成，这只是表象的东西。毕加索对我真正的影响在于他让我认识到艺术家应当自由创作，不受任何限制，我认为这才是毕加索真正的精神，这也是全世界艺术家敬佩他，并受其影响的原因。他就一个颠覆传统的革新派，一个创造者，他最大的特点就是自由。
我的画也受到塞尚理论的影响，在我们的生活中到处都是几何形态，所以当这些图形出现在画面中的时候，可能会引起人们的共鸣，一种视觉上、审美上的和谐，并不觉得突兀。在大多数人的印象里传统水墨一直是那个样子，会有一些审美疲劳，我的绘画还是会让人觉得有点新鲜感。从我的创作来讲，还不能说是学习毕加索或者立体派，从图像上讲我觉得更像是堆积木。
但是在你近期创作中，几何图形这种元素相对来说减弱了，画面更趋于简洁，这又是出于什么样的考虑呢？
从我开始尝试国画创作，大概可以分为三个阶段：第一个阶段，主要是摸索，并不强调结构、色彩，只是按部就班的进行；第二个阶段，我有意识地画有结构性的东西；目前是第三个阶段，我按照自己的美学观念在图示上进行创新，就是我刚提到的，进入人的神的时代的图形。在视觉上，我们看惯了普通的场景，我希望通过新的图形，给人以视觉冲击，让人们很直观的能够感受到不同，进入了另外一个世界的感觉。
虽然绘画艺术在不同时期有不同的审美需求，但最基本的审美还是不能丢的，大家希望看到美的东西这样一个审美需求并不会改变。对一件作品而言，如果大家看了之后没什么感觉，我认为这不是好的艺术。我曾在德国科隆看到一件波洛克的巨幅作品，非常震撼，它完全不具备叙事性，但是这种冲击力是每一个人都可以感受到的，我认为这是视觉艺术所应当具备的。
艺术家
采访时间：9月11日
采访形式：郭泰来工作室
到达郭泰来工作室是上午10点，很少会有艺术家约在上午谈事情、做采访，但郭泰来不同，已经57岁的他每天早上7点就来到工作室，直到晚上12点，除了吃饭差不多工作十五六个小时，读书是他工作的调剂。10月25日，郭泰来将在德国和一位当地的艺术家举办联展，用郭泰来的话说，这是一场PK，每人展出20幅作品，同台竞技。曾经有一位德国文化官员问郭泰来，说他曾经去过北京，灰不溜秋的，为什么郭泰来的用色这么鲜艳，在他们的意识里中国人画不出色彩鲜艳的东西，但郭泰来有自信，在即将到来的这场PK中，他的色彩一点都不弱。
郭泰来幼年的生长环境对他影响很大，他可以看到许多同龄人所不能接触到的文化艺术类的书籍，包括水彩、素描、速写的画册，甚至小人书，这些都对他产生了深远的影响。到了中学阶段，郭泰来有幸接受了系统的绘画训练，很多人看了他当时的油画都觉得不可能出自一个中学生之手，这一时期为其后来的创作打下了坚实的基础。改革开放以后，郭泰来调到北京国际艺苑美术基金会，在北京市文联专门搞创作，跟随当时的基金会主席刘讯学油画。到了上世纪90年代，在对西方现代艺术有了一定了解后，郭泰来也进行了一些创作上的尝试。但很难想象一个艺术家会在自己50多岁的时候从油画转向国画。
这种转变是个人化的，但令郭泰来感到意外的是反响还不错，不仅得到了一些批评家的认可，也得到了藏家的青睐，与不少艺术家难以为继的状态不同的是，郭泰来的作品并不愁卖，他还可以自给自足完成一套100集的出版计划——《郭泰来全集》。
在最初的艺术学习阶段，你经历了系统的油画训练，但是现在从事的是国画创作，是什么促成了这样的转变？
大概是5年前，那会儿我还在画油画，当时就是在这个工作室里，挂了很多油画，还有一些书法，中国美术馆馆长范迪安来我这，他就说你的这些书法很好，为什么不尝试画一画国画呢。这对我来说是非常宝贵的提示，我觉得可以试一试。
我们学画的时候，画油画的不画国画，也不写书法，但是我的老师邓领祥告诉我艺术是相通的，所以一定要写写书法、搞搞篆刻，所以在那个时期，书法、国画、篆刻我都有接触，包括我大量的阅读，也是受邓领祥老师的引导。当我决定尝试国画的时候，我查阅了很多资料，读了中国绘画史，把唐宋元明清我所能看到的图录都翻了一遍，包括近代的像齐白石、黄宾虹，我就发现我们的中国绘画其实一直是文人画的延续，传统的国画我学习的时候也曾画过，大写意风格的也画过，中国画的图示、笔墨、技巧等已经发展的很成熟了，但这一次我从一入手就想要抛开传统。
东西方绘画有各自的系统，在20世纪，整个西方的艺术都是对传统的颠覆，那么我也想在我们的传统上有一些颠覆。通过我的研究，我认为中国画在结构方面会比较弱，用色非常简单，主要以墨色为主，我就想把我原来学习西画的色彩和结构引入国画创作，后来就形成了我自己的一种风格。
如你所言，你在创作上用色鲜艳，反传统，对于颜色的探索从1997年开始，大概用了10年时间，这一阶段的摸索有什么样的感触？
这一时期可以算作我如今国画创作的前奏，在这10年间我只画了两批油画作品，分别是在1999年和2008年，其余的时间基本上都在读书，算是一种积累和研究吧。我们这一代人受当时一些理论的影响还是比较深的，比如如何把油画民族化，我当时画油画也是在画结构，在探讨一种民族形式。
这两批作品在面貌上有哪些转变？
差异还是很大的。1999年那批画还是介于写实和抽象之间的一种语言符号，但是到了2008年就完全是结构性的东西，放弃了写实。2008年这批作品非常重要，对我现在的国画创作影响非常大。
等于是经过一个相当长时间的积累后，有了一个突破。
严格意义上讲，材料的不同没有太大的差别，我们通常是在宣纸上写字，其实亚麻布上也可以，可能略有差别。当范迪安提示我画国画的时候，我就想在国画领域有所突破，因为当时有一种声音就是中国画没有出路了，虽然这种提法有些偏激，但在当时也有一定的积极意义，起码可以让大家去思考，去争辩。
在我看来，每个时代都应该有每个时代的风格，作为艺术家更应当有所创新，这种创新可以体现在很多方面，比如材料的创新，在毕加索那个时代，艺术家会在油画上撒一把沙子，加上小木块等等，没有什么是不可以的。在我们的国画创作中也是如此，我们要打破一些界限，老祖宗的东西不一定要完全遵守。我有一个观点就是“人的神的时代已经来临”，也就是说现在已经到了有无限可能的时代，人们过去的所有想象现在基本上都实现了，那么对艺术来来说更应该具备无限的可能，所以我画了很多新图示，它是现实生活中所没有的。艺术作为写实的手段已经过去了，摄影都已经发明近200年了，再画个苹果，画个梨已经没有什么意义了，艺术也不再需要讲故事了，我觉得艺术还是需要给人以精神的提升。
在突破方面，你刚提到了材料的创新，那在你的创作中，材料有哪些不同吗？
其实在材料方面我没有什么特殊的要求，我用的还是传统的宣纸，颜料的话，我有一个最基本的要求，就是可以在宣纸上使用，且常年不褪色，这是很关键的一点。
从画面上来看，你的一些作品受到了毕加索的影响，可以明显的看到一些几何构成的东西，能不能谈一谈毕加索？
毕加索对我的影响其实并不仅仅是几何构成，这只是表象的东西。毕加索对我真正的影响在于他让我认识到艺术家应当自由创作，不受任何限制，我认为这才是毕加索真正的精神，这也是全世界艺术家敬佩他，并受其影响的原因。他就一个颠覆传统的革新派，一个创造者，他最大的特点就是自由。
我的画也受到塞尚理论的影响，在我们的生活中到处都是几何形态，所以当这些图形出现在画面中的时候，可能会引起人们的共鸣，一种视觉上、审美上的和谐，并不觉得突兀。在大多数人的印象里传统水墨一直是那个样子，会有一些审美疲劳，我的绘画还是会让人觉得有点新鲜感。从我的创作来讲，还不能说是学习毕加索或者立体派，从图像上讲我觉得更像是堆积木。
但是在你近期创作中，几何图形这种元素相对来说减弱了，画面更趋于简洁，这又是出于什么样的考虑呢？
从我开始尝试国画创作，大概可以分为三个阶段：第一个阶段，主要是摸索，并不强调结构、色彩，只是按部就班的进行；第二个阶段，我有意识地画有结构性的东西；目前是第三个阶段，我按照自己的美学观念在图示上进行创新，就是我刚提到的，进入人的神的时代的图形。在视觉上，我们看惯了普通的场景，我希望通过新的图形，给人以视觉冲击，让人们很直观的能够感受到不同，进入了另外一个世界的感觉。
虽然绘画艺术在不同时期有不同的审美需求，但最基本的审美还是不能丢的，大家希望看到美的东西这样一个审美需求并不会改变。对一件作品而言，如果大家看了之后没什么感觉，我认为这不是好的艺术。我曾在德国科隆看到一件波洛克的巨幅作品，非常震撼，它完全不具备叙事性，但是这种冲击力是每一个人都可以感受到的，我认为这是视觉艺术所应当具备的。